Notas sobre algunos efectos positivos de los tiempos de crisis sobre la crítica de arte






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44° Congreso AICA 2011

Sesiones: 17-19 octubre / Embajada Argentina

Idiomas: Español, Inglés, Francés

CONFERENCIAS Y DISERTACIONES / Abstracts

MAREK BARTELIK (USA)

Notas sobre algunos efectos positivos de los tiempos de crisis sobre la crítica de arte

“El tiempo es un río que me arrastra, pero yo soy el río” – escribió Jorge Luis Borges. Antonio Gramsci argumenta: “La crisis se encuentra precisamente entre lo viejo que muere y lo nuevo que no puede nacer; una gran variedad de síntomas morbosos aparecen en este interregno.” La mejor manera de definir “crisis” es como “tiempo de prueba” antes que como “evento de emergencia”. En mi presentación argüiré que los “tiempos de crisis” pueden ejercer un impacto positivo sobre los críticos de arte, puesto que tales tiempos exigen voces valientes que cuestionen y redefinan las metodologías y prácticas existentes y propongan nuevas ideas. En años recientes el crecimiento acelerado de la tecnología y la ciencia ha desafiado a los canales de comunicación existentes, lo cual ciertamente a todos afecta. Estos cambios plantean problemáticas a los críticos de arte en todo el mundo y requieren ajustes en nuestro actuar como profesionales, y también crean nuevas oportunidades. La inestabilidad política, económica y militar del mundo actual hace que ser independiente requiera más voluntad para oponernos a los sistemas de poder dominantes (que incluyen a las “industrias de la cultura”), así como una disciplina intelectual más rigurosa para reevaluar la validez de la crítica de arte. En tiempos de un supuesto fin del arte, un fin de la historia y un fin de la crítica de arte, deberíamos ser particularmente introspectivos y auto-críticos al momento de redefinir nuestro rol en la sociedad. (Traducido del inglés)
SUELY ROLNIK (Brasil)

Archivomanía

Una verdadera compulsión de archivar rastros de propuestas artísticas y adquirir archivos se ha apoderado de una fracción significativa del territorio globalizado del arte durante las dos últimas décadas. Su objeto privilegiado lo constituyen las propuestas artísticas experimentales realizadas en los años 1960-1970, especialmente en Latinoamérica, donde lo político se planteaba en ese entonces en las entrañas de la propia poética. ¿Cuál es la causa de la emergencia de este deseo en el actual contexto? ¿Qué políticas de deseo les sirven de impulso a las diferentes iniciativas de archivos y a sus modos de presentación? ¿Cómo, cuándo y hasta qué punto las distintas posturas que se adoptan y los respectivos dispositivos que se inventan crean las condiciones para que dichas iniciativas – necesariamente distintas, pero con igual tenor de intensidad – puedan activar estados vitales en el presente? Éstas son algunas de las preguntas que problematizaremos. El alcance de tal problematización no se restringe a ciertas propuestas artísticas del pasado, sino que se extiende a todas aquellas obras que no empiezan ni terminan en el objeto y que solamente se plasman en su carácter de acontecimiento, portador de un poder de propagación del virus da arte.
CHUS MARTÍNEZ (Alemania/España)

La escandalosa belleza del sinsentido

Escribe Octavio Paz "ni Homero, ni Virgilio conocieron el humor; Ariosto parece presentirlo, pero el humor no toma forma hasta Cervantes. (...) El humor es la gran invención del espíritu moderno." El humor no es, por tanto, un atributo de la condición humana, ni tampoco un rasgo del carácter de algunos individuos. El humor, que es algo muy diferente a la risa, a la sátira, a la ironía, es un método, un recurso que tiene como función principal crear una ambigüedad en el seno del lenguaje, esto es, un espacio distinto al de la correspondencia entre significado, palabra y realidad. Hay un hecho paradójico que me gustaría poner en común en el marco de un casi futurista encuentro de críticos de arte en un tiempo de crisis: la necesidad de olvidar el texto construido como un discurso ideológico y emocionalmente unitario para poder volver a él.


