Características del romanticismo en general






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LA MÚSICA EN EL ROMANTICISMO.

CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO EN GENERAL.

A partir de 1775 comienzan a sentirse una cierta fatiga y como una rebeldía contra las normas y ataduras clásicas, síntomas que suponen un anuncio ya del romanticismo. Los primeros brotes románticos los podemos encontrar en los pueblos nórdicos donde los literatos encuentran sus modelos de inspiración en sus propias leyendas populares y mitos escandinavos antiguos. En Alemania el movimiento literario llamado Sturm und Drang.

Frente a la “diosa razón” del clasicismo surge la revalorización del sentimiento que rechaza toda regla o atadura formal.

El artista romántico se caracteriza por un anhelo de libertad total sobre todo en lo sentimental (se busca la libre expresión de sentimientos, frente a las trabas de la razón neoclásica que trataba siempre de acomodar el sentimiento a normas) y también en la inspiración (al artista romántico le guiarán no las reglas sino tan sólo su instinto e imaginación).

El hombre romántico se caracteriza por una gran exaltación idealista.El hombre romántico enseguida comprueba que estos elevados ideales son inalcanzables porque chocan contra la realidad que les rodea. La consecuencia lógica serán la angustia, pesimismo y desengaño.

Para superar esta frustración el artista romántico elige la vía de la evasión, de la sustitución de su insatisfactoria realidad concreta y cotidiana por la fantasía. Así se busca la inspiración en: temas medievales, temas exóticos, fantásticos o de ensueño, etc. Como segunda posibilidad de evasión el artista se refugia en su propio mundo interior, individualista, subjetivo y solitario.

Como consecuencia del triunfo del individualismo tenemos en el romanticismo una gran variedad de estéticas y concepciones artísticas, culturales, musicales…. Según las naciones e individuos.

El romántico prefiere el campo y la naturaleza (no la estática y bucólica del clasicismo, sino la salvaje y primitiva) a una vida social que vive como una traba de la que necesita liberarse. Cree encontrar lo puro, natural y libre en el hombre primitivo y en el pueblo que es su actual heredero.

La música resulta el vehículo más apto para la expresión del temperamento romántico. Se mostró como el arte capaz de expresar lo inefable, aquello que las palabras no pueden precisar, los sentimientos más íntimos y secretos, lo sublime y lo macabro, lo divino y lo sarcástico. Es la expresión más directa de la emoción, sin imágenes ni conceptos intermedios. Ahora la música ocupa el puesto más alto en la jerarquía de las artes: todas las artes aspiraron a ser como la música. La consecuencia es una tendencia a la unión de todas las artes en un “arte total” supremo en el que la música sería el guión, el aglutinante perfecto.

CRONOLOGÍA DEL ROMANTICISMO

A continuación, para hacer más fácil su estudio, abordaremos el estudio de la música del siglo XIX a través de cuatro momentos históricos:

  • En el primero, que abarca sus tres décadas iniciales, estudiaremos el paso del clasicismo al romanticismo a través de dos figuras esenciales, Beethoven y Schubert, contemporáneas del auge europeo de Rossini y de las experiencias de Webern en el teatro musical Alemán.

  • El segundo, entre los años treinta y la mitad del siglo, nos introduce en la primera generación inequívocamente romántica con las conquistas tempranas de Berlioz en el campo de la sinfonía programática y las de los compositores pianistas (Mendelsshon, Schumann, Liszt y Chopin), muy románticos en las pequeñas formas pero todavía clásicos en las grandes.

  • En el tercero, ya en la segunda mitad del siglo, asistiremos a los debates entre la música del porvenir (Liszt en la música programática y Wagner con el intento de fusión de todas las artes en el drama musical, apoyados por Berlioz, intentarán encontrar nuevas vías de expresión) y la reacción formalista de un Brahms que abandera una nueva defensa de la música pura.

  • En el cuarto volveremos hacia atrás para estudiar el fenómeno del nacionalismo musical en las naciones periféricas y analizaremos las múltiples corrientes musicales del fin de siglo.

RASGOS GENERALES DEL ROMANTICISMO MUSICAL.

Búsqueda de contrastes musicales y de oposiciones acentuadas, capaces de evocar y sugerir sentimientos. Para ello se emplearán una variedad de recursos musicales entre los que podemos destacar:

Ritmo: más complejo (empleo simultáneo de dos ritmos diferentes) y libre. Empleo muy frecuente del rubato (ritmo no ajustado rigurosamente al tempo). Aumenta el grado de lentitud y rapidez respecto al barroco y clasicismo.

Melodía: frases menos regulares y cuadradas que en el clasicismo para provocar sorpresa y expresividad. Frecuentemente inspiradas en lo popular.

Armonía: Menor claridad y transparencia tonal que el clasicismo a consecuencia del empleo de nuevos acordes, mayor libertad en el uso de la disonancia y el cromatismo con fines expresivos.

Textura: el estilo contrapuntístico es raramente practicado y menos aún en forma rigurosa.

