Rasgos y características del romanticismo






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títuloRasgos y características del romanticismo
fecha de publicación12.03.2016
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3ºA:PRINCIPALES TEMAS DEL ROMANTICISMO

EGOCENTRISMO

  • El alma del hombre es su enemigo interior,

  • Obsesión incurable por lo imposible,

  • El alma romántica es creada cuando tiene conciencia de sus sentimientos. Convierte al individuo en singular y universal

  • Este tiene sus raíces en la filosofía kantiana y en el idealismo trascendental.

LIBERTAD

  • Es el principio de toda ética romántica.

  • Necesidad del individuo para explorarse y explorar el mundo exterior.

  • Los dogmas religiosos fueron cuestionados.

EL AMOR Y LA MUERTE

  • El amor como vía de conocimiento, como sentimiento puro, fe en la vida y cima del arte y la belleza.

  • “La muerte de amor es vida, y la vida sin amor es muerte”.

  • El amor normalmente es desgraciado.

RELIGIÓN

  • Es una intuición esencial de lo divino que conduce a una unión mística con Dios. 

  • Tradicional: defiende los antiguos valores.

  • Revolucionaria: se rebela contra la religión, llegando al satanismo.

NACIONAL

  • Se exageran los valores nacionales.

Rasgos y características del romanticismo

*Expresión de emociones y sentimientos intensa y personal, con participación de la fantasía y la imaginación.

*Mayor libertad en la forma y el diseño de la música.


* Las melodías se hacen más líricas y más similares a las de una canción.

* Las texturas musicales se hacen más densas y pesadas, con un registro más amplio en cuanto a alturas, dinámicas y timbres.


* El registro y el tamaño de la orquesta se expanden. La sección de metales adquiere mayor importancia y a menudo domina la textura.

* Una variedad grande y rica de tipos de composición -desde obras para un solo instrumento o para un pequeño grupo de éstos, hasta trabajos que exigen una cantidad enorme de músicos.

* A veces los compositores dan unidad y forma mayores mediante el uso de temas y motivos que se repiten, como en la transformación temática de Liszt y el leitmotiv de Wagner.

*Mayor virtuosismo técnico, que se explota especialmente en conciertos.

* Nacionalismo: Es una reacción contra las influencias dominantes de música alemana por parte de compositores de otras nacionalidades .

Temas del romanticismo:

Presentan una lucha entre la realidad que se vive y el idealismo soñado. Los románticos se alejan del Neoclasicismo anterior, en el que las emociones se sujetan a la razón. 
La libertad: Es el motor de los románticos. Desconocen el principio de autoridad y viven en sus obras sujetos sólo a sus mundos de fantasía. 
El amor: Es un sentimiento tan idealizado que lleva a igualar a la amada con Dios. Pero también es una pasión que somete y destruye al hombre, terminando siempre su vida en tragedia. 
La naturaleza: En la naturaleza proyecta el poeta sus sus sentimientos. Forma parte de su yo y convive y disfruta con el paisaje, que tiene gran importancia en sus versos. No sólo los lugares gratos, mares y rosas, sino también los lugares tenebrosos, castillos oscuros, ruinas inquietantes. 


La evasión: El autor se escapa de su espacio y tiempo y se refugia en lugares imaginados, exóticos y lejanos...lejos de la realidad. Y aparecen las leyendas misteriosas y lúgubres. 
La muerte: El escritor romántico no le teme a la muerte, la desprecia y desafía ya que nada es más importante que su libertad y el amor. 
Los símbolos preferidos del romanticismo son Bécquer con sus Rimas y Espronceda con El estudiante de Salamanca y La canción del pirata.

Egocentrismo: El alma del hombre es su enemigo interior, identificable con una obsesión incurable por lo imposible, que priva del goce de la vida al individuo y hace que ésta le sea adversa. El alma romántica no es dada desde fuera al individuo, sino que éste la crea cuando tiene conciencia de sus sentimientos. Convierte al individuo en singular y universal, de modo que el Universo sólo es posible concebirlo partiendo del conocimiento de sí mismo.

