Tema 10 Vanguardismo y Generación del 27






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fecha de publicación31.08.2015
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Tema 10 Vanguardismo y Generación del 27
2. La Generación del 27
Si algún grupo de autores merece el nombre de generación, es este, si bien cada uno de ellos posee características propias. Está formado, entre otros, por Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Luis Cernuda, Rafael Alberti, Emilio Prados y Manuel Altolaguirre.


El grupo del 27 como Generación

  • Nacen entre 1891 (Salinas) y 1905 (Altolaguirre).

  • Formación intelectual semejante. La mayoría son universitarios, algunas llegan a ser profesores. Casi todos pasaron por la Residencia de Estudiantes, centro educativo heredero de la Institución Libre de Enseñanza.

  • Acontecimiento generacional que les une: la celebración del tricentenario de la muerte del poeta cordobés Luis de Góngora en 1927. Se oponen a los que no reconocían el talento de Góngora. Celebran un homenaje en el Ateneo de Sevilla, invitados por el poeta y torero Ignacio Sánchez Mejías. Colaboran en las mismas publicaciones: Revista de Occidente, Litoral y Mediodía. De 1920 a 1936 sus vidas están muy unidas.

  • No hubo líder. Algunos hablan de Juan Ramón Jiménez, pero no parece claro, pese a su gran influencia.

  • No se alzan contra la generación anterior. Son, de hecho, muy respetuosos con la tradición literaria española.

  • No existe un estilo único y en todos hay un deseo de renovar el lenguaje poético. A veces coinciden en su trayectoria, si bien cada uno mantiene un estilo muy personal.



2.1 Afinidades estéticas
Los autores del 27 se caracterizan por la búsqueda del equilibrio y de la armonía entre diversas tendencias:


  • Equilibrio entre los sentimientos y la razón. La poesía pura tiene un toque más humano en los poetas del 27. Por otra parte, la lírica rehumanizada no desatiende los postulados del intelecto.




  • La poesía se concibe como producto del ingenio y del trabajo. Lorca afirmaba que si era poeta por la gracia de Dios (o del demonio) no lo era menos por la gracia de la técnica y del esfuerzo.




  • Proponen un arte válido tanto para las minorías como para las mayorías. Por ello aúnan lo culto, lo vanguardista y lo popular. Alternan el hermetismo y la claridad, lo español y lo universal, lo culto y lo popular. El poeta canta por todos, dirá Aleixandre.



  • Rescatan lo mejor de todas las generaciones precedentes: se sienten atraídos por la experimentación vanguardista (Lorca, Alberti, Aleixandre y Cernuda poseen libros surrealistas; Gerardo Diego, creacionistas). Se declaran herederos de la generación anterior (admiran a Juan Ramón, Gómez de la Serna, Unamuno, los Machado, Rubén Darío…), así como de la poesía simbolista de Bécquer (Alberti escribe un poema titulado «Homenaje a Bécquer» y Cernuda se inspira en él para su libro Donde habite el olvido). Sienten gran pasión por los clásicos: Manrique, Garcilaso, San Juan, Fray Luis, Quevedo, Lope de Vega y, sobre todo, Góngora.



2.2 Tendencias poéticas de la generación del 27
A modo de resumen, recordamos las principales tendencias poéticas que se cultivan dentro del 27. Señalamos, asimismo, las obras más representativas de cada línea. Con todo, conviene recordar que hay libros que acogen poemas de diversas líneas.


Poesía Neopopular

  • Algunos autores componen cancioneros y romanceros inspirados en la poesía popular de la Edad Media o de Lope de Vega, pero armonizando los ritmos y temas tradicionales con las imágenes más atrevidas y modernas.

  • Ambientación natural, próxima a las experiencias del poeta.

  • Tendencia a la brevedad y a la concentración expresiva

  • Selección de estrofas de la tradición popular: romances, canciones…

  • Importancia del ritmo como recurso expresivo y dramático: repeticiones constantes, estructuras encadenadas, etc.

  • Consideración del poema como un modo de expresión de un sentimiento personal.

  • Propensión a la espontaneidad y con frecuencia al tono coloquial.

  • Obras más representativas: Marinero en tierra de Alberti; Romancero gitano de García Lorca; Romancero de la novia de Gerardo Diego.