PAUL ARDENNE (Francia)

Libertad de expresión del crítico de arte e industria cultural.

Esta conferencia tiene como objeto interrogar la parte de libertad de expresión dejada al crítico de arte en el «sistema» propio al arte actual, ampliamente institucionalizado y dominado por la industria cultural. ¿Salir del principio de la celebración de la circunstancia está todavía en estación/a la moda (¿?)?? Frente al poder/fuerza (¿?) demostrativo/a y gradual de la industria cultural y de sus «aparatos» (bienales de arte, festivales, commandes (no sé cómo traducir este término) e instalaciones específicas…), ¿Puede la crítica de arte exisistir simplemente como actora? Esta interrogación es crucial. Entre valorizar un arte de divertimiento a utilizarse por las masas instrumentalizadas y un arte del combate íntimo, social o político, ¿Es necesario hacer un balance y lo podemos hacer? ¿Es todavía la resistencia algo posible? ((Traducido del francés).
TICIO ESCOBAR (Paraguay)

Mirada y crisis. Más allá del arte

El arte, entonces, es fundamentalmente un dispositivo de crisis. Confunde las señales de la cultura -el sentido único- pero, en compensación, habilita otras direcciones posibles. Desde esta ambivalencia suya, lo artístico puede ser entendido como un caso de phármakon. Desde Platón se llama así el extraño elemento que puede actuar ora como medicina, ora como veneno. La paradoja del arte permite instalar en el lenguaje un momento tóxico (de locura y deseo, de oscuridad): una inflexión negativa capaz de rescatar la cultura de su puro racionalismo y abrirla a la perplejidad de la diferencia, a la incertidumbre del acontecimiento. Sobre este trasfondo de crisis original, la cultura y, particularmente, el arte contemporáneos acarrean sus propias crisis. El malestar de la cultura actual radica en el colapso de sus fundamentos trascendentales, los encuadres de sus certezas; desarreglo que provoca una situación angustiosa e instala un clima melancólico. Para evitar la melancolía, se vuelve preciso levantar otras plataformas de creencia, pensamiento y sensibilidad. Esta exigencia marca el momento positivo de la crisis, entendida ahora como disturbio que obliga a repensar y reimaginar el mundo: a buscar nuevos sustentos para la construcción de sentido: fundamentos no-fundamentales, en sentido heideggeriano. Ante el derrumbe de los principios esenciales, se deben buscar apoyos fluctuantes, construidos históricamente: fundamentos contingentes, sujetos al azar de situaciones específicas.
TANIA BRUGUERA (Cuba)

Previó esta conferencia, pero finalmente terminó haciendo una performance.

Movimiento Inmigrante Internacional

El Movimiento Inmigrante Internacional de Tania Bruguera, presentado por Creative Time y el Museo de Arte de Queens, es un proyecto artístico a Largo Plazo en donde la artista inicia un movimiento sociopolítico. Bruguera pasará un año operando en un espacio comunitario flexible en el vecindario multinacional y transnacional de Corona, Queens, que servirá como sede del movimiento.

Mediante la creación de vínculos entre comunidades locales e internacionales y el el trabajo con organizaciones de servicios sociales, funcionarios electos y artistas centrados en la reforma migratoria, Bruguera examinará las crecientes inquietudes sobre la representación política y las condiciones que enfrentan los inmigrantes. Dado que la migración se convierte en un elemento cada vez más neurálgico en la existencia contemporánea, el estatus y la identidad de quienes viven fuera de su lugar de origen se definen cada vez más no por compartir una lengua, clase, cultura o raza comunes, sino por su condición de inmigrantes. Al atraer a la comunidad local mediante talleres, eventos, acciones y alianzas públicos con las organizaciones de servicios sociales y de inmigrantes, elMovimiento Inmigrante Internacional explorará quiénes responde a la definición de inmigrantes y qué valores comparten, centrándose en el tema más amplio de qué significa ser ciudadano del mundo. Bruguera también profundizará en la aplicación del arte en la sociedad, examinando qué significa la creación de Arte Útil y atendiendo la disparidad de compromiso entre un público informado y el público en general, así como la ditancia histórica entre el lenguaje utilizado en lo que se considera de vanguardia y el lenguaje de la política urgente.
ELENA OLIVERAS (Argentina)

