Análisis de las obras Generación del 14: Jacinto Grau, Gómez de la Serna El 27: Alberti, Miguel Hernández






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fecha de publicación16.06.2016
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PANORAMA GENERAL DEL TEATRO ESPAÑOL EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

  1. Contexto histórico social (VER TEMAS 4-5-6)


2. Renovación de las técnicas teatrales occidentales en la primera mitad del siglo XX

a) Panorámica europea

b) Nuevas corrientes

  • El expresionismo

  • El teatro ruso

  • El teatro comprometido




  1. Panorama general del teatro español en la primera mitad del siglo XX


A. EL TEATRO QUE TRIUNFA

a) Benavente.

b) El teatro poético: características

  • Eduardo Marquina
  • Hnos. Machado



c) El teatro popular

  • El género chico

  • Carlos Arniches

  • Hnos. Quintero

    • Pedro Muñoz Seca




  1. TEATRO INNOVADOR

  1. Primeros intentos renovadores: Benito Pérez Galdós y Joaquín Dicenta

  2. Características

  3. El 98: Unamuno.

  • Valle Inclán:

    • Clasificación y evolución de su teatro
    • Análisis de las obras





  1. Generación del 14: Jacinto Grau, Gómez de la Serna



  1. El 27: Alberti, Miguel Hernández


  • Ambiente teatral

  • García Lorca:

    • Influencias
    • Caracteres generales


    • Evolución de su teatro y análisis


4. Después de la Guerra Civil

  • Generación del exilio: Alejandro Casona y Max Aub

  • Teatro conformista.

  • Buero Vallejo


2. Renovación de las técnicas teatrales occidentales en la primera mitad del siglo XX

  1. Panorámica Europea


A partir de los ismos hay una renovación en el teatro. Dramaturgos se interesan por los componentes del hecho teatral. El texto pasa a un segundo plano, se emplean nuevos escenarios, técnicas de iluminación, se muestran acciones distintas en escenarios móviles. Dos grandes grupos:

  • de vanguardia: rompe violentamente con la tradición escénica. Antón Chejov (ruso) “La gaviota”, “Tío Vania”. Henry Ibsen (noruego) “Casa de muñecas” (defiende la fidelidad de la persona para consigo misma). Bernard Shaw (inglés) analiza y critica la sociedad de su tiempo.

  • Tradicional, apenas realiza nuevas aportaciones. Muestra los problemas y esperanzas del hombre de nuestro tiempo y las transformaciones producidas a nivel político, social, religioso, económico y cultural.




  1. Nuevas corrientes

Para Antonin Artaud el drama tiene dos funciones: protestar contra la jerarquía de valores impuestos por la cultura y mostrar la verdadera realidad del alma humana.

El teatro épico: el expresionismo alemán presenta la visión inquietante de una sociedad a la que pretende cambiar creando un hombre nuevo, aparecen las pesadillas y los sueños, escenarios desnudos. Bertolt Brecht, “Madre coraje”, intenta crear obras en las que el espectador no se identifique con los personajes, con el fin de que pueda analizar lo que se le presenta: técnica del distanciamiento.

El teatro ruso: Maiakovsky el teatro debe vulgarizarse y ponerse al alcance de las masas. Stanislavski gran aportación a la actuación: su método se basa en aprovechar las cualidades psicofísicas del actor. “La madre”, de Gorki.

El teatro comprometido de denuncia; el protagonista es un antihéroe que se arrastra hacia la destrucción.


Teatro del absurdo: crítica el ambiente tras Segunda Guerra Mundial. Describe al desvalido hombre instalado en una situación de la que no puede salir. Ionesco, “La cantante calva”, Samuel Beckett, “Esperando a Godot”. Luigi Pirandello (italiano) “Seis personajes en busca de autor”


  1. PANORAMA GENERAL DEL TEATRO ESPAÑOL 1ª MITAD SIGLO XX


Factores que influyen:

-comercial: depende del local privado y el empresario no acepta obras que no gusten al público burgués y aristocrático, que no sean rentables.

- ideológico: crítico, pero dentro de los márgenes del sistema establecido.

-Aspecto estético: resistencia a las nuevas tendencias, (escenografía…), porque el sistema comercial de explotación de salas privadas era incompatible con la experimentación.


  • El teatro que triunfa continuador del XIX. La comedia burguesa de Benavente, el teatro poético, evasivo y en verso. El teatro popular, con carácter costumbrista (cómico y el lírico).