Formas: el compositor romántico se expresa mejor en las pequeñas formas. Cuanto más simple la forma, cuanto más relajado el aspecto constructivo mejor se expresan y más calidad producen. Los compositores se preocupan menos de las normas y mucho más por el contenido expresivo.

  • Aparecen nuevas formas sinfónicas: poema sinfónico (derivado de la música programática), obertura de concierto.

  • Se observa gran predilección por las pequeñas piezas vocales con acompañamiento de piano (lieder) y por las pequeñas formas pianísticas libres y de un solo movimiento.

  • Gran desarrollo de la ópera hasta llegar al drama Wagneriano.

  • Nacimiento del ballet moderno y de la música ligera de salón para la diversión.

Los cuatro medios favoritos de expresión musical son: el Lied (íntima unión de poesía y música), el piano (carácter íntimo e individual en las pequeñas piezas para este instrumento, virtuosismo instrumental del intérprete que se convierte en el centro de los salones), la ópera y la orquesta (deslumbrante, apasionada y espectacular de los poemas sinfónicos).

Instrumentación y orquestación:

  • Se dan importantes mejoras técnicas de los instrumentos de la orquesta: pistones en los instrumentos de metal, sistema Böehm aplicado a la madera, etc. Esto posibilita la ampliación de los registros.

  • La orquesta romántica incluye nuevos instrumentos (corno inglés, arpa, más percusión, etc.) y sobre todo nuevas maneras de combinarlos. Por primera vez se escriben tratados de orquestación (Berlioz) que intentan codificar las nuevas conquistas en este terreno.

  • El piano se convierte en el instrumento favorito.

Otras características:

  • Cambio en la consideración social del músico: de siervo de los señores en la época precedente ahora sobrepasa en reputación a los demás artistas, como ídolo de los salones.

  • La música pasa definitivamente de los salones y capillas de reyes y príncipes al pueblo, al concierto y a los salones burgueses.

  • Se aprecia tensión entre fuerzas revolucionarias (Berlioz, Wagner, Liszt) y conservadoras (Brahms, Mendelssohn, Bruckner).

  • Alemania y Austria dominarán el panorama en el campo de la música instrumental. En la ópera el bel canto italiano hace las delicias del público burgués. No obstante es posible observar una mayor diferenciación de estilos musicales según las tradiciones, folklore y valores nacionales de cada pueblo, lo que dará lugar a partir de la segunda mitad del XIX al nacimiento de las diversas escuelas nacionales.

  • Decae el interés por la música coral, por la música de cámara y por la música religiosa, que imitará a la ópera.

LA MÚSICA VOCAL EN EL ROMANTICISMO.

EL LIED ROMÁNTICO.

El lied romántico es una canción para voz solista con acompañamiento de piano, de corte íntimo, sencillo, sin efectismos deslumbrantes, en estilo refinado, cuyo distintivo principal es la mutua compenetración de poesía y música.

El origen, configuración y la principal contribución al lied romántico viene de Alemania: Después de algunos precursores (Mozart) quizá sea Beethoven con el ciclo a “la amada ausente” el primero que produce lied expresivos en los que la música y letra comienzan a fundirse.

Schubert (1797-1828) es considerado el inventor del lied romántico (compuso unas 600 canciones). Es en este género donde encontramos al Schubert más romántico.

Algunos de ellos se agrupan en ciclos: “la bella molinera”, “viaje de invierno”, y “canto del cisne”. Son piezas inmortales en las que el romanticismo predomina ya sobre el espíritu clásico.

Entre sus características destacan: la increíble facilidad de su inspiración melódica y la perfecta unión de los tres elementos esenciales (el poema, el canto y el clima que en breves compases crea el piano).

La mayoría de ellos poseen forma estrófica: una misma melodía para todas las estrofas del texto. No obstante fue el primero en empezar a poner una música diferente para cada estrofa según las exigencias poéticas del texto.

Entre los temas tratados figuran: la muerte, nostalgia, partida, sentimiento de la naturaleza, etc.

Schumann (1810-1856): la mayoría de sus mejores lieder está compuesta hacia 1840, es decir, en el primero y segundo año de matrimonio.

Su estupenda formación literaria le permitió una mejor elección de textos que Schubert.

Entre sus ciclos más importantes figuran: “amor de poeta”, “amor y vida de una mujer”, “mirtos”, “primavera de amor”, etc. En ellos muestra una finura y variedad de matices no alcanzadas anteriormente a él.

La forma es libre adaptando una nueva melodía a cada una de las estrofas del texto.

El piano no se limita a acompañar en un plano secundario. Se convierte en un personaje vital, inseparable de la melodía y texto, cuyas impresiones trata de sugerir líricamente.

Brahms (1833-1897): sus lieder (unos 150) son los más dignos sucesores de los de Schubert y Schumann.

Muchos tienen estructura estrófica.

Muestran una clara influencia de la canción popular.

Están tamizados de una cierta gravedad clásica: para Brahms lo esencial es la melodía, bajo armónico, forma y tonalidad.

Magelone” es uno de sus ciclos más importantes. Muy populares son “Ernste Gesante” y “canción de cuna”.

