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fecha de publicación16.04.2016
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FOVISMO
El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
Características:
El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos.
Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
Este planteamiento, conocido como Modelo de color RYB, clasificaba los colores como:

Colores Primarios: rojo, amarillo, azul

Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).

Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color primario que queda frente a la mezcla de los otros dos: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.
En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.
El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.
Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.
MATISSE



“Retrato con raya verde”


VLAMINCK

DERAIN



EXPRESIONISMO (p:673)
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior.
Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.
Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.
MUNCH
Edvard Munch (Løten, 12 de diciembre de 1863-Ekely, 23 de enero de 1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
Sus obras son como variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana.

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.
El grito (1893), óleo, temple y pastel sobre cartón, 91 x 74 cm, Galería Nacional de Oslo.

El Grito, realizado en 1893, fue una de sus obras más importantes, la idea de esta obra va surgiendo despacio.
En 1892 apunta: Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en la barandilla, preso de una fatiga mortal. Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza.
El tema es el de un pobre ser humano que aparece en primer plano, con las manos puestas en la cabeza que emite un grito de angustia, traspasa los límites personales y va más allá de la naturaleza.




“El grito”

NOLDE
Emil Nolde (Nolde, Gemeinde Buhrkall, 7 de agosto de 1867 - Seebüll Neukirchen, Nordfriesland, 15 de abril de 1956) uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes.
Ha sido considerado como uno de los grandes pintores del siglo XX. Perteneció al conocido movimiento "El Puente" Die Brücke.
Su crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional.
El viaje que realizó a Nueva Guinea entre 1913 y 1914 hizo que cristalizara en él un gusto por el arte tribal, que incluía tremendas distorsiones de las formas, modelos planos y violentos contrastes de color.
Cambió poco de estilo a lo largo de su carrera y se dedicó sobre todo a los paisajes y a las escenas de interior con figuras humanas. Sus paisajes, como Marzo (1916, Kunstmuseum, Basilea), son inquietantes y amenazadores.
Sus escenas con personajes como El juerguista (1919, Galería Estatal, Hannover) presentan el rostro humano como una máscara grotesca que siempre revela con crudeza emociones básicas.
En obras como el tríptico La vida de santa María Egipcíaca (1912, Kunsthalle de Hamburgo) busca un retorno a la imaginería religiosa y da un tratamiento expresionista a las escenas del Nuevo Testamento.
Simpatizante del nacionalsocialismo en su primera etapa, fue luego condenado como artista degenerado y enlistado como Entartete Kunst.
En 1941 los nazis le prohibieron pintar. Durante ese tiempo pintó acuarelas que llamó ¨Pinturas no pintadas". Sin embargo, algún tiempo después produjo un importante número de acuarelas y grabados expresionistas.



MARC
Franz Marc (Múnich, 8 de febrero de 1880 – Braquis, 4 de marzo de 1916), pintor alemán. Fue uno de los principales representantes del movimiento expresionista alemán.
La parte de su obra más conocida son los retratos de animales. Estas obras se caracterizan por la brillantez de colores primarios, el cubismo, la simplicidad y un profundo sentido de la emoción. El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificación formal y cromática de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual,amarillo para la alegría femenina, y el rojo para la violencia.


KOKOSCHKA
Oskar Kokoschka (1 de marzo de 1886 - 22 de febrero de 1980) fue un pintor y poeta de origen austríaco, conocido principalmente por sus retratos y paisajes expresionistas.



WIENE




Robert Wiene fue un director alemán de cine mudo nacido el 24 de abril de 1873 en Breslavia, Silesia, Alemania (hoy en territorio polaco) y fallecido el 17 de julio de 1938 en París.



NOSFERATU-MURNAU
Nosferatu y como Nosferatu el vampiro (en España), es una película muda de 1922 dirigida por F. W. Murnau.




CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y ni tienen una métrica específica ni se organizan en versos.
PICASSO
Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, España; 25 de octubre de 1881-Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Muy influenciado por Cezanne y artes africanas.
Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
Pasa por tres fases:
-Fase cezaniana

-Cubismo analítico

-Cubismo sintético



“Retrato de Gertrude Stain”
Aproxima la cara a la escultura y la piedra. Se trata de un antecedente del cubismo.