Las artes visuales más allá de lo visual: un desafío para la crítica

El corrimiento de los límites de las artes plásticas contemporáneas plantea un enorme desafío para la crítica que ahora deberá ahondar no sólo en la historia del arte o en aspectos técnicos / estilísticos de la obra, sino en la ontología, como parte de la filosofía que se ocupa del ser. ¿Cuál es en nuevo ser de las artes plásticas? Tradicionalmente ubicadas dentro de las artes visuales, o artes del espacio, hoy van más allá de lo visual, directamente conectadas, en algunos casos, con la literatura o la música. La división canónica entre artes del tiempo y las artes del espacio se revela insuficiente dada la sorprendente revolución categorial operada. 
ALICIA HABER (Uruguay)

El ejercicio de la crítica de arte en Internet: dos casos uruguayos

La revolución digital tiene efectos profundos en el ejercicio de la crítica de arte. Al escribir sabemos que contamos con receptores interactivos. Hay una democratización del conocimiento y los críticos de arte que utilizan los nuevos medios pueden contribuir a ella haciendo llegar la información a sectores muy vastos. La ponencia analiza la nueva plataforma de comunicación que es Internet para el ejercicio de la crítica de arte a través de la creación de espacios específicos y experiencias concretas realizados en Uruguay desde 1997 al presente: el museo virtual MUVA y la revista ARTE.
ALOYSE NDIAYE (Senegal)

La Creación en África y la Crisis Mundial: Una Nueva Reivindicación Humanista.

La mundialización/globalización y la crisis que la acompaña no exceptúan a África, debilitada por numerosas dificultades, el agravamiento de la pobreza, el hambre, las pandemias, los conflictos inter-étnicos e inter-religiosos, a los cuales se debe agregar las violaciones de los derechos humanos, el uso de la violencia como único medio de resolución de conflictos, la corrupción, la impunidad… En este contexto desfavorable, África demuestra, extrayendo de sus propios fondos, su cultura y sus tradiciones; su capacidad de resistencia, la innovación a través de la implementación de estrategias para la resolución de conflictos, donde la famosa Comisión de Sudáfrica "Verdad y la Reconciliación" sirve de modelo. Pero, al mismo tiempo, ella hace prueba de una vitalidad prodigiosa en el dominio de la creación artística haciendo participar así a sus creadores en el esfuerzo de la Verdad, de la Justicia y la Reconciliación, es decir en «  la nueva reivindicación humana ». (Traducido del francés).
DAVID MATEO (Cuba)

El arte cubano y las paradojas del mercado

Las dos últimas décadas han traído cambios importantes para el contexto de las artes plásticas en Cuba. El interés internacional en el arte cubano hacia finales de la década del 80 y la apertura que se generó a partir de la fuerte crisis económica que vivió el país a inicios de los 90, introdujeron el tema del mercado del arte. Para nosotros era un fenómeno aparentemente nuevo, fue incluso en un período dado de nuestra historia, un tema casi irreconciliable con las concepciones políticas y culturales del proyecto social. Y digo aparentemente nuevo, porque siempre ha existido en Cuba un mercado del arte subrepticio, furtivo, sostenido por unos pocos coleccionistas y comerciantes residentes en el país y en el extranjero, solo que en un momento coyuntural el Estado se vio en la necesidad de reconocerlos, de lidiar de manera abierta con ellos y con el fenómeno que representan […] Hay una notable apatía en cuanto al vínculo de los artistas con el espacio institucional. Si los artistas comienzan a tener éxito fuera de Cuba y encuentran galerías, museos, firmas, entidades que viabilizan su vida y su trabajo, y la gestión estatal no tiene como contrarrestar esa situación, entonces, lógicamente, se empieza a experimentar un desinterés por interactuar con las instituciones.
MONTSERRAT ALBORES GLEASON (México)

Misfeasance?