H. Wolf (1860-1903): en la encrucijada estilística del fin de siglo tenemos al mejor liederista después de Brahms. En sus 250 lieder lleva el arte de la canción de concierto al máximo grado de compenetración entre texto, canto y piano siguiendo los ideales wagnerianos de fusión de todas las artes. Hasta tal punto sus canciones están impregnadas de tintes dramáticos que algunos lo han llamado el Wagner del lied. “Libro de canciones españolas” y “libro de canciones italianas” son dos de sus ciclos más importantes.

La contribución de otros países europeos a la historia del lieder es mucho menos importante que la ya citada de Alemania destacando como autores de esta forma a Berlioz en Francia, a Glinka, Tchaikovsky, Rachmaninoff y Mussorgsky.

EL TEATRO MUSICAL EN EL SIGLO XIX.

ITALIA.

Italia, que llevaba la batuta en la ópera desde su nacimiento allá por el siglo XVII, seguirá conservando su hegemonía en este campo durante el siglo XIX (único género en el que destacará) aunque compartiendo protagonismo con Alemania y Francia.

Como rasgos generales de la ópera italiana del XIX podemos señalar:

  • Dominio melódico incomparable.

  • Cierta superficialidad hasta la llegada de Verdi.

  • El coro adquiere progresivamente mayor importancia.

  • Las óperas italianas de esta época siguen siendo el repertorio más interpretado por parte de los cantantes actuales.



Entre sus principales cultivadores debemos señalar a:

Rossini (1792-1868): gran continuador de la tradición Mozartiana. Fue sin duda el compositor más popular de su tiempo. Su éxito internacional fue tan espectacular que, a pesar de su prolongado silencio de más de 40 años, eclipsó a todos los operistas contemporáneos y sepultó en el olvido a todos los anteriores. En su trayectoria artística podemos distinguir un cambio de estilo: Óperas como “Don Tancredo”, “El barbero de Sevilla” y “Semíramis” se caracterizan por un estilo algo superficial, más apropiado para la comedia que para la tragedia, lleno de sensualismo y de concesiones introducidas para halagar al público.

En 1829 compone “Guillermo Tell”, lo mejor y último de su producción. Sin saberse todavía el porqué cesa aquí su producción musical a excepción de algunas piezas como el conocido “Stabat Mater” y su “pequeña misa”. En esta última ópera, menos aceptada por el público, muestra un cambio en su estilo atisbando ya lo romántico.

Bellini (1801-1835): continuador de Rossini, es autor de óperas como “la sonámbula”, “Norma”, y “Los puritanos”. Su característica principal, la muy amplia y lírica invención melódica, fue admirada por todos.

Donizetti (1797-1848). Compondrá unas 65 óperas en un estilo continuador del de Rossini. Si bien en el terreno melódico brilla similarmente a como lo hace Bellini, resulta superior a éste en técnica y seguridad armónica e instrumental. Es autor de obras como: “Lucrecia Borgia”, “Lucía de Lammermoor”, “la favorita”, y sobre todo las óperas cómicas “la hija del regimiento”, “Elixir d´amore”, y “Don Pascuale”.

Verdi (1813-1901): el más grande de los operistas italianos del XIX. En su obra se suelen distinguir tres épocas caracterizadas por rasgos estilísticos propios:

  • Hasta 1855. Época del patriotismo y de las aspiraciones libertadoras bajo el dominio Austriaco, cuyo espíritu trata de reflejar en sus obras mediante escenas colectivas. Algunas fueron convertidas en verdaderos himnos patrióticos y revolucionarios que le proporcionaron graves problemas con la censura. Con la liberación de 1859 sería considerado casi como un héroe nacional. A esta época pertenecen “Nabuco”, “Rigoletto”, “La Traviatta” y “El trovador”. En ellas, por primera vez en la ópera seria vemos personajes de la misma época y con la misma vestimenta que los espectadores que la contemplan. Musicalmente se caracterizan por una buena asimilación de recursos ya ensayados por sus antecesores Bellini y Donizetti.

  • A partir de 1855 comenzará a liberarse de los tradicionales convencionalismos para acercarse, con un estilo más personal, al espíritu dramático de la obra. A este segundo periodo pertenecen: “la fuerza del sino” (sobre textos del duque de Rivas) y “Aida” (estrenada en el Cairo con motivo de la apertura del canal de Suez en 1871).

  • A partir de 1887 y después de un prolongado silencio musical que durará 6 años el anciano Verdi sorprende al mundo con “Otello” y “Falstaff” (sobre textos de Shakespeare). En éstas óperas consigue llegar al ideal wagneriano de un continuo sonoro donde las arias se unen indisolublemente entre sí y con el drama desapareciendo la tradicional y neta división de recitativos y arias, la orquesta reviste mayor importancia, los personajes están mejor caracterizados, apunta un cierto Leit-motiv de influencia Wagneriana, la música está más ligada al drama haciéndose más profunda, sincera y realista, los coros están supeditados a la acción, afloran nuevas armonías, etc.

El verismo o realismo musical.
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