  • El teatro innovador por la forma o la ideología. Algunos noventayochistas y novecentistas y la G- 27, Casona y Aub.

  • Después, la guerra revoluciona e incluso paraliza la producción teatral.




  1. EL TEATRO QUE TRIUNFA




  1. Jacinto Benavente: continuada presencia en la primera mitad (más de 150 obras dramáticas). Nobel en 1922. En su primera fase su teatro es original y simbolista. Su desvinculación con la clase intelectual, su cada vez más servil dependencia del público burgués que costea su teatro y su desconexión absoluta de los movimientos teatrales que se dan en el mundo desde los veinte, aíslan cada vez más su teatro. Tras la guerra civil las nuevas generaciones rechazan ese teatro comercial, conformista y aburguesado, y su teatro comienza a ser olvidado.

Crítica de la sociedad burguesa y aristocrática; frase ingeniosa, ironía. “El nido ajeno” suscitó malestar entre el público por la crítica de costumbres vigentes (adulterio); fracaso que le hizo aprender: conciencia de quién era su público y de qué era lo que pedía.

Satiriza irónicamente las costumbres clases acomodadas (hipocresía, apego al dinero, frivolidad), pero es forma amable. Falta acción dramática, personajes sin relieve. Rompe con la tradición declamatoria. “Los intereses creados” y “La malquerida


  1. El teatro poético

1ª década del siglo XX en verso, antirrealista, reacción al teatro realista-naturalista (de Benavente) relación con modernismo, influencia del drama romántico y el teatro nacional del Siglo de Oro. Rescata los mitos nacionales para suministrar a la conciencia nacional unos arquetipos. CRÍTICA excesiva idealización, retoricismo y la desconexión de la realidad lo convirtien en un teatro brillante, pero vacío.

Géneros principales: drama histórico y el drama rural, en verso.

Explican su éxito la pervivencia de una escuela de actores expertos en el arte de la declamación, que gozaban del fervor popular, y las grandes posibilidades plásticas de su montaje escénico.

  • Eduardo Marquina: iniciador y máximo representante. Obras: “En Flandes se ha puesto el sol”, “Dondiego de noche”, Sea cual sea el tema es un poeta de calidad.

  • Hnos. Machado. Escribieron en colaboración: “La Lola se va a los puertos” (simbolismoe la copla y el cante; éxito popular)




  1. El teatro popular

Relación con entremés del Siglo de Oro y con el cuadro de costumbres romántico. Interés por lo pintoresco, personajes sin caracterizar, ideología conservadora; media hora de representación y un acto dividido en tres cuadros.

El género chico: sainetes en un acto con partes dialogadas alternadas con números musicales, “La verbena de la paloma”. Carácter popular. Dramaturgos importantes, como Valle, reciben su influencia. Evoluciona hacia otras fórmulas comerciales: de obras con intriga, continuidad narrativa y desenlace se pasa a representaciones de números cada vez más cortos (diez minutos) unidos por un leve argumento o sin él. Parodias de óperas y zarzuelas, operetas (“La corte de Faraón”), revistas,…

  • Carlos Arniches: ambiente madrileño, “El puñao de rosas”, “Los guapos”. Mejora el sainete dándole mayor unidad y fuerza, pequeño conflicto dramático, juega con lo cómico y el sentimentalismo. Lenguaje teatral que imita lo popular, inventa palabras y deforma intencionadamente vocablos y expresiones con fines humorísticos. “¡Es mi hombre!” crítica de ambientes y tipos que denuncian vicios nacionales (ignorancia, inmovilismo, hipocresía) representados por el señoritismo, el caciquismo…, frente a virtudes como la honradez, la tolerancia... “Los caciques” se aproxima a la ideología novecentista y regeneracionista. Su pieza maestra es “La señorita de Trevélez”i.

  • Hnos. Álvarez Quintero: Más de 200 obras, concepción del teatro como consumo y a la adopción de fórmulas que les permitían repetirse casi sin variación. Ausencia de conflictos, optimismo, pintoresquismo evitan lo grosero y el chiste fácil.. Sainetes, comedia (“Mariquilla terremoto”) y drama (“Malvaloca).

