La influencia del arte moderno






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fecha de publicación26.06.2016
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La influencia del arte moderno
Las primeras dos décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y de cambios insólitos que alteraron radicalmente todos los aspectos de la condición humana. Los puntos de vista tradicionales acerca del mundo fueron desbaratados.

Algunos movimientos como el cubismo, el futurismo, el dadá, el surrealismo, la escuela De Stijil, el suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje grafico de la forma y la comunicación visual de este siglo.

Como fruto de la diversidad de movimientos vanguardistas, gestados en el siglo XX, se proyectó sobre el diseño gráfico un amplio y variado abanico especular que contuvo todos los instrumentos lingüísticos posibles para hacer frente a las variantes disciplinarias que las demandas industriales o sociales contribuyeron a engendrar en estas primeras décadas.

La evolución del diseño tipográfico del siglo XX esta íntimamente relacionado con la pintura, la poesía y la arquitectura moderna.

Durante la década de 1910 y 1920 las vanguardias artísticas que se suceden crean las condiciones conceptuales objetivas para el nuevo repertorio de formas que el diseño grafico recogerá, con plena conciencia, para elaborar con el su primer habeas teórico.

El futurismo.

Fue fundado por el poeta italiano Filippo Marinetti (1876 – 1944), como un moví- miento revolucionario en todas las artes para poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial.

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Fígaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anti clasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice:

El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo.

Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.





El dadaísmo

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.

Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes.

En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

El mensaje dadá se difundió ampliamente, los artistas más reconocidos fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tuvo repercusiones en todos los campos artísticos.

En el caso de la pintura, se desecharon formas y técnicas tradicionales, rechazando las corrientes del momento. Prevalecían las imágenes incomprensibles, donde se destacaron los collages de desechos y recortes de diarios. En la escultura se prevalecieron los ready-mades del francés Marchel Duchamp.

El movimiento dada generó el camino para que nazcan otras corrientes, como el Surrealismo y el Pop Art.



El surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.



Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador.

La fotografía y el movimiento moderno

El nuevo lenguaje visual de los movimientos modernos, preocupados por el punto, la línea, el plano, la forma y la textura, así como por la relación entre estos comenzara influir en la fotografía, del mismo modo que el futurismo y las proposiciones dadaístas habían impactado a la tipografía en el diseño gráfico. En 1912, Francis Bruguiere comenzó a investigar las exposiciones múltiples y abrió nuevos caminos al potencial de la luz registrada en la película como medio para la expresión poética.

En 1915, Man Ray (1890-1976, nacido en Filadelfia), conoció a Duchamp y quedó encantado con el Dadaísmo.

El modernismo pictórico

La libertad de ex- presión se puede observar tanto en las amables escenas burguesas de Ramón Casas como en las duras figuras marginales de Nonell.

Otros como los hermanos Mas- riera representan, bajo este punto de vista, una tendencia más tradicional -más cercana al academicismo, pero entendido como un refinamiento del realismo no basado en normas clásicas dentro del modernismo.

Las diferencias de estilo no se hallan únicamente entre los distintos artistas, sino también dentro de la obra de cada uno de ellos. Esto se evidencia en la obra de Ramón Casas, este excepcional pintor caracterizado por sus amables escenas burguesas como “Plein air”, “Baile de tarde”, decoración del Cercle del Liceu en Barcelona, retratos de la alta sociedad catalana y otros de contenido similar, es también el autor de pinturas presentan- do temas con motivos sociales como “La carga”, “Garrote vil”. etc.
Este es también el caso de Isidre Nonell, ya que siendo imágenes de la dura vida y apariencia de seres marginales el motivo central de su pintura, presenta también especialmente en el periodo de alrededor de 1907, una serie de obras que retratan la alta sociedad catalana, con características por descontado mucho más amables que en la pintura que forma la base de su obra.



Santiago Rusiñol, conjuntamente con Ramón Casas es el pintor más característico de este periodo. La variedad de temas que pintaba: retratos (Eric Satie), paisaje (“El puerto de Barcelona” y jardines), temas de la vida (La “Cocina del Moulin de la Galette”), nos pueden dar una idea de sus viajes y las diferentes fuentes de inspiración que acompañaron su vida bohemia.

Retratos y paisajes son los motivos más frecuentes de la pintura Modernista. Esto es muy evidente en la obra de los hermanos Masriera, Eliseu Meifrén, Utrillo, Lluïsa Vidal, Joaquim Mir y otros. De hecho este es uno de los pocos elementos comunes en un estilo -el Modernismo- que agrupa una gran cantidad de artistas normalmente autodefinidos como Modernistas, pero que manifiestan una gran libertad creativa y no están demasiado preocupados por su fidelidad a las normas muy laxas del movimiento, lo que no es difícil si pensamos que en este, la norma es precisamente la ausencia de normas.

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