Fuente Vaqueros, Granada, 5 de junio de 1898 entre Víznar y Alfacar, Granada, 19 de agosto de 1936 poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido






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títuloFuente Vaqueros, Granada, 5 de junio de 1898 entre Víznar y Alfacar, Granada, 19 de agosto de 1936 poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido
fecha de publicación18.09.2015
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FEDERICO GARCÍA LORCA
Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, Granada, 19 de agosto de 1936) poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo. Murió ejecutado tras la rebelión militar de la Guerra Civil Española, por causa de rencillas políticas que no le afectaban y por un despecho amoroso.

Vivió en el campo hasta los ocho años, en que se trasladó con su familia a Granada, donde hizo sus estudios de bachillerato: “estudié mucho pero me dieron cates colosales... En cambio me gané una popularidad magnífica poniendo motes y apodos a las gentes”. En 1915 se matricula en Filosofía y Letras, carrera que nunca llegó a terminar, y se licenció en Derecho por la universidad granadina..

Por estos años cultiva una gran afición hacia la música, asiste, en el café de la Alameda, a una tertulia con Fernández Almagro Montesinos, Manuel Ángeles Ortiz entre otros, también publica en 1917, en la revista granadina Letras, dirigida por Sáez Quiroga, artículos que se titulan Impresiones del viaje, que al año siguiente publica en libro bajo el título de Impresiones y paisajes. Se trata de prosa poética.

En 1919 va a Madrid para continuar sus estudios universitarios, instalándose en la Residencia de Estudiantes, donde vivirá hasta 1928, en época de clases. Allí conoce a Buñuel, Dalí, Alberti y otros escritores.  

Su entusiasmo por la poesía se completó desde niño con su pasión por el teatro y en 1920 estrena El maleficio de la mariposa, obra teatral que es un fracaso. Un año después publicó su primer libro de versos, Libro de poemas, pero su revelación como poeta no se produjo hasta la publicación en 1928, de su Romancero Gitano, libro que le hizo famoso en poco tiempo.  En 1922 organiza La fiesta del cante jondo con Manuel de Falla.  

Durante una temporada que pasa en Cataluña, realiza unos dibujos que expone en la Galería Dalmau de Barcelona. Viaja a Sevilla para participar en un homenaje a Góngora y allí conocerá a varios poetas, entre los que estaba Cernuda.  

Ya entonces se halaba muy unido a los poetas de su generación, sobre todo a Aleixandre y Cernuda y logró su primer éxito teatral con  Mariana Pineda.

En 1928 publica Romancero gitano, con el que obtiene gran popularidad. En 1929-30 una crisis hace que Fernando de los Ríos lo envíe a Nueva York, desde donde viajará a Cuba y Canadá. En este viaje compondrá Poeta en Nueva York y un guión cinematográfico Viaje a la Luna  y la comedia La Zapatera Prodigiosa, que fue estrenada a su regreso a Madrid, en 1930.

En los años de la República (1931-1936) crea el Teatro Universitario “La Barraca, con la finalidad de hacer llegar las obras clásicas a todos, incluso a los pueblos más apartados. Será su director, junto con Eduardo Ugarte hasta 1935. Para el teatro universitario adaptó Fuenteovejuna, y La dama boba, de Lope de Vega; El burlador de Sevilla, de Tirso, y el auto sacramental La vida es sueño, de Calderón. 

En 1933-34 hizo un viaje a Argentina y Uruguay para dar conferencias y asistir a las representaciones exitosas de La zapatera prodigiosa, Bodas de sangre, escrita en 1933, y Yerma, de 1934. En este mismo año escribirá su Elegía por la muerte del torero Ignacio Sánchez Mejías.

Conocía también Francia e Inglaterra.

No estuvo demasiado interesado en la política, si bien era partidario de la República.  

Pocos días antes de estallar la guerra civil, llegó a Granada para pasar el verano; detenido en los primeros días de agosto de 1936, fue fusilado un mes después  por las fuerzas nacionalistas junto a un olivar del pueblo de Viznar, cercano a Granada.

Su hermana Concha García Lorca recuerda:  

Federico, como medida de precaución, se había ido a casa de unos amigos, los Rosales. Gente estupenda, bien, que pertenecieron a la Falange. ... Cuando estalló la guerra civil, le pregunté: “Mira Federico, no hablas nunca de política, pero la gente dice que eres comunista. ¿Es verdad?”. Federico se echó a reír. “Concha, Conchita mía -había contestado-, olvídate de todo lo que dice la gente. Yo pertenezco al partido de los pobres..." Pero como la gente decía que Federico era comunista, pensamos que debería esconderse en casa de los Rosales, puesto que ese era el lugar más seguro que había en toda Granada. 