El termino anglosajón Misfeasance refiere a la ejecución impropia e ilegal de un acto que, en sí mismo es propio y legal. Esta ponencia es una reflexión sobre el problema de la legalidad en directa relación con las acciones del Estado; hace hincapié en el espacio de ilegalidad que genera el sistema gobernante (para la imposición y el mantenimiento de su autoridad) a través de la implementación de nociones tales como la de misfeasance o la tan trillada sentencia de Niccolò Machiavelli: “el fin justifica los medios”. La investigación aquí presentadapone en evidencia la operante crisis tanto de los sistemas económico como de las instituciones legales y políticas. Hace énfasis—a través de la contraposición de episodios históricos reales y eventos provenientes de la ficción—en la falta de regulaciones al abuso del poder del Estado tanto en el ámbito de lo nacional como en el universo de lo internacional.
COMMUNICATIONS FROM CALL FOR PAPERS / Abstracts (en idioma original)
EMILY BAIERL (USA)

Public Art in an Age of Government Austerity

While scholars have analyzed the role of convention centers, retail malls, and major-league sports franchises as components of an urban entertainment infrastructure that serves to promote tourism, public art has not received such attention from urban political economists, even though its role in urban growth politics begs explanation. Urban economic development, after all, is not simply about bricks and mortar, but is realized through more intangible tactics such as city image. Furthermore, public art is not simply the object of urban development schemes; operating in an increasingly competitive environment where marketing and entrepreneurialism are the favored strategies, public art itself has been transformed.

I will examine the legacy of the Great Depression, which saw great advances in government patronage of the arts. During the Depression, economic recovery and job creation were the immediate motivation behind the public art policies, rather than artistic creativity or beautification of the built environment as during the City Beautiful movement. From 1933 to 1943, artists produced more than a hundred thousand artworks with the support of the American government. This art reinforced the government’s role as a benefactor to neighborhoods and communities, urban and rural, with a visual language of contemporary American art accessible to the general public, rather than academic or avant-garde. The art produced during this period (particularly, work characterized as Regionalist) has at times been relegated to the status of “low” art due to its rejection of abstraction and its often nostalgic subject matter. In addition to defining a new American public art vernacular, the New Deal provided the impetus for the reevaluation of the artist’s role in society.

In my paper, I will address the following questions:

What forms does public art take in this era of government austerity? How does the public art of the Great Depression differ from the public art produced during the “Great Recession”? How do organizations and government agencies justify the expenditure of public funds on public art during an economic downturn? Are these justifications legitimate?
NIILOFUR FARRUKH (Pakistán)

No Paradise in Sight

My paper focuses on the emergence of a new discursive framework that addresses the ideological crisis within Pakistan. This is centered round moderate voices that espouse a personal and heterogeneous Islam as opposed to the exclusivist and violent version created by extremists and un-questioningly picked up by the global media. As the mainstay of the War on Terror rhetoric this has had international implications which has turned a political confrontation into a religious one.

Interventions by artists and art critics to re-contextualize Islam have taken place at a particularly difficult and dangerous time for despite the repressive environment they understand the urgency to subvert the politicization and militanization of Islam with an alternative narrative that represents the majority of Muslims. The contemporary art in conversation with Islam is personal, experiential and activist as it treads into a new territory previously open only to religious scholars. It also transcends the historical frames of reference that connected art and Islam only through a precise and sanctioned format with little space for individual interpretation. The paper will be illustrated with the work of Pakistani artists that have courageously contributed to the discourse.
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