“Las señoritas de aviñón”
Pertenece a la primera fase del cubismo (fase cezaniana). Se trata de una obra de 1907. Picasso abandona los temas más sensibleros, busca una justificación dentro de la historia inspirándose en la pintura románica y en la escultura ibérica. Violencia innovadora.
El tema de la obra surgió como un homenaje a Casagemas, amigo de Picasso que se suicida por amor. Algunos bocetos preparatorios no muestran a un joven con una calavera en la mano entrando en una sala con mujeres desnudas. Evocación a la muerte en el lugar del placer.
5 mujeres en posición insinuante, se debía tratar de un prostíbulo, en la parte más baja del cuadro hay un frutero, no es fácil determinar los límites entre el fondo y las figuras. Relacionada con el arte egipcio, las damas ibéricas y las máscaras africanas.
Con este trabajo sentaba las bases de una pintura nueva que nada tenía que ver con la perspectiva del Renacimiento.

El cubismo analítico lo tenemos hacia 1911 y parte de la base de que en el Renacimiento se había inventado la perspectiva como sistema para la representación de la realidad.




Se trata de una descomposición en las diferentes partes del cubismo. Manera distinta de ver las cosas más aproximada a la realidad. El tema no es especialmente importante, incluso tampoco los colores. Lo importante es la representación del objeto en su realidad más poliédrica. De cada vez es más difícil que el espectador entienda la obra, divorcio entre el arte y la sociedad no iniciada en estos temas y en consecuencia se desprecia el arte contemporáneo.

Muchas veces es necesario la pista del título y el añadido de un objeto ajeno para poder entender el cuadro.
Los collage (nueva técnica que crean los cubistas) se inician al final de la etapa analítica y lo veremos sobretodo en la etapa del cubismo sintético.




“Naturaleza muerta con silla de rejilla”, 1912, pertenece al cubismo sintético, Museo Picasso de París. Año bastante decisivo. Realizó este bodegón que es el primer collage de toda la historia del arte. Es una obra pequeña, la parte superior esta pintada a base de influencia analítica de Picasso y Braque. Hay una relativa novedad, la escritura de periódico, introduce tipografía cosa que permite al arte recobrar su relación con la literatura.

El enrejado no está pintado, se trata de un trozo de “ule” que pintó Picasso para substituirlo.

Ya no se trata tanto de una pintura sino de una construcción pictórica.


JUAN GRIS
Se encuentra solamente dentro del cubismo sintético. Juan Gris, de nombre real José Victoriano González-Pérez (Madrid, 23 de marzo de 1887 – Boulogne-sur-Seine, Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.

FUTURISMO

El futurismo es el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
Tiene su origen en el año 1909, un poeta italiano publica por primera vez un manifiesto, escritos que aparecían publicados en los principales periódicos para hablar de sus intenciones artísticas, proclama para dar a conocer quienes eran y lo que iban a hacer.
Todos los autores abordan la temática del mundo moderno, la ciudad, la velocidad de los coches, la fábricas… Formalmente se parecen bastante a los cubistas, también hacen una descomposición en facetas, pero diferente, quieren dar la sensación de dinamismo y velocidad, simular a la vez muchas imágenes.
 MARCEL DUCHAMP  BOCCIONI



Desnudo bajando una escalera”

ARQUITECTURA FUTURISTA
La arquitectura futurista se caracterizó en sus inicios por el antihistoricismo y largas líneas horizontales que sugerían velocidad, movimiento y urgencia. Entre los temas predilectos de los futuristas se contaban la tecnología e incluso la violencia. El movimiento futurista fue fundado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, que firmó el Manifiesto del futurismo en 1909. El movimiento atrajo a poetas, músicos y artistas (como Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero y Enrico Prampolini) y también a arquitectos, entre los que se encontraba Antonio Sant'Elia, que, aunque construyó poco, tradujo la visión futurista al entorno urbano.

DADAÍSMO

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.
Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de anti-arte moderno, es una provocación abierta al orden establecido.
Es más popular por ser un movimiento que niega la realidad que no por un movimiento simplemente artístico. Versión dirigida hacia lo absurdo y desbaratado de la existencia humana. Ponen en duda todos los principios de la cultura, todo esta en decadencia durante la guerra y por tanto ya no vale.
De esta forma proclaman el anti-arte, obras irónicas, satíricas. Se ríen y destruyen todo lo tradicional.

El arte tiene que abarcar la problemática de la realidad.
Importancia del poeta Tristan Tzara.
MARCEL DUCHAMP
Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
Inventó entre otras cosas el “Ready made”, objetos seleccionados por el artista que convertía en obras de arte.
Viajaba siempre con un maletín en el que llevaba miniaturas de sus Ready made.
Fue un artista que no surgió por puro azar sino que ya tenía sus antecedentes durante el futurismo.




Piensa que la sociedad esta podrida y por lo tanto el arte también.