(Francisco García Lorca: Federico y su mundo, ed. y prólogo de Mario Hernández, Madrid. Alianza tres. 1980, pág. XXVII).
Sus compañeros de la Residencia de Estudiantes lo evocan como el compañero ideal, siempre dispuesto a levantar tos ánimos, a organizar lo que fuera, bullanguero, locuaz, festivo. Sin embargo, en estos últimos años, sus críticos van publicando textos en los que aparece la figura de un Federico triste, solitario, angustiado, preocupado por la estética, perfeccionista.

Se ha hablado de la influencia en su obra de sus frustraciones eróticas, su homosexualidad, pero no hay que olvidar su obsesión y esmerado cuidado por todo lo que componía y las angustias que le producía la búsqueda de la perfección; el inconformismo y sus exigencias personales los tenía que compatibilizar con el triunfo y el éxito que siempre le acompañaron.
La mitología actual no ayuda a ver al Lorca persona, pues tras la guerra era el poeta maldito, asesinado, y esto le dio fama universal. En estos momentos existe tal cúmulo de estudios sobre Lorca que es muy difícil la selección, y quizá por la falta de mitos hemos creado otro, destacando facetas de su personalidad fascinantes, pero que desvirtúan una visión completa.

- Obra poética

Los años de infancia que pasó García Lorca en el campo de Granada, su contacto directo con la naturaleza y con el elemento humano más expresivo y rico en fantasía de España -la gente del campo y los pueblos andaluces- fueron decisivos para el nacimiento de su alma de poeta. El mundo de la naturaleza con su variedad y misterio, ejerció sobre él una fascinación constante. Y a ello se unió pronto su afición a las canciones y coplas populares y a la música, de modo que no tardó en conocer los secretos dela guitarra y del cante. Todo ello explica la primera época de la poesía de García Lorca -la de sus primeros libros: Poema del Cante Jondo (1931), Canciones (1927) y el Romancero gitano (1928)- se halle impregnada de elementos populares andaluces, tradicionales y folklóricos, que forman la base de arranque de su lírica, aunque con la aportación de imágenes y metáforas nuevas, y de una técnica estilizadora y enriquecedora de los temas, que son, esencialmente, los del cante popular: el amor, la muerte, la naturaleza.

Es el ejemplo típico de poeta nato, lo que no excluye que haya en él mucho de aprendido. Su poesía es, tanto o más que lírica, dramática, en los dos sentidos de esta palabra: en el de trágica y en el de encarnado en personajes que no son mera proyección del yo del autor. El poeta lírico y el dramático colaboran en su teatro, en el que se encuentran algunas de las muestras poemáticas más felices que escribiera. Su instinto de lo popular y de lo español (no sólo de lo andaluz: recuérdense sus Poemas galegos) era comparable al de Lope. Poseía, a la vez, una intuición agudísima del arte moderno y de la cultura literaria. Lo popular y lo culto, lo antiguo y lo nuevo, lo espontáneo y lo reflexivo, lo español y lo universal se funden en su obra, si no mejor, más famosa: el Romancero gitano. Sin ser el único que resucita el romance tradicional, lo cultiva con personalidad absoluta. Este libro ha logrado entusiasmar tanto al gran público como al lector entendido. Al primero, por la ilación argumental —tenue, pero perceptible—, por la tensión dramática y la suspensión emotiva, por la forma métrica y las calidades plásticas, sensuales, garbosas; al segundo, por todo ello y por el constante acierto expresivo, la riqueza de metáforas, oscuras y difíciles a veces, pero siempre geniales, por la profundidad simbólica —telúrica, elemental— que trasciende de la anécdota y los tipos pasionales, primitivos, que le dan vida. El Poema del cante jondo, basado en el folklore andaluz, es de ambiente similar al del Romancero gitano. Ambos libros hacen de Lorca el intérprete impar de la «Andalucía del llanto».

Canciones nos ofrece otra faceta de Lorca: la del sabio recreador de nuestra poesía de cancionero, la ternura y la gracia líricas del juglar del mundo infantil, de la miniatura refinada. En Canciones, el andalucismo es subsidiario. Lo primordial es el acento popular, la estilización del folklore.

