La influencia del arte moderno






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fecha de publicación07.01.2016
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LA INFLUENCIA DEL ARTE MODERNO

Las primeras dos décadas del siglo XX fueron una época de cambios que alteraron aspectos que tienen que ver con el comportamiento humano, el carácter de la vida social, política, cultural y económico.

Las áreas subdesarrolladas del mundo comenzaron a despertar y a exigir su independencia. Por esto, las artes visuales también comenzaron a vivir una serie de revoluciones creativas, sistemas de organización y funciones dentro de la nueva sociedad que requeria de nuevas formas de comunicación.

Ideas elementales de color y forma, protesta social, teorías psicoanalíticas de estados emocionales se apoderaron de muchos artistas. Mientras algunos de estos movimientos tuvieron una escasa influencia en el diseño gráfico, como paso con el fauvismo y el expresionismo alemán, otros como el cubismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo; la escuela de De Stijl, el suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje gráfico y la comunicación visual de este siglo.

La evolución del diseño tipográfico del siglo XX está íntimamente relacionada con la pintura, la poesía y la arquitectura moderna.

CUBISMO

El cubismo inició una nueva tradición artística con un enfoque distinto, al crear un concepto de diseño independiente de la naturaleza que terminó con 400 años de influencia renacentista en el arte.

El origen de este movimiento es Les Demoiselles d`Avignon del año 1907, del artista español Pablo Picasso. Con base en las estilizaciones geométricas de la escultura africana y del pintor posimpresionista Paúl Cèzanne, quien hizo notar que el artista debía tratar la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono esta pintura constituyo una nueva propuesta en el manejo del espacio y la expresión de las emociones humanas. Las figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen las normas clásicas de la figura humana. Las ilusiones espaciales y la perspectiva dan lugar a planos bidimensionales.

Hacia 1910, Picasso y su íntimo colaborador, Georges Braque desarrollaron el cubismo como un movimiento artístico que sustituía la apariencia figurativa con posibilidades infinitas de formas inventadas.

Posteriormente se le da el nombre de cubismo analítico al trabajo de estos dos artistas, quienes analizaron el tema desde diferentes puntos de vista y utilizaron estas percepciones dadas por los planos para elaborar una pintura compuesta por estas figuras geométricas de manera rítmica.

En el año 1912. Picasso y Braque introdujeron elementos del collage de papel en su trabajo. El collage les daba libertad de composición, independientemente del tema y declaraban la realidad de la pintura como un objeto bidimensional.

En el año 1913, el cubismo evolucionó hacia lo que ha recibido el nombre de cubismo sintético. Se representaba la esencia de un objeto y sus características básicas, más que su apariencia exterior.

Juan Gris fue uno de los principales artistas del cubismo sintético. Sus pinturas, combinaban la composición de lo natural con un diseño estructural independiente del espacio pictórico. Primero, trazaba una estructura usando las proporciones áureas y una retícula de composición modular y finalmente elaboraba la pieza sobre este esquema de diseño influenciando la evolución del arte y diseño geométrico.

Fernand Lèger; apartó al cubismo de los impulsos iniciales y tomó más en serio la famosa sentencia de Cèzanne acerca del cilindro, la esfera y el cono. Pudo haber evolucionado hacia un arte de color puro y relaciones de forma, pero sus cuatro años de servicio militar entre ciudadanos franceses de la clase trabajadora y la intensa percepción visual que desarrolló durante la guerra lo hicieron volver los ojos hacia un estilo más sencillo y popular.

FUTURISMO

Filippo Marinetti un poeta italiano fundó el futurismo como un movimiento revolucionario en todas las artes para poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial. Proclamaba la pasión por la guerra, la era de las máquinas, la velocidad y la vida moderna, e iba en contra de los museos, las librerías, el moralismo y el feminismo.

Liberados de la tradición, animaron sus páginas con una composición dinámica, no lineal, realizada por medio de palabras y letras pegadas en lugar de la reproducción fotográfica.

Los pintores futuristas estuvieron fuertemente influenciados por el cubismo, pero se aventuraron a expresar el movimiento, la energía y la secuencia cinemática. Fueron los primeros en emplear la palabra simultaneidad en el contexto del arte visual para representar las diferentes perspectivas en una misma obra de arte.

En el siglo XIX, el poeta alemán Arno Holz amplió los efectos de esta forma, por medio de trucos como la omisión de las mayúsculas y de signos de puntuación, variaciones en el espaciado para referirse a pausas y el empleo de más de un signo de puntuación para dar énfasis. En el libro de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, se utilizaron tipos de tamaños descendentes para construir una forma parecida a la cola de un ratón, como parte del cuento que narraba una historia acerca de él.