La religión: Las posturas románticas acerca de la religión son variadas. No obstante, en general la creencia no la fundan los románticos en ninguna norma establecida, en ninguna moral instituida, sino en un sentimiento interior y en una intuición esencial de lo divino que conduce a una unión mística con Dios. Lo que hay de esencialmente nuevo en la religión de los románticos, sobre todo en Alemania, es este sentimiento interior.

MELODIA ROMANTICA

Cuando muchas personas piensan en la música clásica en realidad se están refiriendo a la música de una variedad de periodos de tiempo, cada uno con su estilo y forma única. El período romántico abarcó el siglo XIX y fue un periodo de transición en el que los compositores al comienzo del siglo aún estaban fuertemente influenciados por el estilo clásico. Para el final del siglo, los compositores estaban experimentando con el impresionismo y el modernismo.

Expansión

De alguna manera, la música del romanticismo fue una expansión de lo que venía sucediendo en los periodos anteriores, como el periodo clásico y barroco. El clasicismo estuvo guiado por la estructura y los compositores del período romántico comenzaron a descomponer o romper las “reglas” que gobernaban la música del período anterior. Muchos compositores románticos tales como Mendelssohn, Brahms y Schubert siguieron un estilo más clásico, mientras que otros compositores tales como Berrios y Wagner rompieron los estándares. El romanticismo fue continuado por compositores impresionistas como por ejemplo Debussy.

Tonalidad

El período clásico utilizó una estructura tonal rígida. Los compositores en el romanticismo comenzaron a apartarse de esta rigidez y usaron más los acordes de séptima disminuidos y sema-disminuidos, las sextas napolitanas y las triadas aumentadas. Lo que era considerado como disonante en el período clásico se convirtió en consonante durante el romanticismo. Los compositores utilizaron más cromatismos y modularon a tonalidades lejanas de la tónica inicial, por lo que la tonalidad como tal comenzó a desmoronarse.

La forma y el estilo

Los compositores románticos usaron los estilos tradicionales e incluso agregaron elementos antiguos del período barroco tales como la polifonía, sin embargo, no se sentían restringidos a mantener la forma y elaboraron secciones más largas. Las técnicas como la idea fija y el motivo se hicieron populares. La música en el período romántico también se volvió más programática. La música se tornó nacionalista por los compositores que usaron estilos y formas del folclore musical de sus países de origen, y la música fue de alguna manera más personal. Muchas formas nuevas surgieron en el romanticismo, incluyendo el poema sinfónico, el ciclo de canciones, el nocturno, el impromptu, el intermezzo y la polonesa.

Libertad de expresión

La libertad de estilo y expresión fue más evidente en el período romántico que en el clásico. Las melodías se volvieron más desconectadas y tuvieron un rango más amplio. Los ritmos fueron más complejos y los compositores utilizaron con más frecuencia la síncopa -cambio de la métrica y la utilización de métricas más complejas. La música también tuvo más material temático. Los compositores se sintieron libres de romper las reglas de la forma, armonía y melodía.

1.¿Qué es el leitmotiv? (en música)

- Un Leitmotiv (o Leitmotif) es una herramienta artística que, unida a un contenido determinado, recurre a lo largo de la obra de arte terminada.

En la música, el Leitmotiv por lo general es una melodía o secuencia tonal corta y característica, recurrente a lo largo de una obra, sea cantada (como la ópera) o instrumental (como una sinfonía). Por asociación, se le identifica con un determinado contenido poético, y hace referencia a él cada vez que aparece. Así, una determinada melodía puede simbolizar a un personaje, un objeto, una idea o un sentimiento.

2. ¿En que siglo empezó la melodía romántica y de que estilo estaban influenciados los compositores?

- La melodía romántica abarcó el siglo XIX y fue un periodo de transición en el que los compositores al comienzo del siglo estaban fuertemente influenciados por el estilo clásico.

Al final del siglo, los compositores experimentaron con el impresionismo y el modernismo.

3. ¿Cuáles eran las características principales en la melodía romántica?

- La expansión, la tonalidad, la forma y el estilo y la libertad de expresión

4. Define: Expansión

- La música del romanticismo fue una expansión de lo que venía sucediendo en los periodos anteriores, como el clásico y el barroco. Muchos compositores románticos tales como Mendelssohn, Brahms y Schubert siguieron un estilo más clásico. El romanticismo fue continuado por compositores impresionistas como Debussy.