Su obra maestra es quizá el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, libro en el que su autor dio la plena medida de sí mismo y que si se compara con Verte y no verte, elegía de Alberti al mismo citado torero, permite fallar sin la menor duda la superioridad de Lorca sobre quien durante algún tiempo fue su presunto rival. Las cuatro partes del Llanto, con sus diferentes metros, componen una sinfonía funeral de riqueza y hondura admirables. Lo de menos es la ocasión para la que se escribió. Su alcance es universal.

En el Llanto se deja ver la influencia del surrealismo. Pero donde este influjo es más claro, sin ser abrumador, pues Lorca tenía el sentido de la medida, es en Poeta en Nueva York, airada protesta contra la civilización materialista y mecánica de nuestro tiempo, con ecos de denuncia social: los negros, la vida de los suburbios...

     Lorca es el autor español de su generación que ha alcanzado mayor resonancia internacional. No es extraño este triunfo de un poeta que reunió en síntesis única tan varios y acusados dones.

La obra de Federico es complicada para estudiarla cronológicamente, ya que algunas fueron reelaboradas y se publicaron muchos años después y otras quedaron inéditas hasta hace poco tiempo. No obstante, vamos a dividir su obra en dos partes.

     Su primera obra fue el libro en prosa Impresiones y paisajes (1918). Su iniciación en el teatro data de El maleficio de la mariposa (1920), pero su primer éxito como dramaturgo lo consiguió en 1927 con Mariana Pineda, estrenada en Barcelona por Margarita Xirgu en1927, la que siguieron La zapatera prodigiosa, Bodas de Sangre, Yerma, Doña Rosita la soltera y La casa de Bernarda Alba, por citar sólo sus piezas mayores. En casi todas ellas hay -como en las comedias de Lope- pasajes líricos de antología. Aficionado a la pintura, dibujaba con gracias, y fue un gran recreador de canciones populares.

     De todos los poetas españoles contemporáneos es el que ha logrado más difusión en el extranjero, donde sus obras han sido traducidas a diversas lenguas y ampliamente estudiadas.

No ha existido criatura en las letras hispanas -tal vez Lope de Vega- con tanta luminosidad, poderío y duende como García Lorca, quien haya hecho más camino teatral y poético en menos tiempo: los ocho años que van del Romancero gitano a su fatal agosto de 1936, cuando estrenaba sus 38 años de edad. El mejor gusto, el aliento más poderoso, la gracia y la tragedia tejen la urdimbre de su vida y su poesía. 

Primera etapa.


Es la más conocida del gran público; mezcla lo tradicional con las novedades vanguardistas y la poesía pura, es decir, recoge influencias de Juan Ramón, Rubén Darío, Góngora, la poesía árabe, el cancionero popular, lo andaluz y lo nacional. Todo ello se reúne de una manera armónica, porque Lorca es capaz de reelaborar todos estos elementos para que aparezcan como algo nuevo y original.

En este grupo incluimos las siguientes obras:

  • Libro de poemas: fue publicado en Madrid en 1921, pero tos textos son de 1918-20. Aunque es un libro de juventud hay que destacar la habilidad en el dominio del lenguaje y la versificación; sorprende lo novedoso de las imágenes, si bien hay ecos de poetas anteriores (Antonio Machado, Juan Ramón, Rubén, Bécquer). En cuanto a tos temas, se percibe tristeza, inseguridad, amor desesperanzado, nostalgia.

  •  Poema del cante Jondo: Publicado en Madrid en 1931, aunque fue compuesto en a 1921. Expresado en verso-corto y rima asonante, tiene unas metáforas muy originales y gran musicalidad. Aunque tenga una temática similar al Romancero gitano, su estilo, léxico y metáforas los distinguen: 

No es un libro intimista, sino que sale al exterior y profundiza en las raíces de lo popular andaluz, el mundo de los gitanos y su expresión cantada: Federico es capaz de percibir y comunicar la injusticia y la frustración que se encierra en esta cultura.

El cante jondo es sombrío... Goza la muerte, la cárcel, el amor desgraciado, la desesperación; motivos de inspiración, que casi exclusivamente, conoce el pueblo que lo inspira”.

  • Canciones: Se publica en Litoral, Málaga, en 1927; lo redactó entre 1921 -24; hay cierto impresionismo y un gran virtuosismo en el lenguaje. Trata de temas variados; destacamos las canciones para niños, donde los animales están personificados. Es muy conocido El lagarto está llorando...