  • Pedro Muñoz Seca: dudosa calidad literaria, decadencia del gusto y la crisis de la sensibilidad del público. Cultiva el astracán: chiste fácil, disparate y absurdo, a veces alusión a la realidad política y social. Equívoco en el lenguaje y en la acción: lo que importa es reírse. “Los extremeños se tocan”, “La voz de su amo”, “La venganza de Don Mendo”.

  1. TEATRO INNOVADOR


a. Primeros intentos renovadores

  • Galdós: “Electra”, “El abuelo” y “Casandra”, temas como la verdad, la libertad: drama de ideas, trascendencia social para atacar la mentira y la apariencia. Defectos: no rompe con el novelista.

  • Joaquín Dicenta: teatro serio de ideas y comprometido con la reforma social, ambientes proletarios.




  1. Caracterísiticas

La minoría pequeño burguesa buscó la renovación, sin embargo, el rechazo de los circuitos comerciales y el escaso público hizo que la mayor parte de las obras, no se representaran hasta muchos años después hasta la llegada de la República., incluso en una única representación. Durante la tercera década los dramaturgos más importantes son Valle y Lorca. Pero el ambiente teatral español dista mucho de estar a la altura de estos autores y la renovación vanguardista apenas se deja sentir sobre la escena: el movimiento renovador de teatro europeo no tendrá gran repercusión en España: falta un público educado e interesado.

  • Los del 27: buscaban el cambio de criterio del público mediante la formación de las masas populares, como los esfuerzos de Lorca con “La Barraca” y las campañas de orientación dramática organizadas por Martínez Sierra o Margarita Xirgú.

  • Los del 98 Los dramaturgos no hicieron mucho por conseguir el favor del público


Miguel de Unamuno. Cerca de 100 obras, pero sólo 14 terminadas y muchas no fueron estrenadas en vida del autor. Su concepción de la creación literaria: la literatura como medio de investigar en la problemática humana), la consciencia del poder de difusión del teatro (deseaba extender una ideología; por eso luchó por estrenar sus obras). Sentía la renovación teatral como una necesidad: la regeneración del teatro sólo era posible si se producía el entronque con el pueblo. Lo fundamental en sus obras es el texto (el diálogo es esencial) no la escenificación. Le interesa más el contenido que la forma; por eso su obra fracasa en la puesta en escena. Temas filosóficos: la muerte, la personalidad, la soledad, la búsqueda desesperanzada de Dios… se caracteriza por el esquematismo y el carácter abstracto.

Dramas y piezas cómicas: “Fedra” (actualización y cristianización de la obra de Eurípides), “El otro” (desdoblamiento de la personalidad), “El hermano Juan” (la idea de ser y representar o persona y personaje), “La esfinge” y “Soledad” (la posteridad y la paternidad).
RAMÓN Mª DEL VALLE - INCLÁN

Sintió pasión por el teatro desde fechas tempranas, quiso ser actor y le atrajo la dirección escénica. Su originalidad es rotundamente contrapuesta al teatro comercial de la época y predecesora de las más modernas corrientes. Hay que comprenderlo a través del momento sociopolítico de España: la Restauración, el caciquismo, el desastre del 98… Va a enfrentarse a esa sociedad por medio del esperpento, dándonos una visión crítica de España. Debido a ese enfrentamiento su teatro no triunfa en un principio, pero visto con perspectiva es uno de los más valorados del siglo XX.

Concibe el teatro como espectáculo total, como arte plástico. No tiene en cuenta las posibilidades de escenificación, de ahí las dificultades para su representación. La música, la pintura y la arquitectura le prestan recursos, reflejados en el color, las luces y sombras… Voluntad de renovación formal y temática. Inventa una nueva concepción de lo dramático y con ella se adelanta al teatro de vanguardia, al épico o al del absurdo.
Clasificación y evolución de su teatro

1. Obras varias: “El marqués de Bradomín”, “Cuento de abril”, “Voces de gesta”, etc.

2. Ciclo mítico: “Divinas palabras” (1920), “Comedias bárbaras” (“Cara de plata”, 1922, “Águila de blasón”, 1907, y “Romance de lobos”, 1908), etc.

3. Ciclo de la farsa: “La marquesa Rosalinda” y “Tablado de marionetas para educación de príncipes” (“Farsa italiana de la enamorada del rey”, “Farsa y licencia de la reina castiza”…)

4. Ciclo esperpéntico: “Luces de bohemia” (1920), “Martes de carnaval” (“Los cuernos de don Friolera”, “Las galas del difunto” y “La hija del capitán”) y “Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte” (“La cabeza del bautista”, “La rosa de papel”…).