Guillaume Apollinaire también poeta francés, contribuyo al diseño gráfico, de manera única, al publicar en 1918 su libro titulo Caligramas, poemas en los cuales las letras están dispuestas para formar un diseño, una figura o una pictografía visual.

EL DADAISMO

El movimiento del dadaísmo se desarrolló como un movimiento al reaccionar contra un mundo que se había vuelto loco, el dadaísmo rechazando toda tradición, buscó la libertad total. Los dadaístas ni siquiera estaban de acuerdo en sus orígenes con el nombre de dadá, así se veía la anarquía de este movimiento. Se dice que el movimiento recibió su nombre por azar, al abrir un diccionario francés y apuntar rápidamente a una palabra, “dada”, el balbuceo de un bebé. Estos escritores y artistas estaban interesados en el escándalo, la protesta y lo absurdo.

Su rechazo hacia el arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual que traía el futurismo. El dadaísmo mantuvo el concepto del cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas.

El pintor Marcel Duchamp se unió al movimiento dadaísta y se convirtió en su artista visual más prominente.

Para Duchamp, tanto el arte como la vida eran procesos de azar y de elección voluntaria. El dadaísmo se propagó rápidamente desde Zurich hacia otras ciudades europeas.

A pesar de estar criticados por pensar que ellos no estaban creando arte, sino burlándose y difamando de la sociedad que se había vuelto loca, varios dadaístas produjeron un arte visual significativo que fue un aporte significativo para el diseño. Los artistas dadaístas afirmaban haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes fotográficas.

Heartfield Wieland Herzfelde poeta, crítico e impresor del periódico Neue Jugend; puso en marcha la casa Malik Verlag, una editorial importante de la vanguardia dadaísta donde se publicaba propaganda política de izquierda y literatura de avanzada.

El pintor y artista gráfico George Grosz, otro fundador dadaísta berlinés, atacaba a la sociedad corrupta con la sátira y la caricatura. Abogó por una sociedad sin clases y sus dibujos proyectaban una fuerza colérica de convicciones políticas profundas en lo que él consideraba como un medio decadente, degenerado.

El dadaísmo fue el movimiento liberador más importante de su tiempo, y todavía en la actualidad es posible observar su influencia. El dadaísmo nació como una protesta contra la guerra.

Finalmente, el dadaísmo, llevó sus actividades negativas hasta el límite, carecía de un liderazgo unificado y muchos de sus miembros comenzaron a desarrollar los planteamientos que darían origen al surrealismo; el dadaísmo decayó y dejó de existir como un movimiento coherente a finales del año 1922.

EL SURREALISMO

El surrealismo irrumpió en París en el año 1924, buscando el mundo de la intuición, los sueños y el reino de lo inconsciente, explorado por Freud.

El surrealismo no era un estilo o un tema estético más bien, constituía una manera de pensar y de conocer, una forma de sentir y un estilo de vida. Fue por medio de los pintores como el surrealismo afectó a la sociedad y a la comunicación visual. Aunque los surrealistas a menudo creaban imágenes tan personales que la comunicación se volvía imposible, también produjo imágenes que una respuesta inmediata en la sociedad.

Giorgio de Chirico, primer pintor surrealista; pintó obsesivamente vistas vacías de los palacios del Renacimiento italiano y cuadros melancólicos. Edificios vacíos, sombras crueles, una perspectiva en declive profundo e imágenes enigmáticas se combinaban para comunicar sentimientos más allá de la experiencia ordinaria.

Max Ernest, un inquieto dadaísta alemán que se unió al surrealismo, innovó varias técnicas adoptadas por la comunicación gráfica. Su método de frottage incluía la utilización de frotados para componer directamente sobre el papel.

Los pintores surrealistas fueron llamados naturalistas de lo imaginario. Espacio, color, perspectiva y figuras están representados en un naturalismo cuidadoso, pero la imagen es un escape en un sueño irreal. El surrealista belga René Magritte empleó cambios de escala alternados, manteniendo una relación entre la realidad y la ilusión, la objetividad y la ficción.

El pintor español Salvador Dalí influyó de dos formas en el diseño gráfico en el que sus penetrantes perspectivas han inspirado intentos de llevar la profundidad a las páginas impresas planas; y su enfoque realista ha sido utilizado para introducir este efecto a los carteles y portadas de libros.

Para finalizar la fotografía fue inventada como un medio para documentar la realidad con mayor exactitud que la pintura; a principios de siglo, la pintura impulsó a la fotografía en el nuevo reino de la abstracción y del diseño.

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