  • Romancero gitano: Publicado en Revista de Occidente en 1928, aunque su escritura corresponde a 1924-27, y era ya conocido por las varias lecturas que de él hizo su autor. Es su libro más conocido y el que alcanzó mayor éxito: antes de la muerte de Federico se habían hecho seis ediciones, y, a los diez años de publicarse contaba ya con 15 ediciones. Consta de 18 romances cuyo tema es Andalucía: 15 referidos a gitanos y 3 históricos.

Lorca había pasado muy pronto a formar parte del repertorio de recitadores profesionales y aficionados, creando el mito de un García Lorca cantor de los gitanos, que disgustó profundamente al poeta. El romancero gitano, no es, sin embargo, un libro fácil de poesía popular, sino una síntesis feliz de elementos populares -los temas, la atmósfera, los personajes- y de imágenes cultas y barrocas metáforas. La convencionalidad de los motivos -en su mayoría historias de amores y luchas de gitanos- queda olvidada ante el tratamiento metafórico y mítico, casi siempre dramático, que utiliza Lorca.
El mundo de misterio y de sensualidad de los gitanos cobra así una fuerza poética de gran intensidad, gracias a la originalidad y al uso de símbolos y de la prosopopeya frecuente con que personifica a los elementos de la naturaleza. Los protagonistas de estos romances lorquianos son seres frustrados, que buscan la felicidad y el amor pero no llegan a alcanzarlos porque la muerte o una amenaza de muerte lo impide. Y cada romance capta, no el tiempo fluyente y continuo, sino un tiempo fragmentario, un instante culminante, trágico, de la vida del gitano. El poeta quiere destacar la intensidad de ese momento, rodeándolo del necesario fulgor y de la tensión que le presta la técnica de la polaridad luz-sombra, vida-muerte.
El romance, tan usado por el resto de sus compañeros de generación, adquiere aquí valores nuevos: a veces narra, describe en otras ocasiones. Romance sonámbulo establece un entramado difícil de desentrañar con más elementos lírico-oníricos que narrativos, siendo un verdadero romance dramático. Pero sobre todo, destaca a metáfora siempre deslumbrante y llamativa y una adjetivación muy original para mostrar unos héroes-antihéroes como son los gitanos, perseguidos por sus antagonistas, los guardias civiles, que no salen muy bien parados.
   En otros poemas se refleja el amor, el código de la venganza, los elementos naturales, que defienden o ayudan a la tragedia.
   Este libro, profundamente vanguardista, también aprovecha las formas tradicionales, su apego por las formas recitadas o cantadas.
   El Romancero Gitano, junto con el Poema del cante Jondo, encierran todo el garbo y ritmo, la melancolía profunda, el patetismo adobado con la imagen más rica y sorprendente, aparecen en ambas obras, complementarias, que buscan un tiempo nuevo en la poesía. en ellos la acción está a punto de convertirse en acción dramática.


  • Suites: quedó inédito, fue escrito entre 1920-23 lo mismo ocurre con Odas, redactado entre 1924-29; inédito también quedó Poemas en prosa, escrito en el período de 1927-28.

Segunda Etapa:


  • Poeta en Nueva York: compuesto entre 1929-30, se editará en México en 1940 y en Nueva York en una edición bilingüe. Está considerado como la obra culminante de Federico, aunque en su origen no fue valorado suficientemente. Es un libro surgido de una crisis personal, siendo formalmente surrealista y de contenido imbuido por la protesta. Lorca ataca la ciudad idealizada que no ve por ningún lado y razona poéticamente que la industria engulle al ser humano.

La poesía de Lorca evoluciona radicalmente, como consecuencia del choque violento que representó para él el encuentro con el mundo mecanicista de Nueva York, en el que reinan la máquina y el dólar. ante ese mundo deshumanizado, la reacción del poeta es de apasionada protesta. El tema central del libro es el enfrentamiento entre la naturaleza pura, el hombre elemental -reflejado aquí por los negros, como el Romancero gitano por los gitanos- y la civilización de la máquina. El resultado de la lucha es la victoria de ésta, con su secuela de destrucción, frustración y muerte. si el fondo tradicional y andaluz del Romancero gitano, sobre el que destacaba la anécdota, se avenía bien con la forma sencilla del romance, con Poeta en Nueva York pasamos de lo local a lo universal, de lo tradicional a las técnicas surrealistas, y al clima alucinante, de pesadilla, de los poemas neoyorquinos. La angustia del hombre acorralado, devorado por la civilización de la máquina -que recuerda a Chaplin en su filme Tiempos modernos- exigía esa poesía amarga, exasperada, caótica, de Poeta en Nueva York, y la renuncia al verso tradicional. en vez de éste, Lorca usa ahora el verso libre, inquieto, desasosegado, que va mejor a la expresión surrealista y a las imágenes oníricas, tan frecuentes en el libro.
Los negros de ahora son los gitanos de antes, los únicos capaces de salvarse en esta ciudad devoradora de toda naturaleza y provocadora de la muerte. Es un libro profundo, más universal y más críptico que los anteriores.