Empezó intentando separarse del teatro realista, para abrir caminos en varias direcciones hasta desembocar en el esperpento. Pasa por un proceso de transformación temática y formal, no hay fronteras cronológicas rotundas: más que radicales diferencias entre dos etapas hay elementos permanentes que se incrementan en momentos diferentes.

Año clave en su evolución es 1920, fecha en la que coinciden las últimas farsas y mitificaciones con el primer esperpento, “Luces de bohemia”. Con el esperpento entran en juego un espacio y una época distintos, la España de principios del XX, presentada ahora a través de la desmitificación.

Dos líneas principales son el mito y la farsa. La primera mitifica a Galicia; la segunda transfigura los siglos XVIII y XIX utilizando los materiales que la tierra y la gente de Galicia le suministran para conseguir un mundo crítico y ridículo de muñecos. En ese mundo se muestran lo irracional y lo animal, el sexo y la muerte.

Ciclo mítico

Las “Comedias Bárbaras” son la primera gran realización dramática de Valle. Forman una sola acción dramática. Comienza por “Cara de plata”, sigue en “Águila de blasón” y finaliza con “Romance de lobos”. La que encabeza la serie fue escrita después que las otras dos. Las tres constituyen un drama del que cada obra es un acto.

Son la crónica de la desaparición de una sociedad arcaica, medieval, vigente aún en Galicia en el XIX. Valle decía irónicamente que en este mundo lo mejor eran los hidalgos, lo desaparecido. No se trata de una evocación nostálgica, sentimental, sino de la recreación de aquel mundo violento y primitivo, capaz de suscitar en su desmoronamiento emoción estética. Presenta la degradación del linaje de los Montenegro: Don Juan Manuel es la encarnación de ese primitivismo, depravado, pero a la vez majestuoso; sus hijos son la degeneración decimonónica de la casta. El final de esta familia es presentado por el autor como si sobre ella se desatasen todos los males de la naturaleza.

Técnicamente suponen una ruptura con las formas tradicionales. El espacio de la acción es múltiple, es el escenario el que crea la acción dramática, las acotaciones alcanzan gran importancia.

El tema mítico gallego también está presente en “Divinas palabras”. Aquí los instintos primarios (sexo, avaricia) son trasladados a personajes populares (ladrones, rameras, celestinas). Es la visión de una realidad nada majestuosa, cruel, dominada por el fatalismo absurdo.

Ciclo del teatro modernista y la farsa

Lo grotesco se presenta unido a lo poético, estilizado e incluso cursi. La orientación modernista de su teatro está representada por tres piezas en verso: “Cuento de abril”, “Voces de gesta” y “La marquesa Rosalinda”. Evoca escenarios exóticos, de predilección modernista. Estas obras nos muestran un Valle en transición: visión irónica y preesperpéntica de España, tratamiento burlesco, presencia de títeres. Continúan en las farsas de “Tablado de marionetas”: se agudiza la sátira y se hace crítica de la sociedad española. Anuncian ya el esperpento.

Ciclo esperpéntico

A cuatro obras dio el autor el nombre de esperpento: “Luces de bohemia” y las tres que configuran “Martes de carnaval”. El esperpento es una estética que recorre toda la obra de Valle, pero sus procedimientos se intensifican hacia 1920. Son varios los textos en los que el autor expone su teoría del esperpento (recordemos el diálogo entre Max Estrella y Don Latino en la escena XII de “Luces de bohemia”). Palabras de Valle puestas en boca de uno de sus personajes: “Mi estética es una superación del dolor y de la risa”. Max Estrella, el poeta ciego de “Luces…”, afirma que el esperpento es la tragedia española, España se ha convertido en una deformación grotesca de la sociedad europea, los héroes clásicos han ido a pasearse al callejón del Gato (calle madrileña donde había unos espejos deformantes). Con esta frase expresa el autor que los personajes del esperpento son personajes deformados. Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el esperpento. Con esta estética Valle pretende poner de relieve la inmoralidad de la sociedad española de la época.

Decía el autor que hay tres formas de ver artísticamente el mundo:

  • De rodillas: los personajes son héroes (Homero).

  • De pie: los personajes son seres humanos (Shakespeare).