La Fuente (1917) es una obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. En ese año expuso un mingitorio en el museo de Nueva York, lo tituló "La Fuente" (Fountain) y lo firmó como "R. Mutt". Es una pieza denominada readymade, el arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Las bases de la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza establecía que que todas las obras serían aceptadas, pero la Fuente fue retirada rápidamente. El mingitorio original se ha perdido. La obra es considerada como un hito importante en el arte del siglo XX. Las réplicas por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.
FRANCIS PICABIAMAN RAY
Inventor de las rayografías.


SURREALISMO
El surrealismo (en francés: surréalisme; sur ['sobre, por encima'] más réalisme ['realismo']) es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Movimiento formado por poetas, escritores, pintores, cineastas… Amplio campo de actividades, por este motivo es el movimiento que más impacto ha tenido en el siglo XX.
Surrealismo es un concepto pero no es un aspecto formal.
Por primera vez los artistas entran en contacto con las ideas del psicoanálisis de Freud quería curar enfermedades a partir de cosas que se escapaban de la realidad, a partir del mundo de los sueños.
Querrán plasmar el mundo de los fenómenos subconscientes. Intentan plasmar un arte completamente privado de la lógica, un mundo artístico aparentemente absurdo.
Plasmar lo inconsciente no es fácil, se propone el método del automatismo síquico, la mano cuando pinta no se deja conducir por la cabeza sino que sale del corazón, de las entrañas. Cada autor utilizaba su propio método dentro del automatismo síquico.

RENE MAGRITTE
René François Ghislain Magritte fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.
Combina lo extraño y lo insólito, con lo cotidiano y lo erótico.



PAUL DELVAUX
Paul Delvaux fue un pintor belga neoimpresionista y expresionista en sus comienzos, se orientó posteriormente, influido por René Magritte y E. L. T. Mesens, hacia un surrealismo clásico: su pintura se caracteriza por desnudos femeninos en ambientes oníricos y desdibujados, cargados de un erotismo latente y figuras idealizadas.







MARC CHAGALL
Marc Chagall fue un pintor francés de origen bielorruso.


SALVADOR DALÍ
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.
Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
Es un personaje ya extraño de nacimiento. Se consideraba una reencarnación de su hermano.
En el año 1921 se traslada a Madrid, se aloja en la Residencia de estudiantes, considerada una de las instituciones más importantes, lugar regido por los principios más modernos de la pedagogía, perteneciente a la época de la república.

Con una biblioteca magnífica, todos los personajes importantes habían pasado por la residencia de estudiantes.
Durante su fase inicial se deja influir por los cubistas, la pintura metafísica…
Primera exposición en la galería Dalmau de Barcelona.
En estos momentos empieza a pensar en las películas que realizará junto a su amigo Luis Buñuel. Ej: La edad de oro.
“Retrato de Ana Mar”



Participó también en el ámbito de la moda, publicidad, joyas, decoración del escenario de Eurovisión…
En el año 1927 manifiesta un cambio en el Surrealismo, es expulsado del grupo de Andre Breton y manifiesta un cambio de orientación en la pintura.

Entonces realiza la obra llamada “El gran masturbador”.
1929, Museo Reina Sofía. Una mujer de mucho espíritu y atrae enormemente a Dalí.
Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor.


“La persistencia de la memoria” “La Madonna de Port Lligat”







YVES TANGUY
“El Universo Surrealista”



ABSTRACCIÓN

Capacidad de extraer las ideas que no tienen porque ir adheridas a otra. Se trata de una capacidad totalmente humana.

El concepto abstracción está vinculado al verbo abstraer (separar las propiedades de un objeto a través de una operación mental, dejar de prestar atención al mundo sensible para centrarse en un pensamiento). La abstracción, por lo tanto, es alguna de estas acciones o sus efectos.
VASILI KANDISKI
Vasili Kandinski fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la abstracción lírica.
Nace durante la Revolución Rusa.
Realiza estudios de música y bellas artes. Realiza paisajes musicales y de sentimientos.
Empieza a trabajar en la escuela Bauhaus. Escribió muchas obras teóricas, “De lo espiritual en el arte”, “Punto y línea en el espacio”.

“Composición IV”



“Pintura 201”


Representa las cuatro estaciones, en este caso la primavera. Las líneas y el movimiento no nos impiden adivinar la presencia de montañas, ríos, el sol…
Realiza en general siempre composiciones contemporáneas.


PAUL KLEE
Paul Klee fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

CONSTRUCTIVISMO


El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.
El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.
Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un "constructivismo holandés": el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.


SUPREMATISMO


El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kazimir Malévich. Surgió en Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915).
Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica.




DE STIJL



De Stijl era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931. Constituido en Leiden, Holanda en 1917, pertenecían a este movimiento Vilmos Huszár, Cornelis Van Eesteren, Antony Kok, Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg.

PIET MONDRIAN
Pieter Cornelis, conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.

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