El lenguaje, de una impresionante fuerza, ayuda al autor a expresar sus conflictos. Las metáforas elaboradísimas, lo irracional de las imágenes, el surrealismo, la estructura en versículos y las rimas asonantes ayudan a recrear esas experiencias desgarradoras.


  • Diván de Tamarit: escrito entre 1.931-34, es un libro en el que cambia de estilo aunque las temáticas subyacen. Cernuda dice de Lorca que parece un poeta oriental, ya que huye de una visión tópica y superficial de Oriente; al contrario, tanto en las gacelas como en las casidas muestra una poesía rica, hechizante, de contenido más erótico, donde los esquemas estróficos son más tradicionales que en el libro anterior. Es una vuelta a la poesía amorosa con influencia de la lírica arabigoandaluza, que pudo leer Federico gracias a la excelente versión castellana realizada por Emilio García Gómez en su antología Poemas arabigoandaluces (1930). 

  • Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías: publicado en Madrid en 1935. Es una obra que sintetiza surrealismo y tradición. en el se observa aún la influencia surrealista. Es uno de los más intensos poemas elegíacos de la poesía española. esta dramática elegía es una síntesis de los dos estilos de Lorca: el popular y tradicional y el marcado por el surrealismo. El tema es la muerte del torero y gran amigo suyo Ignacio Sánchez Mejías, cogido por un toro en la plaza de Manzanares. Pero el poeta convierte ese drama en un gran espectáculo ritual, en una lenta y mítica ceremonia, con un fondo de rica escenografía surrealista.

  • Seis poemas gallegos: publicados en Santiago de Compostela en 1.935, presenta a un Lorca maduro, que escribe en gallego, lo que supone universalizar su espacio andaluz.

  • A partir de 1935 empieza a escribir un libro de Sonetos, que se hubiera llamado Jardín de las sonetos, del que se conoció en 1984 la serie Sonetos del amor oscuro, publicados sólo en versión abreviada, es una contemplación de la pasión amorosa llevada a su ángulo más exasperado y dramático. Lorca se revela en ellos como un admirable sonetista.

Lorca se centra en un esquema estrófico como es el soneto; esta vuelta a la norma no carece de valor y belleza; sus sonetos hablan de amor, a veces de erotismo, otros expresan la angustia y ansiedad que le produce la posibilidad de perder ese amor, por ejemplo, El soneto de la dulce queja

PEDRO SALINAS

Biografía

Nació en Madrid en 1891, en cuya Universidad Central estudió Derecho y Filosofía y Letras.  Entre 1914 y 1917 fue lector de español en la Sorbona y entre 1922y 1923 en  Cambridge. En 1918 ganó la Cátedra de Literatura de la Universidad de Sevilla, donde permaneció ocho años. En ella coincidió con otro de los grandes autores de la Generación, Luis Cernuda, que fue alumno suyo. Su influjo en los jóvenes poetas andaluces es importante, según recuerda el propio Cernuda: “Quien acude a él halla siempre, por lo menos, una palabra cordial, un gesto, un estimulo”.

En 1926, de vuelta en Madrid, colabora con el Centro de Estudios Históricos, formado por un grupo de investigadores reunidos por Ramón Menéndez Pidal.

En 1932 fundó la revista “Índice Literario”, cuya finalidad era informar a los hispanistas de las novedades literarias españolas. Fue secretario de la Universidad Internacional de Santander, inaugurada en 1933, hasta 1936, fecha en la que, exiliado por la guerra, marcha a América como profesor visitante al Wellesley College, en Puerto Rico y en la John Hopkins University de Baltimore.

Ya no volverá a España, pero este período será fecundo en conferencias, trabajos y libros. Recorre múltiples universidades americanas; imparte clases en Baltimore y en la Universidad de Puerto Rico entre los años 1943-1946. Murió en Boston en 1951 y está enterrado en San Juan de Puerto Rico.