5. Define: Tonalidad

- El período utilizó una estructura tonal rígida. Los compositores del romanticismo comenzaron a apartarse de esta rigidez y usaron más los acordes de séptima disminuidos y sema-disminuidos, las sextas napolitanas y triadas aumentadas. Los compositores utilizaron mas cromatismos y modularon a tonalidades lejanas de la tónica inicial, por lo que la tonalidad empezó a desmoronarse.

6. La forma y el estilo

- Los compositores románticos usaron los estilos tradicionales y agregaron elementos del período barroco tales como la polifonía, sin embargo, no se sentían restringidos a mantener la forma y elaboraron secciones más largas.

Muchas formas nuevas surgieron en el romanticismo, incluyendo el poema sinfónico, el cilco de canciones, el nocturno, el impromptu, el intermezzo y la polonesa.

7. Define: Libertad de expresión

- La libertad de estilo y expresión fue más evidente en el período romántico que en el clásico. Las melodías tuvieron un rango más amplio, los ritmos son más complejos, los compositores

utilizaron con más frecuencia la síncopa-cambio de la métrica y la utilizacion de métricas más complejas.

Los compositores se sintieron libres de romper las reglas de la forma, armonía y melodía.









LA ÓPERA EN EL ROMANTICISMO

Comienza en el año 1800. Fue uno de los géneros artísticos trabajados casi a la vez que la sinfonía. Se desarrollaron temas dedicados a la noche, la luna y las estrellas, la muerte y todas las pasiones. Tendió a mezclar las formas establecidas en el Barroco y el Clasicismo. Además, desaparecieron los castrati y los coros se volvieron más importantes.

  • Ópera italiana: influyó fuertemente en Europa hasta la aparición de la ópera alemana. Le dio mayor dimensión a las emociones extremas y también sirvió para expresar las ideas por las que luchó Italia durante esta época. Uno de los más importantes compositores italianos fue Gioacchino Rossini. Después surgió uno de los mayores compositores de óperas italianas de todos los tiempos,Giuseppe Verdi. Compositor destacado en la ópera francesa es Giussepe Verdi dedicando 26 obras a la ópera.Su vida acompaña su obra: puede dividirse en tres períodos. El primero nace en sus comienzos y llega hasta el estreno de Il Trovatore y La Traviata en 1853, con obras en las que los coros tienen un papel preponderante. El segundo período concluye en 1871 con la composición de Aida. Tras una pausa de más de 15 años, compuso las obras de su último período: la ópera trágica Otello y la bufa Falstaff. Además, exaltó los ideales nacionalistas de la nueva Italia que estaba naciendo.

  • Ópera alemana: género creado por el compositor alemán von Weber. Tras él, culminó el compositor Richard Wagner, quién creó una nueva forma de representar el drama wagneriano. Con ella se trata de crear la obra de arte total. Sus obras destacan por utilizar su textura contrapuntística, una riqueza cromática , armónica y orquestación perfecta.

  • Ópera francesa: tipo de ópera naturalista y entretenida. Meyerbeer es uno de los primeros compositores y crea un tipo de ópera en el que se mezclan las canciones, la danza y los temas musicales conocida como Grand Opéra . Sus composiciones son creadas para seducir al público.

Por otro lado tenemos la Opéra Comique cuyo principal representante es Georges Bizet, y su obra más conocida es “Carmen”.

LA ÓPERA EN EL ROMANTICISMO

  • Comienza en el año 1800.

  • Se tiende a mezclar las formas del Barroco y el Clasicismo.

Tipos de ópera:

  • Ópera italiana:

  • Influyó en Europa.

  • Gioacchino Rossini.

  • Giuseppe Verdi



  • Ópera alemana:

  • Género creado por el compositor Carl Maria von Weber.

  • Richard Wagner.



  • Ópera francesa:

  • Tipo de ópera naturalista y entretenida.

  • Meyerbeer.

  • Giuseppe Verdi

Pregunta:

Nombra los tipos de óperas en el Romanticismo y di todo lo que sepas sobre una de ellas.