Poesía surrealista

  • Consideración de la imagen (surrealista) como un modo de trascender los convencionalismos humanos y poder acceder a una realidad superior.

  • El sueño es el elemento fundamental para explorar las interioridades humanas.

  • Gusto por el empleo de estructuras irracionales e ilógicas, sustentadas en correspondencias insólitas.

  • Necesidad del lector de interpretar el poema desde la sugerencia y la asociación de ideas.

  • El paisaje natural representa como un trasunto ilógico del mundo interior del poeta.

  • Las palabras poseen un elevado valor simbólico.

  • Tendencia a la creación de poemas largos, en verso libre o en versículos.

  • Obras más representativas: Poeta en Nueva York, de García Lorca; Sobre los ángeles, de Alberti; Sombra del paraíso, de Vicente Aleixandre; Los placeres prohibidos, de Cernuda.




Poesía neorromántica

  • El amor es el tema fundamental a lo largo del poema.

  • El poema es la expresión subjetiva de la experiencia amorosa del poeta.

  • La persona amada es presentada de un modo idealizado.

  • La unión amorosa suele ser el eje central de este tipo de poemas.

  • El tema del amor y la muerte está presente en numerosos poemas.

  • Formalmente los poemas suelen aparecer dispuesto a modo de cancionero.

  • Distanciamiento de la realidad. El poeta se centra en la relación amorosa.

  • El lenguaje tiende a una artificiosidad conceptista y barroquista.

  • Obras más representativas: La voz a ti debida, de Salinas; Sonetos del amor oscuro, de García Lorca.




Poesía social

  • Es una poesía que se centra en lo próximo y cotidiano.

  • Frente a la visión del poeta como un ser individual, hallamos al escritor en un contexto sociopolítico concreto.

  • Visión utilitarista de la poesía. Su función es la de eliminar las desigualdades e injusticias del hombre.

  • Observación de los aspectos más concretos de la realidad.

  • Selección de temas cercanos al hombre: injusticias, paro, lucha de clases…

  • Frecuente tono beligerante del poeta ante la realidad. El poema es una queja ante lo que le desagrada.

  • El lenguaje suele ser sencillo y claro.

  • El poeta utiliza elementos dirigidos al lector y que incitan a la lucha: preguntas, imperativos, apóstrofes…

  • Métricamente se suelen utilizar tanto estrofas populares como el verso libre.

  • Obras más representativas: Hijos de la ira de Dámaso Alonso; Coplas de Juan Panadero, de Alberti.




Poesía vanguardista

  • La imagen se convierte en un elemento fundamental.

  • Se eliminan los elementos anecdóticos en beneficio de las percepciones fragmentarias de la realidad.

  • Se huye de la visión subjetiva de la realidad propia del Romanticismo precedente.

  • Constante indagación del yo del poeta a partir de distintas perspectivas (irracionales, oníricas, ilógicas).

  • La poesía se constituye en un arte experimental: ausencia de rimas, juegos tipográficos (poema visual), eliminación de la puntuación, ausencia de elementos sintácticos, tendencia al humorismo como forma de ruptura con la realidad…

  • Gusto por imágenes y metáforas alusivas a elementos tecnológicos que denotan modernidad.

  • Obras más representativas: Imagen de Gerardo Diego; Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos, de Alberti.




Poesía pura

  • Se centra en los aspectos más esenciales de la realidad. Para ello, se insiste en el sentido trascendente de las cosas.

  • Eliminación de lo sentimental o anecdótico.

  • Visión del poema como un ente cerrado y autosuficiente.

  • Gusto por la expresión exacta y desnuda, lejos del retoricismo formal.

  • Sintaxis simple con constantes yuxtaposiciones y eliminación de verbos (estilo nominal).

  • Se recurre a la exclamación e interrogación como modo de incidir en los aspectos trascendentes de la realidad.

  • Métricamente se tiende a estrofas de medida exacta y verso de arte menor.

  • Obra más representativa: Cantico de Jorge Guillén.