Sobre su personalidad ha dicho Marichal: “Yo diría que Pedro Salinas era un hombre a la vez abierto y tímido, extraordinariamente expansivo y, sin embargo, cerradamente pudoroso”.




Obra poética

Aunque su obra crítica es importante, la verdad es que no tiene parangón con su creación poética, por ello nos vamos a dedicar, sobre todo, a esta última.

Gerardo Diego, en su Antología, define su obra como auténtica, bella e ingeniosa.

En ocasiones se le ha tachado de poeta intelectual; sin embargo, la vida, el mundo que le rodea, es la base de sus escritos, si bien no se puede olvidar que la realidad sufre un proceso de idealización. La inteligencia viene después de una percepción sensorial y se apoya en el sentimiento.

Además, Salinas, como protagonista concreto, con una situación espacio temporal definida, nos permitirá seguir sus transformaciones en sus obras.

En su poesía se dan vanguardia y tradición entrelazadas. Su búsqueda de la esencialidad hace creer a los lectores que es un poeta sencillo (si nos atenemos al léxico no rebuscado), pero complejo al querer expresar la profunda complejidad de la realidad.  

El tema central en su poesía es el del amor. Salinas es, como Garcilaso en el siglo XVI, Bécquer en el XIX o Aleixandre en el XX, uno de los grandes poetas amorosos de la literatura española. Salinas trata el tema de modo conceptual: Razón de amor, que canta «el dulce cuerpo pensado» de la amada. La poesía de Salinas ha sido calificada como una «lírica del vocativo» (Julián Marías). El poeta no sólo canta a la amada, sino para ella y por ella: La voz a ti debida. Mas ese , a la vez que plenamente personal, es, antes que el correlato del yo, la creación de éste, su conciencia o concepto, el necesario término relativo de la actividad mental del amante, como señala muy bien Leo Spitzer. Poesía, pues, del , pero también; y sobre todo, del yo: idealismo y relativismo poéticos, visión subjetiva de las cosas en mi, en el sujeto pensante. Ese es un real, de carne y hueso, de cuerpo y alma; pero su realidad física nos escapa, porque queda abstraída en la pura señal del pronombre:

Para vivir no quiero

islas palacios, torres.

¡Qué alegría más alta:

vivir en los pronombres!

    La realidad material, el universo en torno, visto siempre en función de la amada, iluminado por el amor, pierde sus atributos contingentes, es sometido a una desrealización irónica, a la manipulación ingeniosa de un conceptismo que gusta de la contradicción, del contraste entre el sí y el no, del juego de las oposiciones: Seguro azar. Lo que el poeta persigue, a través de lo concreto, de lo anecdótico, de la realidad cotidiana, no es ella misma, sino otra «más alta», una «trasrealidad» simbólica. De ahí el frecuente uso de negaciones y de precisiones de matiz: La lírica de Salinas es una psicología del amor que en su riqueza, en su finura de análisis recuerda a Proust, y que culmina en una metafísica poética. En esta obra hay, como reza uno de sus títulos, Fábula y signo. Signo, porque la anécdota se articula en un coherente y significativo sistema. Fábula, porque esta poesía dice y habla con contención emotiva, sí, pero con efusiva fluidez. El rasgo externo de esta jubilosa, amorosa influencia es la sucesión de versos, libres de la construcción estrófica, de la rigidez del metro y la rima, versos generalmente de arte menor, asonantes o blancos, que dan a esta poesía inconfundible flexibilidad.

Etapas de su obra

Todos los críticos hablan de tres etapas en su obra.

1.     Primera etapa: Presagios (1923); Seguro azar (1929); Fábula y Signo (1931)

Para Marichal es un período de tanteo y búsqueda de expresión propia. Otros críticos la definen como período de poesía pura y vanguardia. En sus poemas se pueden rastrear “los felices años veinte”, esa vida desenfadada, joven, alegre, que corresponderá al período de vanguardias: futurismo, creacionismo, en definitiva, ultraísmo (con sus máquinas, coches, telegramas, bombillas, películas, teléfonos o máquinas de escribir), todo lo que Cernuda vería como un intento para evitar lo humano a través de ingeniosidades verdades, paradojas, juegos de palabras, frente a los que Salinas se muestra irónico y serio.