Géneros de la música instrumental del romanticismo

Durante el Romanticismo asistimos a la continuidad compositiva de algunas formas ya establecidas durante el Clasicismo y la aparición de otras formas nuevas

MÚSICA SINFÓNICA

La Sinfonía empezó en el Clasicismo con Haydn y Mozart. Ha sufrido unos cambios significativos como que las reglas de composición son más libres respecto al anterior periodo, las composiciones del Romanticismo están más centradas en expresar los sentimientos del compositor. Las sinfonías del principio del siglo presentan estructuras clásicas que más tarde van desapareciendo hasta que al final se abandonan. Se siguen haciendo sinfonías pero sin estructuras claras. Se forma de cuatro secciones, pero el tercer movimiento ha cambiado ya no es un minueto sino un scherzo. En la sinfonía la orquesta alcanza su máxima sonoridad. El primer sinfonista romántico fue Beethoven quien escribió 9 sinfonías. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.

Otros compositores importantes de música sinfónica del romanticismo fueron:

-Franz Schubert (1797-1828): Uno de los músicos más inspirado del Romanticismo. Realiza ocho sinfonías, aunque la última queda inconclusa -Félix Mendenssohn (1809-1847): Compone cinco sinfonías, caracterizadas por su mesura, construcción clasicista y su simetría. -Robert Schumann (1810-1856): Compone cuatro sinfonías, con una gran riqueza rítmica y la típica fuerza que este autor pone en todas sus obras. -Johannes Brahms (1833-1897): Es un músico del Romanticismo tardío. En sus cuatro sinfonías restaura la perfección beetthoviana, y renueva el lenguaje armónico y rítmico. -Antón Bruckner (1824-1896): Tiene nueve sinfonías, influido por Beethoven y Schubert, en aspectos de instrumentación. -César Franck (1822-1890): Compositor de origen belga que ejercitó su carrera en Francia, trata de nacionalizar la sinfonía recogiendo y empleando temas nacionales franceses.

EL POEMA SINFÓNICO:

Es una composición en un sólo movimiento, basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas titulados "Meditaciones poéticas". Liszt escribió trece composiciones de este género. Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas. Está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical. 

LA MÚSICA INTRUMENTAL EN EL ROMANTICISMO

En el s XIX, el romanticismo fue una libertad compositiva, desarrollándose los géneros sinfónicos, con genios como: Beethoven, Schumann y Chopin. En el tardío los nacionalismos entraron en la música, destacando representantes como: Tchaikovski, Verdi y Wagner.
En el Romanticismo la música instrumental es el medio preferido para expresar todo lo que la palabra no es capaz de transmitir. La supremacía de la música instrumental será una constante en todo el Romanticismo. Va ligado al interés de los compositores de enriquecer de forma expresiva el colorido y las posibilidades de sus orquestas, supone un cambio sensible con la orquesta clásica.

OBRAS BREVES PARA PIANO SOLO

Durante el siglo XIX, el piano fue el instrumento rey, estando presente en todas las casas burguesas que se preciaran. Se multiplicaban las veladas privadas, por lo que cada vez se demandaba más música para este instrumento. Frédéric Chopin (1810-1849), compositor polaco, se dedicó casi exclusivamente al piano. Aparte de sus 3 sonatas, la mayor parte de su producción pertenece al género de pieza breve con forma libre, que exigen de sus intérpretes una gran técnica y un alto sentido del rubato (es decir, libertad en el tempo musical).
MÚSICA DE CÁMARA

Tuvo una gran importancia en la vida musical de la burguesía. Como la música para piano, los salones eran los escenarios sonde se interpretaban este tipo de obras (dúos, tríos, cuartetos de cuerda, quintetos...), que requerían del oyente una gran capacidad de escucha y de los intérpretes un alto grado de virtuosismo técnico. La música de cámara del romanticismo (1820-1900) fue desarrollada, especialmente, por aquellos compositores que fusionaron este estilo con cierta inclinación clásica. Ejemplos de ello son el austriaco Franz Schubert y el alemán Johannes Brahms. Durante este periodo, Schubert, Schumann y Brahms continuaron cultivando la forma del trío para piano, violín y chelo que habían establecido Haydn y Beethoven. Pero también comenzaron a establecerse otras combinaciones instrumentales, diferentes del cuarteto de cuerdas, como el quinteto de cuerdas (un cuarteto al que se añadía una viola o chelo adicionales), el sexteto de cuerdas (con viola y chelo adicionales), y el cuarteto para piano (piano más tres instrumentos de cuerda).