  • En el aire: el autor mira el mundo desde un plano superior (Quevedo). Esta manera fue la que movió a Valle a crear esperpentos.

Era consciente de haber creado una forma literaria distinta. Muchos críticos opinan que más que un género el esperpento es una técnica: estilización y deformación de la realidad. Su germen estaba ya en las acotaciones de las “Comedias bárbaras”.

Los antecedentes del esperpento están en Gil Vicente, Torres Naharro, Quevedo, Goya, el Expresionismo, el Dadaísmo, Kafka y la literatura coetánea de sainetes y zarzuelas.

El esperpento es una visión del mundo desmitificadora (la de Valle) desde una circunstancia histórica concreta y desde una ideología y una postura crítica, es un modo de ver dramáticamente a España.
Rasgos de este estilo

  • Lo grotesco como forma de expresión, en el tratamiento de personajes y en el lenguaje. Los primeros se convierten en máscaras, fantoches, títeres. En cuanto al lenguaje, emplean la jerga de la calle, jergas literarias…

  • Deformación sistemática de la realidad: exagera los rasgos del contexto social para subrayar las contradicciones entre el comportamiento social y su escala de valores.

  • Burla y caricatura junto a algo más profundo, crítica, sátira y lección moral.

  • Recursos: mezcla de cómico y trágico, uso de expresiones cultas y populares (contraste entre las acotaciones y el diálogo), presencia de la muerte como personaje fundamental, muñequización de personajes.

“Luces de bohemia”: paseo por el Madrid de 1920, por cuyos laberintos nos conduce Max Estrella. La acción transcurre en una sola noche. Hace sátira política y social de la vida española a través de la visión de un Madrid bohemio y nocturno.

“Martes de carnaval”: critica el militarismo. En “Los cuernos de Don Friolera” satiriza el honor calderoniano encarnado en Friolera. En “Las galas del difunto” se acerca al tema del donjuán. “La hija del capitán” ataca los levantamientos militares.

“Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte”: aquí aparecen los temas míticos, los personajes de la farsa y el enfoque esperpéntico; por ello, son la culminación de todo su teatro.

Valoración: la variedad, atrevimiento y calidad de sus obras dramáticas lo convierten en uno de los más importantes dramaturgos de su tiempo y del teatro universal contemporáneo. Empleó la técnica de la distanciación y se burló de la compartimentación preceptiva de los géneros.


  1. Generación del 14

Jacinto Grau: Parte del desacuerdo con la situación del teatro español comercializado y trata de construir un teatro poético; es un teatro minoritario y poco representado.

Sus tragedias no conectaron con el público; teatro político-social “El señor de Pigmalión”, “El burlador que no se burla”.

Ramón Gómez de la Serna importante por su significado como renovador pero no el valor de su obra, que en general no fue representada, “Los medios seres” (los personajes son seres incompletos en busca de plenitud).


  1. Generacion del 27


Ambiente teatral

El teatro comercial a finales de los veinte y durante el período de la Segunda República no se diferencia del de décadas anteriores y Lorca denuncia sus limitaciones. La compañía de la actriz Margarita Xirgu dirigida por Cipriano Rivas Cherif, arrienda (1930-1935) el Teatro Español de Madrid, donde representó obras de Lorca, que hizo que fuera el autor más representativo de la 2ª República. Esta propicia el acercamiento de la cultura a la España rural. Con este fin se crearon las Misiones Pedagógicas; constituidas por universitarios, promovieron por los pueblos campañas de alfabetización, organizando bibliotecas, pronunciando conferencias y llevando a cabo representaciones teatrales. De los medios universitarios surgieron también otros grupos teatrales con esa misma intención de acercamiento al pueblo.
FEDERICO GARCÍA LORCA

Aspectos generales

Lorca empezó a interesarse por el teatro en los primeros años de la República. “La Barraca” hacía giras por toda España con un fin educativo: dar a conocer las obras de teatro más importantes. Expuso sus ideas acerca del teatro: su carácter poético, la importancia de la tragedia, el teatro como canal principal de comunicación, su repercusión social, la necesidad de hacer un teatro claro y directo, el teatro como instrumento para edificar al país. Lorca quiere reformar el teatro español, más que la sociedad. Quiere transformar la vida en literatura: para “Bodas de sangre” se inspira en un reportaje de un periódico, para “La casa de Bernarda Alba” toma como modelo a una familia que conocía. Es un arte no comprometido pero sí didáctico porque expone los problemas de la gente de España.
Influencias tres principales:

1. El teatro modernista: utilización del verso, distribución de la materia dramática en estampas, preferencia por el mundo rural como escenario de sus tragedias.