Sus poemas se caracterizan por depurados contenidos, sencillez expresiva, aunque a veces se pueda rastrear el influjo gongorino, y otras el tono ingenioso e intelectual. Sin embargo, no se olvida de acercarse a lo humano, el amor, la contemplación del mundo...

Hay que hablar de un diálogo creador entre el yo lírico y el tú de las cosas, representante del mundo que circunda. Siente predilección por los metros cortos, sin rima o asonantados. Le interesa más el concepto que la forma, por ello buscará una forma fácil, con lenguaje sencillo.  

  • Presagios (1923).- muestra alguna influencia de Juan Ramón Jiménez y alguna huella de Unamuno y Antonio Machado.

  • Seguro Azar (1929) y Fábula y signo (1931).-  en ellos se acentúan los rasgos más personales que iban a caracterizar su poesía: un lirismo intelectual de una sutileza e ingravidez poco frecuentes en la poesía española, que culminan en el libro que la crítica ha considerado su obra maestra, La voz a ti debida.

2.     Segunda etapa: La voz a ti debida (1933); Razón de Amor (1936); Largo lamento (1938)

El tema principal es el amor, como se muestra en estos libros:

  • La voz a ti debida (1934).- debe su título a un endecasílabo de la Égloga III de Garcilaso; está considerado como un poema unitario, donde pueden rastrearse variaciones sobre el tema amoroso.

     Es una historia vivida desde la pasión primera hasta la ruptura, pasando por una unión plena y absoluta con la amada, sin que nombre nunca ni a la amante ni a la amada, que aparecen de forma anónima, desprovistos de datos personales; por ello los nombres quedan sustituidos por los apasionados pronombres yo y tú, aunque dejan traslucir la dificultad de comunicarse y el adiós a los amantes.

Para Guillén detrás del hay una mujer real de carne y hueso, no una ficción; sin embargo, otros críticos aluden a que el tú es la conciencia del autor; otros, Crispín, ven la obra como un símbolo de la creación y pérdida del edén amoroso.  

Según algunos críticos, esta obra es la primera de una trilogía que seguirá con Razón de amor y Largo lamento.


 



Portada de La voz a ti debida (1934), libro con que Pedro Salinas inicia una trilogía de poesía amorosa completada con Razón de amor (1936) y Largo lamento (1938)

 

  • Razón de Amor  (1936).- debe su nombre a un poema medieval. Trata de la despedida, el fin propio de un apasionado amor, cuando la comunicación se complica y llega a ser imposible; sólo queda la ruptura, que en Largo lamento se transforma en melancolía y dolor ante la conciencia de que no se va a repetir el encuentro.

Los contenidos siguen predominando sobre la expresión, con escasa retórica, los versos cortos y de rima asonantada o inexistente.

  • Largo lamento (1938).-  compuesto antes de 1938, algunos poemas de este libro se habían publicado en 1957 con el título: Volverse sombra y otros poemas, si bien la edición definitiva aparece incorporada en sus Poesías completas de 1971, que preparó su hija Soledad Salinas. Debe su nombre a la Rima XV de Bécquer. Es un libro de amor, pero en él, a diferencia que en los dos anteriores, la dicha del amor ha sido desalojada por la desolación de un amor que agoniza y muere, que es ya sólo amargo recuerdo, dolorosa elegía.

El amor es el tema central de la poesía de Salinas, pero no un amor en abstracto, sino el amor concreto, cotidiano, situado en una realidad temporal que incorpora a la aventura amorosa, vivida como sorpresa incesante, el mundo mecánico que rodea o que utilizan los amantes: el teléfono, el automóvil, el cine, la electricidad, los anuncios luminosos, etc. Salinas canta a la amada como un ser capaz de transfigurar los objetos de su ámbito cotidiano, de reinventar el mundo y sus maravillas. Como en la poesía de Guillén, la vida es de nuevo, gracias a la amada, fábula y prodigio.

 La amada, criatura mágica, presta un nuevo fulgor a las cosas más vulgares y cotidianas, "La vida es lo que tú tocas" dice Salinas en el primer poema de La voz a ti debida. Hay, pues, cierta idealización de la amada en esos libros, pero esa idealización es compatible con sentir a la amada como una criatura real, cercana al poeta, quien dialoga con ella en su intimidad diaria. Salinas logra acentuar ese cotidiano diálogo con la amada acudiendo al uso frecuente del pronombre de segunda persona. Ese "" de los versos de Salinas es la amada concreta, la amada esencial de cada día. 