PIANO

La importancia del piano en el Romanticismo fue fundamental para el desarrollo de la creación musical. Se convirtió en el laboratorio de nuevas propuestas estilísticas y en interfaz entre el artista y su creación, generando una literatura propia, que lentamente se va diferenciando de sus antepasados de teclado, sea el clave o el órgano, descubriendo nuevas sonoridades y posibilidades. En cuanto a la escritura pianística supone la cumbre, la etapa dorada del piano, no solo por la revolución que hubo en su escritura, sino por el perfeccionamiento del instrumento (la disposición de los pedales, la extensión del teclado, aumenta el volumen del sonido debido a que la tensión de la cuerda es mucho mayor y que el retorno de la tecla es más rápido).

  1. ¿En qué se convirtió el piano en el romanticismo?

  2. ¿Dónde tuvo gran importancia la música de cámara en el romanticismo?

  3. ¿A qué se dedicó Chopin?

  4. Nombra tres principales compositores del romanticismo

  5. ¿Qué es la música instrumental?

  6. ¿Cuál es el instrumento más importante en el romanticismo?

  7. ¿Cómo perfeccionaron el piano?

  8. ¿Qué requería la música de cámara a los intérpretes?

  9. ¿A qué pertenece la mayor parte de la producción de Chopin?

  10. Dime todo lo que sepas sobre la música de cámara.



  • Música instrumental.

Medio preferido para expresar todo lo que la palabra no es capaz de transmitir.

  • Obras breves para piano solo.

El piano fue el instrumento rey, estando presente en todas las casas burguesas que se preciaran.

  • Música de cámara.

Desarrollada, especialmente, por aquellos compositores que fusionaron este estilo con cierta inclinación clásica.

  • Piano.

Se convirtió en el laboratorio de nuevas propuestas, generando una literatura propia.

EL BALLET

El ballet es una danza académica o danza clásica. Sus movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet en cada paso participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo simultaneamente para dar los distintos pasos.

El ballet nace como un espectáculo que englobaba pintura, poesía, música y danza. Tenía lugar en las cortes italianas del renacimiento, normalmente para  banquetes y bailes. La actuación se basaba en las danzas sociales de la época. Hacia mediados del siglo XV, los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia.

El Ballet cómico de la reina, primer ballet del que sobrevive una partitura completa, fue creado por Balthazar de Beajoyeaux, y fue bailado por aristócratas aficionados.

El escenario se empleó por primera vez en Francia a mediados del siglo XVII. El ballet de corte alcanza su cumbre durante el reinado de Luis XIV, entre 1643-1715, cuando se funda la Academic Royale de Danse abriendo así el camino haciala danza profesional. El ballet clásico, como se le llama a este estilo de danza, no permaneció mucho tiempo en las cortes, pues cada vez requirió de un mayor entrenamiento para ejecutarlo.

Así esta disciplina se convirtió en arte y en un espectáculo teatral que era interpretado por gente que dedicaba su vida a entrenarse para ejercer la nueva profesión de bailar, y que había que ir a ver al teatro, donde se contaba una historia, un cuento a través del baile, enmarcado por la música, la actuación, el vestuario y los decorados.

El ballet entonces era muy utilizado para contar historias.

BAILES DE SALÓN

Con la burguesía nace la llamada “música de salón”, fácil y sencilla, que se convierte en la música de consumo del buen burgués.

El instrumento favorito de la burguesía es el piano, que va adquiriendo grandes dimensiones y mayor sonoridad. Para él se escriben muchas de las mejores páginas de la música romántica y es el instrumento al que se destina mayor cantidad de composiciones, incluso la música que no está compuesta para el piano es adaptada o transcrita para el teclado, a fin de que se haga popular y la pueda tocar cualquiera: desde las arias de ópera a las sinfonías orquestales.