2. El teatro clásico español (Lope, Calderón, Tirso, los autos sacramentales): el teatro como espectáculo total, fusión de música, danza…

3. El teatro de títeres.
Características

1. Temática: el amor imposible, el amor frustrado, el conflicto entre la realidad y el deseo, el enfrentamiento entre autoritarismo y libertad. El deseo de realización personal de sus heroínas se muestra siempre bajo el aspecto amoroso y su libertad está condicionada por causas sociales. El hilo conductor es la frustración.

2. Personajes: funcionan como arquetipos (la novia, el novio, la madre). Personajes alegóricos: la muerte y la luna en “Bodas…”, las máscaras populares en “Yerma”. Prefiere protagonistas femeninas porque con ellas puede expresar mejor la insatisfacción humana, pues la mujer está marginada por la sociedad patriarcal y machista. Si se sale de sus funciones de novia, esposa o madre, se la desprecia; por esto sus mujeres son rebeldes, aunque de forma ineficaz y autodestructiva.

3. La acción: a veces da cabida a fuerzas telúricas que la condicionan.

4. El lenguaje: es poético, por ello no se pueden leer sus obras de modo literal; hay connotaciones simbólicas en las palabras (luna, caballo, cuchillo); lo mismo ocurre con los nombres propios (Yerma). Evita reflejar el habla de sus personajes. El verso es componente básico (dos primeras obras están en verso “El maleficio de la mariposa” y “Mariana Pineda”). La última, en prosa (“Bernarda…”). El resto alternan la prosa y el verso. También su prosa es poética. En las escenas cumbres de sus tragedias el lirismo corre el riesgo de convertirse en retórica porque no encaja con la sobriedad verbal del momento; por esto desnudó paulatinamente su lenguaje.
Evolución de su teatro y análisis

Una palabra define su evolución: experimentación.

Primeras obras: están emparentadas con el teatro modernista y ya hay en ellas un intento de renovación. La primera es “El maleficio…” (1919), influida por J. R. Jiménez. Ya están presentes personajes posteriores, como el coro de vecinos.

Mariana Pineda” trata de esta heroína granadina ajusticiada por bordar una bandera liberal, símbolo del amor y la libertad. Es una obra lírica.

Las farsas: revalorización del teatro de marionetas. “Retablillo de Don Cristóbal” (tema: matrimonio entre un viejo y una niña), “La zapatera prodigiosa” y “Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín” (ambas condenan la figura que encarna la autoridad). “La zapatera…” presenta el conflicto entre fantasía y realidad y la imposibilidad de la libertad; tiene final feliz. “Amor…” trata el tema de la desigualdad de edad en el matrimonio; su final es trágico.
Experimentos surrealistas: Constituyen una ruptura con la obra anterior y posterior “Así que pasen cinco años”, presenta personajes espectrales que no responden a ningún nombre propio. El tema es el paso del tiempo. “El público” son fragmentos sin conexión, es una incursión en el subconsciente. Desarrolla un doble problema: el individual del amor homosexual y el social del teatro convencional, que debe ser destruido. “Comedia sin título”, está inacabada por la muerte del autor. Emplea el recurso del teatro dentro del teatro (metetateatro)
Las tragedias

Bodas de sangre”, “Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores” fueron concebidas como parte de una trilogía cuya última obra no nos ha llegado. El tema central es la marginación social de la mujer. El espacio y el tiempo están desdibujados. Con “Bodas…” inicia un tipo de drama popular trágico, mezcla de realismo y poesía: la tragedia del amor imposible por causa de la estructura social, que los personajes tratan de romper. La anécdota procede de un hecho ocurrido en el campo de Almería. La obra muestra la fuerza del sexo. Mezcla verso y prosa. “Doña Rosita…” presenta la vida de una doncella que se va convirtiendo en una solterona. Pero va más allá del drama individual: es la crónica del derrumbe de una clase social que muere por instinto de conservación (no se puede mantener una forma de vida sin dinero).

Yerma” es la tragedia de la mujer estéril; la idea de la esterilidad se convierte en obsesión, que llevará a la protagonista a asesinar a su marido, y con él desaparece la posibilidad de ser madre. Esta obra no tiene acción, lo que hace es presentar un carácter que va desde la esperanza de concebir a la desesperación final. En medio no sucede nada, sólo la angustia de la protagonista.

