El concepto del Barroco en la Literatura. La literatura española y su relación con la europea






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T. 4. El Barroco y el clasicismo francés


  1. El concepto del Barroco en la Literatura. La literatura española y su relación con la europea.

    1. Concepto de Barroco. Contexto histórico. Rasgos generales

Se designa con el término Barroco, a un estilo artístico que marcó el período histórico que sucedió al Renacimiento (entre finales del siglo XVI y finales del siglo XVII) y que tuvo sus repercusiones en todas las artes principales, tanto en Europa como en los países hispanoamericanos. Se considera que el término deriva del portugués (“barroco”, que significa “perla irregular”). En italiano, la palabra “barocco” significa “razonamiento retorcido”. Independientemente de su etimología, la expresión barroco remite a una idea de extravagancia y de exageración, con un marcado sentido peyorativo que alude a un rebuscamiento formal sin fundamento real.

El Barroco ha sido considerado un movimiento eminentemente español, que en otros países ni contemplan los historiadores. Por ejemplo, los ingleses denominan a este período Renacimiento, y existen muchos motivos para ello; por una parte, por su significado religioso debido a que España se erigió como reducto del catolicismo frente a la Reforma, pues encarnó el espíritu de la Contrarreforma; por otra parte, por su decadencia socioeconómica ocurrida en España, pues se desarrolló una falsa riqueza producida por el mercantilismo y ocultada por la afluencia de metales preciosos aportados por América; la recesión económica se agravó por los efectos de la peste y las hambrunas, que dieron lugar al surgimiento de una gran cantidad de menesterosos, marginados de la vida económica, que a su vez dieron origen al prototipo social y cultural del “pícaro”. Mientras el Imperio Español se iba convirtiendo en una potencia de segundo orden, surgían nuevas potencias europeas, Inglaterra y Francia, que desarrollaron economías reales y terminaron por quedarse también con los metales preciosos. En particular, Francia aprovechó la creciente debilidad militar española para expandirse sobre los territorios europeos españoles no peninsulares. La decadencia militar y política del Imperio Español se inició con la derrota de la Armada Invencible (1588), y continuó con la sufrida por su infantería en la Batalla de Rocroi, en Francia, el 19 de mayo de 1643, que puso fin a la Guerra de los Treinta Años en la Paz de Westfalia de 1648 y en el Tratado de los Pirineos de 1659; y se prolongó al ingresar el Siglo XVIII, con la Guerra de Sucesión.

Hay una serie de diferencias muy evidentes entre el Renacimiento y el Barroco. Mientras el arte renacentista es esencialmente realista y se atiene a la apariencia objetiva, el barroco busca apartarse de esa apariencia, destaca las formas irregulares y busca obtener un efecto llamativo a través de lo grotesco. Por ello tanto en las artes visuales como en la literatura, recurre a las formas recargadas, caprichosas y sumamente elaboradas. Frente al realismo renacentista, el barroco entronca con algunas manifestaciones de la filosofía, incluso originarias de la Grecia clásica, en que se llega a poner en duda que si lo que se ve es realmente tal y como se ve.

La doctrina estética del barroco postula, por lo tanto, un rebuscamiento de efectos novedosos y de sorpresa; un desafío al reto de las dificultades formales, haciendo alarde de ingenio en la creación de artificios que importan la necesidad de un esfuerzo en el receptor de la obra de arte, para descifrar su sentido y su contenido. Además, el artista del Barroco no se limita a centrar la atención sobre aquello es esencial, sino que también se detiene en lo accidental, por lo que emplea una gran minuciosidad en la composición de pequeños detalles y se revela el gusto por la ornamentación sobrecargada o exagerada.

A diferencia del Renacimiento, el Barroco procura alejarse de los ideales de equilibrio y uniformidad que estipulaba aquél, de modo que se producirá con frecuencia una técnica de contrastes, basada en incluir en una misma composición visiones distintas, y hasta antagónicas, de un mismo tema, como por ejemplo la vida y la muerte, o personajes mitológicos con apariencia de seres humanos normales.

En cuanto a la cosmovisión del hombre barroco, la constatación de que la vida es breve y fugaz no da lugar al goce de vivir renacentista, sino a la angustia por la destrucción y la muerte que acecha, y a la seguridad de que el mundo carece de valor, pues con frecuencia percibimos apariencias falsas que nos engañan, el llamado engaño de los sentidos. Todo ello da lugar, en el plano religioso, a una actitud ascética que propicia apartarse del mundo y dedicarse solamente a pensar en la otra vida.

En definitiva, la cultura barroca resulta ser en buena medida reflejo de esas circunstancias conformadas por la decadencia, la crisis, el malestar social, las tensiones religiosas y una resultante común de frustración y desengaño. Se asiste al derrumbe del idealismo renacentista, con su amor a la vida y su visión armónica del mundo y se impone una concepción negativa del mundo y de la vida.

El Barroco en España.