CARACTERISTICAS:

  • Desaparece la danza cortesana ocupando su lugar las danzas burguesas.

  • Se ponen de moda muchas danzas en los salones de baile.

  • El vals es la danza más popular que comienza su esplendor en Viena.

  • El rey del vals es el compositor Johann Strauss II

  • El vals es una danza en ritmo ternario y movimiento rápido en la que las parejas bailan estrechamente abrazadas desplazándose en grandes círculos.

  • Los nacionalismos impulsan sus danzas:

  • La polca de Checoslovaquia.

  • El bolero y fandango de España.

  • La mazurca y la polonesa de Polonia.

  • El galop de Alemania.

  • Los grandes compositores las incluyen en sus obras, con carácter más idealizado y menos bailable.

Preguntas de ballet y bailes de salón:

1-Verdadero o Falso:

a)El piano es el instrumento preferido por los reyes exclusivamente en los bailes de salón.

b)La música de salón es fácil y sencilla, apreciada por la burguesía.

c)en el ballet las diferentes partes del cuerpo se usan simultáneamente.

d)En Ballet, la primera vez que se uso un escenario fue en Alemania en el siglo XVII.

3-cita 4 bailes de salón y el pais de procedencia de cada uno.

3-Cuándo y dónde se "creó" el ballet y posteriormente donde se desarrolló.

4-Desarrollo: describe brevemente los bailes de salón y dime todas sus caracteristicas.

5-Dime todo lo que sepas acerca del ballet.

NACIONALISMO MUSICAL

*Época del Romanticismo comprendida entre mediados del siglo XIX y el XX en la que predomina la música folclórica y surgen países no dominantes en la música.

*Grandes centros musicales: Países Nórdicos, Rusia, Europa del Este, España e Inglaterra

*Fréderic Chopin como gran ejemplo del Nacionalismo en Polonia

*Ejemplos de compositores nacionalistas

*Nacionalismo en España y sus principales características y ejemplos de compositores

A lo largo del siglo XIX Europa vivió un agitado período nacionalista en el que muchos pueblos defendieron su derecho a la autonomia. Este movimiento político se hizo patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones en Alemania e Italia. El Nacionalismo, con su interés por los folclores nacionales, puede considerarse como una secuela del Romanticismo, que defendía el gusto por lo único, por lo peculiar. El espíritu nacionalista romántico era consecuencia de transportar el individualismo a escala nacional. La aportación ahora del Nacionalismo propiamente dicho consiste esencialmente en sustituir el subjetivismo idealista romántico, por el sentir del pueblo, por la inspiración directa en el folclore, en sus ritmos y melodías. Por ello, los movimientos nacionalistas que surgen a mediados del XIX suponen la incorporación a la música culta de países de la periferia de Europa, que hasta entonces no habían tenido un gran protagonismo en la música reciente occidental.

Así vemos aparecer a grandes compositores en países olvidados del panorama musical: Noruega (Grieg), Finlandia (Sibelius), Checoslovaquia, (Smetana), Hungría (Bartok y Kodály). Mientras que en Rusia destacó el grupo de Los Cinco: Cui, Balákirev, Borodín, Rimski-Kórsakov y Músorgski. Autodidactos que destacaron en el Nacionalismo Ruso con obras formadas por poemas sinfónicos, una forma musical para orquesta, en un solo movimiento inspirada en elementos poéticos y descriptivos. Uno de los mayores representantes del Nacionalismo y gran compositor del Romanticismo fue Fréderic Chopin, compositor y pianista polaco al que se compara con grandes como Bach, Beethoven y Mozart.

NACIONALISMO EN ESPAÑA: No nació hasta finales del siglo XIX y se vio interrumpido con el comienzo de la guerra civil que hubo en el siglo XX. Destaca la zarzuela como teatro musical español. Grandes ejemplos de esta época en España son Enrique Granados, Manuel de Falla, Isaac Albéniz y Joaquín Turina. Destacan ballets de tipo español también como El Sombrero de Tres Picos, pero lo más relevante serían las zarzuelas, como las Goyescas. Este estilo tuvo una gran repercusión internacional y hubo maestros en Europa Oriental como Listz que instruyeron a los compositores de nuestro Nacionalismo.

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