La casa de Bernarda Alba”, escrita en 1936, poco antes de ser asesinado, también muestra la fuerza del sexo. Es más sencilla en el lenguaje e incluye menos versos. Posee recursos muy teatrales: el negro de los trajes sobre el blanco de las paredes encaladas; la abuela, que apartada de todos, realza con sus palabras la prisión que es la casa de Bernarda; las coces del garañón contra el muro, símbolo de su deseo de libertad, espacio y sexo; la presencia continua y fantasmal de Pepe el Romano. Se enfrenta el autoritarismo de una madre con el deseo de libertad de las hijas y los convencionalismos sociales (luto) con la fuerza del instinto sexual. Éste es más fuerte que la autoridad y que el miedo que ésta infunde. La escapatoria significa la muerte.
RAFAEL ALBERTI. Pensaba que el teatro español necesitaba una reforma urgente. En el exilio escribe teatro comprometido. Obras: “El hombre deshabitado” (reflejo de su sensación de vacío interior a finales de los veinte), “Fermín Galán” (su concepción del teatro como lucha para la concienciación política), “El adefesio” (historia de un amor frustrado), “Noche de guerra en el Museo del Prado”, etc. Su labor innovadora ha sido poco valorada.
MIGUEL HERNÁNDEZ También intenta renovar. Su filiación política le lleva a un teatro social: “Los hijos de la piedra”, “El labrador de más aire”, expresan el antagonismo entre el propietario y el obrero. También escribe obras de matiz político, piezas cortas y el auto sacramental “Quién te ha visto y quién te ve y la sombra de lo que eras”.

4. DESPUÉS DE LA GUERRA CIVIL
Generación del exilio

La situación de la escena española en el 39 no era muy boyante: habían desaparecido Valle y Lorca, y el exilio no mejoró las cosas ya que tuvieron problemas para estrenar.

Alejandro Casona. Dirige grupos teatrales con la intención de divulgar el teatro clásico; es adaptador y director de obras clásicas. Aciertos de su teatro son la ambientación y la mezcla de fantasía e intriga. Puntos débiles en su estética las fórmulas invariables y la huida de la realidad. “La sirena varada”, “Nuestra Natacha”, “La barca sin pescador”, “Los árboles mueren de pie”, “Prohibido suicidarse en primavera”. Ya en España publica “El caballero de las Escuelas de Oro”, sobre Quevedo. Su mejor obra es “La dama del alba”, ambientada en Asturias.

Max Aub. Experimenta constantemente la vanguardia (de minorías, tiende a lo discursivo en detrimento de la tensión y analiza aspectos existenciales del hombre), pasos (de baja calidad), teatro de testimonio (solidaridad con los exiliados y víctimas de la guerra, temas: la guerra civil y la Segunda guerra mundial), piezas breves…
Teatro conformista

Por los mismos años comienzan su trayectoria otros autores cuya obra adquirirá perfiles nítidos tras la guerra civil: José María Pemán, Ignacio Luca de Tena, Enrique Jardiel Poncela, etc.

Este último intenta romper con las fórmulas tradicionales de lo cómico; intenta el camino de lo inverosímil, de lo absurdo, su humor es intelectual, sus personajes excéntricos. Obras: “Usted tiene ojos de mujer fatal”, “Cuatro corazones con freno y marcha atrás”, “Un marido de ida y vuelta”, “Los ladrones somos gente honrada”, “Eloísa está debajo de un almendro”
El teatro realista de denuncia social

Buero Vallejo y Alfonso Sastre son los dos autores más importantes de posguerra y, por supuesto, del realismo social.

Durante los años cincuenta se desarrolla en España un tipo de teatro que trata de reflejar la realidad social tal y como esta se presenta cotidianamente, con una clara finalidad de denuncia. Se convierte en el altavoz de las clases humildes y en el defensor de la dignidad vital. Evidentemente, este tipo de teatro se las ve frecuentemente con la censura, ya que el régimen de Franco no tolera las críticas. Además, el público conservador, habituado al teatro amable de autores como Jardiel Poncela, Mihura o Pemán, no admite novedades, con lo que el teatro realista de denuncia social se desarrolla en clara inferioridad frente al teatro comercial de carácter cómico.

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