La poesía amorosa de Salinas encuentra su mejor cauce en una forma fluida y continua, que apoya su ritmo en el heptasílabo libre como verso dominante, y que no se somete a ningún rigor formal.

3.     Tercera etapa: El contemplado; Todo más claro; Confianza.

Es un periodo en el que el estilo del poeta se transforma. Son escritos del exilio.  

Tras la guerra, Salinas deja la temática amorosa y se centra en el mundo nuevo, sin añoranza del pasado, pero imbuido de la nostalgia que embargó a todos los exiliados; ahora se siente solidario con las angustias del hombre o los valores siempre vigentes.  

A partir de los años del de exilio, que pasa en Estados Unidos y en Puerto Rico, la poesía de Salinas se hace más inquieta y preocupada, y su temática se ensombrece con motivos dramáticos, como la bomba atómica, tema de su extenso poema "Cero", incluido en su libro Todo más claro (1949). 

De la obra escrita en América, dos libros fueron publicados muerto ya Salinas: Confianza, que vio la luz en 1955, y Largo lamento, que escrito o terminado en 1938, se incluyó en la edición de Poesía completas publicada por el editor Carlos Barral en 1971, con un prólogo de Jorge Guillén.

Esta etapa consta de tres libros:

  • El contemplado (1946, publicado en México). Es una obra breve que el autor subtitula Tema con variaciones. Hace referencia al mar de Puerto Rico, contemplado por sus ojos y alma. El mar es el paraíso, primero al alcance del poeta, luego al de todos los humanos. Nominar es poseer lo designado.  

La mirada del poeta se hace metafísica, ética, mística. Salinas está cerca de San Juan de la Cruz.


  •    Todo más claro (aparece en Buenos Aires en 1.949).  Reúne poemas escritos entre 1937 y 1947.Todo mas claro es un libro amargo, donde la sociedad de consumo, ensalzada en su primera etapa, se ve como algo trágico ante la aniquilación que puede sufrir la humanidad por los objetos que produce. Es un texto más realista y en él propone a la poesía como organizadora de este mundo caótico, deshumanizado.

  • Confianza (libro póstumo publicado en Madrid en 1955, aunque recoge la poesía de 1942-1944). Es un libro negativo, de desaliento, si bien hay una actitud esperanzada, de contemplación del mundo. La obra expresa bien lo que el poeta no perdió nunca pese a las amenazas que veía surgir por doquier: el amor a la vida, la esperanzana y la confianza en ella. No parecía presentir el autor que le quedaban muy pocos años de esa vida a la que se aferraba con amor. Estos poemas de esperanzana cierran una obra poética en la que son rasgos dominantes la sutileza intelectual, la fluidez de la forma poemática, el sentido espiritual que recrean el mundo para vivificarlo, e iluminan a la amada y a las cosas que la rodean. 

 

Siendo de gran calidad su obra poética, no lo es menos la obra en prosa de Salinas, que abordó con la misma fortuna varios géneros: teatro, narrativa, ensayo, crítica literaria. 

Como autor dramático cultivó un teatro menor, 12 piezas, en un acto la mayoría, en donde mezcla elementos costumbristas y populares con otros de fantasía, como ejemplo en La fuente del arcángel, La cabeza de Medusa, Ella y sus fuentes, La estratosfera -en la que hay alguna huella del teatro de Arniches-, La isla del tesoro y otras. escribió también dos obras de teatro: Judit y el Tirano y El director.

Como narrador, aparte de un intento inicial,  Vísperas del gozo (1926), en la línea de la novela intelectual y poética de los años veinte, Salinas publicó ya en el exilio dos obras: un libro de relatos,  El desnudo impecable y otras narraciones (1951); y una novela,  La bomba increíble de 1950, narración fantástica en que aborda como en el poema "Cero", el tema de la bomba atómica. 

Poseía grandes dotes como crítico literario, claridad de estilo, profunda comprensión y penetración de la obra literaria y ello se muestra en sus más importantes obras de teoría y crítica literaria son: Reality and the poet in Spanish Poetry, Literatura española. Siglo XX (1949), La poesía de Rubén Darío (1948), Jorge Manrique o tradición y originalidad (1947).

 También es admirable su labor como ensayista: El defensor (1948), Ensayos de literatura hispánica (1958), La responsabilidad del escritor (1961).

 Se le deben asimismo ediciones de Meléndez Valdés y San Juan de la Cruz, una versión en romance moderno del Poema del Cid y traducciones de Musset, Mérimée y Proust.


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