El siglo XVII es, indudablemente, el siglo del teatro, el cual será desarrollado en el siguiente punto. No obstante, muchas son las grandes obras de este período, en su mayor parte de la literatura española, cuya genialidad debe ser mencionada en otros géneros. Así pues, el Barroco es el período en el cual se ubica la segunda parte de El Quijote, publicada en 1615, más profunda, más rica y compleja que la primera, donde se perciben algunos de los elementos más típicamente barrocos: la confusión entre apariencia y realidad, el engaño a los sentidos o la frustración provocada por un período decadente y por una sociedad enferma de egoísmo y crueldad. No en vano Cervantes trabajó para surtir de víveres la mencionada Armada Invencible, cuya derrota se considera el origen de la decadencia española. Otros géneros destacados en narrativa son el desarrollo de la picaresca, con El Buscón de Quevedo o de la novela satírica como El diablo cojuelo de Vélez de Guevara. Se mantienen, por otra parte la novela pastoril, La Galatea así como la llamada bizantina, caracterizada por multitud de aventuras, como Los trabajos de Pérsiles y Segismunda. También llega a España la tradición de la novela corta, mediante el mismo Cervantes, como las Novelas Ejemplares, compendio de todos los tipos de novela renacentista de la época.

En lírica, el rebuscamiento formal y la reinterpretación de los clásicos dio lugar al culteranismo de Góngora (Fábula de Polifemo), frente al conceptismo de Quevedo (Sonetos), cargado de juegos de ingenio y sátiras mordaces. El planteamiento existencial de Quevedo, así como la superficialidad de la vida amorosa o la parodia del género épico lo hallamos en Lope de Vega, con obras como Poemas humanos, Sonetos, o La gatomaquia.

    1. El teatro español

Tanto en España como en Inglaterra, convivieron durante el Renacimiento tres tipos de teatro cuyo momento álgido se producirá en el siglo XVII: el teatro religioso, el popular y el cortesano.

El teatro religioso, cuyos orígenes datan de la época del Medievo, estaba impulsado fundamentalmente por los móviles de la Contrarreforma, e intentaba captar la mente y la atención de los espectadores por medio de los sentidos, con el objetivo de que quien lo presenciaba se sintiera profundamente consustanciado con el catolicismo. Se organizaba en torno a las plazas de los pueblos o a los claustros de las iglesias y estaba ligado a las festividades religiosas del calendario católico (Navidad, Pascua, etc).

El teatro cortesano se realizaba en la corte, en el interior de los palacios o en sus jardines, y estaba dirigido a los miembros de ésta, aunque fundamentalmente servía de entretenimiento al rey. En verso, trataba temas amorosos o mitológicos, acompañados de música y de un aparato escénico cada vez más complejo (lagos, fuegos artificiales…). El espectáculo era total, aunque carecía de la calidad literaria del teatro popular. Calderón de la Barca fue el autor de un buen número de obras de este tipo.

El teatro popular fue resultado del surgimiento de la comedia nacional española, creado a partir de patios de vecinos, lugares al aire libre donde se representaron las primeras obras. Ya en el Barroco existen construcciones creadas a tal efecto, aunque en el patio llamado de los mosqueteros carecía de butacas. Las ventanas de los pisos altos, que a menudo eran alquiladas por grandes señores, fueron reconvertidas en los palcos, y se creó una zona especial, llamada la cazuela, donde se sentaban las mujeres, en el piso superior. A Lope de Vega se le considera el padre de la comedia española, al aplicar la fórmula de la Poética aristotélica a la situación barroca, lo cual fue compilado en su Arte nuevo de hacer comedias, cuyas características principales fueron la mezcla de elementos trágicos y cómicos, la introducción en la representación de cantos y bailes populares y la utilización de expresiones en prosa o en verso. Se buscó hacer un teatro del gusto de la época, incorporando personajes populares, y dándole a la trama un cierto carácter novelesco. Aristóteles defendía en su Poética la obra en prosa y la separación de géneros, la Tragedia, que trata de temas serios (muerte…), ocurridos a personajes nobles (dioses, héroes) y con un final triste, y la Comedia, que trata temas cotidianos (amor, dinero...), con personajes comunes y finales felices. En cuanto al respeto a la regla de las tres unidades de lugar (un solo lugar), de acción (se plantea un solo conflicto) y de tiempo (no más de un día natural) se considera obligatorio, pues sin éste la obra resultaría poco creíble. En cuanto a la estructura, la obra suele dividirse en 5 actos o jornadas.

Lope de Vega y Shakespeare se desvían de estas normas al crear la mezcla de comedia y tragedia, de temas graves y cotidianos, (como en la vida), la mezcla de personajes altos y bajos (nobles y villanos, desde el rey a los criados) y la ruptura de la regla de las tres unidades, precisamente para favorecer la verosimilitud, de la siguiente manera: se producen dos acciones, os acciones: la principal y la secundaria; la obra se desarrolla en muchos lugares, todos los requeridos por el desarrollo de la acción y transcurre, en total, mucho tiempo, aunque no suele especificarse cuánto. En cuanto a la estructura, las obras se presentan divididas en 3 actos que se corresponden con el planteamiento, nudo y desenlace. Se suele preferir el verso a la prosa, relacionando el tipo de estrofa con el tema (polimetría), y se añaden canciones intercaladas en momentos importantes (resumen o anticipan los hechos). Los personajes siguen un esquema fijo, que aparece en casi todas las obras: Galán, dama, antagonista, gracioso y criada, padre y rey. Por último, los temas preferentemente abordados eran el amor, los celos, la justicia, la muerte, asuntos religiosos o filosóficos, doctrinales o festivos

Félix Lope de Vega y Carpio (1562-1635) es considerado el creador de la comedia barroca española. Desde unas bases sentadas durante el siglo XVI sobre todo en la Escuela Valenciana, publica un compendio de normas, el Arte nuevo de hacer comedias (1609), en el cual se resumen los rasgos característicos del período. Para empezar, las obras se estructuran en tres actos, se produce una mezcla entre lo trágico y lo cómico, se asienta la figura del gracioso, se intercalan escenas líricas (cantadas). En cuanto a la regla de las tres unidades de Aristóteles se rechaza. Las obras están escritas en verso, y se caracterizan por la polimetría, diferentes versos y por el decoro: el lenguaje adecuado a cada personaje. En cuanto a los temas, Lope se inspira en leyendas (El caballero de Olmedo) y en el enredo amoroso (El perro del hortelano); aunque sus obras más importantes tratan del abuso de poder, en lo que se denomina los dramas de poder injusto (Fuenteovejuna), en que se defiende la importancia de un poder superior, la monarquía, como instancia última en la jerarquía terrenal, que procede de Dios.

El más joven de los poetas barrocos, Calderón de la Barca ((1600-1681), parte del esquema de Lope en cuanto a los personajes (los cuales encarnan profundos sentimientos y se esquematizan progresivamente hasta convertirse en ideas y símbolos), los temas (intensificando el concepto del honor y la monarquía) y la estructura (con escenografías espectaculares). Una de las aportaciones más importantes de Calderón es la elaboración estilística, por medio de metáforas difíciles, antítesis, elipsis. En definitiva, se produce un paso más hacia la complicación y profundización tan barrocas. Sus obras se organizan en torno a los siguientes ejes temáticos

  • Honor/celos: en todos los casos los celos del marido son infundados y causan la muerte de la esposa, que al final se descubre que es inocente. Supone, por tanto, una crítica a la exacerbación del sentimiento del honor.

    • El médico de su honra

    • El pintor de su deshonra

    • A secreto agravio, secreta venganza

  • Mitológicos: de tipo cortesano, tiene una escenografía espectacular, aunque pocas aportaciones literarias.

      • Eco y Narciso

  • Religiosos: cuestiona temas como el libre albedrío o la fe.

    • El esclavo del demonio

  • De capa y espada: de enredo amoroso y con finales felices.

      • Casa de dos puertas mala es de guardar

      • La dama duende

      • El alcalde de Zalamea (poder injusto)

  • Filosóficos: La vida es sueño, esta es una de las comedias más importantes de Calderón. La figura de Segismundo, lleno de impaciencia, resignación, ira o confusión, representa el espíritu humano, con sus contradicciones y su dolor. Apolonio, rey de Polonia, envía a su hijo recién nacido al bosque porque un oráculo le ha profetizado que destronará al padre, poniéndole al pueblo en contra. Cuando comienza la obra, el príncipe Segismundo se ha educado encerrado en una torre, como un perfecto caballero y gobernante, sin conocer la causa de su encierro, pero lleno de bondad y sensatez, por lo que su padre el rey, dudando de su decisión inicial, decide ponerlo a prueba. Le da un bebedizo para que se duerma y lo transporta al palacio. Cuando despierta, todos lo tratan como a un príncipe, y la situación le hace comportarse tiránicamente, creyendo que es un sueño, hasta el punto de asesinar a un criado lanzándole por la ventana. El padre confirma pues, la maldad de su hijo, por lo que lo devuelve a la torre. El pueblo, que ha oído rumores sobre un príncipe heredero, se levanta en armas para sacarlo de su encierro, destronando a su padre. La profecía, por tanto, se cumple, y Segismundo aprende la lección, por lo que modifica su comportamiento, actuando con prudencia y sabiduría. El libre albedrío, la libertad, el amor, el honor y los celos son algunos de los elementos que son cuestionados en esta obra.

  • Autos sacramentales El gran teatro del mundo se produce un paralelismo entre la representación de una obra de teatro y la vida, pues los actores representan al hombre y el papel que le toca vivir, mientras que el director del teatro el Dios. Es, por lo tanto una obra con una finalidad didáctica, pues pretende, como todos los autos sacramentales, explicar los difíciles misterios de la religión católica.

Fragmento: LA VIDA ES SUEÑO - JORNADA III - ESCENA XIX
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