2.3 Etapas en su evolución
En líneas generales, se pueden señalar tres grandes etapas:


  • Hasta 1927. Caracterizada por la influencia de Bécquer, del Modernismo y de las vanguardias, especialmente del Ultraísmo (por la forma de integrar elementos distantes o por el ennoblecimiento del humor) y del Cubismo (del que toman el rechazo de la anécdota y de lo sentimental). A la vez, y por influjo de Paul Valéry y de Juan Ramón Jiménez, se orientan hacia la deshumanización propia de la poesía pura, concepto que quedó definido por el propio Jorge Guillén: Poesía pura es todo lo que permanece en el poema después de haber eliminado de él todo lo que no es poesía. El poema, por medio de la metáfora, se desprende de lo anecdótico, de toda emoción que no sea puramente artística.

Lo humano también les influye, sobre todo a través de la lírica neopopular (Rafael Alberti, Federico García Lorca, Gerardo Diego). La sed de perfección formal los lleva, por otra parte, al clasicismo, sobre todo de 1925 a 1927; incluso podemos hablar de una fase gongorina.


  • De 1927 a la Guerra Civil. Comienza a notarse cierto cansancio del formalismo deshumanizado anterior. Así, se inicia un proceso de rehumanización. Se componen las primeras obras surrealistas y se cultivan nuevos temas más humanos: el amor, el deseo de plenitud, las frustraciones, las inquietudes sociales o existenciales… Algunos poetas, debido a las reocupaciones sociales, se interesan por la política (a favor de la República, fundamentalmente). Nace por entonces la revista Caballo verde para la poesía, de Pablo Neruda (1935), donde aparece «Manifiesto por una poesía sin pureza».




  • Después de la guerra. Tras la Guerra Civil, el grupo poético se deshace. Federico García Lorca es fusilado en 1936. El resto se dispersa:



  • Se exilian Luis Cernuda, Rafael Alberti, Pedro Salinas y Jorge Guillén. En su producción aparecerá de forma reiterativa el tema de la patria perdida.




  • En España quedan sólo Gerardo Diego, Dámaso Alonso y Vicente Aleixandre, que escriben una poesía angustiada y existencial.


2.4 Autores destacados
Federico García Lorca
Poesía
Fue Lorca un poeta riguroso en el que se aúnan sabiamente inspiración, conocimiento de los más diversos autores y fuentes, y técnica compositiva. Confluyen en él la capacidad para conocer y asimilar todo tipo de poesía, y la facultad para personalizar y hacer suyos todos los influjos.
Formalmente, aparecen unidas en su poesía la pasión y la perfección, lo humano y lo estéticamente puro, lo popular y lo culto. Le atrae la poesía tradicional, el cante jondo, los cancioneros de los siglos XV y XVI, la poesía árabe, Góngora, Bécquer, Juan Ramón Jiménez, Machado Unamuno, Rubén Darío, Neruda… En su obra de inspiración folclórica encontramos recuerdos de juegos, amores imposibles, evocación melancólica de la niñez, de Andalucía o del mar. En sus composiciones de inspiración personal, será el sentimiento del destino trágico del hombre. Los principales poemarios de Lorca son:


  • Canciones (1921-1924). Lorca depura y esencializa la lírica popular, que ha podido sentir plenamente en forma de juegos y canciones durante su infancia.

  • Poema del Cante Jondo (1921 y 1924, publicado en 1931). Lorca expresa su dolor ante la vida a través de los cantes de nuestra tierra.

  • Romancero Gitano (1924-1927, publicado en 1928). Lorca se preocupa por los marginados. Aparece el tema del destino trágico del hombre.

  • Poeta en Nueva York (1929-1930). Es una obra surrealista, escrita en versos libres que refleja el impacto que esta gran ciudad le produjo. Se advierte el ahogo y la rebelión contra un mundo deshumanizado. Los temas del libro son el materialismo, la esclavitud del hombre por la máquina, la injusticia social, los negros (marginados como los gitanos).

  • Sonetos del amor oscuro (1935-1936). Desarrolla el tema del amor prohibido.

  • Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935). Es una gran elegía a la muerte de su amigo torero, donde se fusiona lo popular y lo culto.


Teatro
En conjunto, la obra de Lorca supone un intento constante de depuración y una búsqueda del restablecimiento de la pureza original del teatro clásico y popular en el mejor sentido de la palabra. Gracias al valor universal de su teatro, Lorca se ha convertido en uno de los dramaturgos españoles más conocidos de todos los tiempos, un clásico cuyas piezas siguen representando las compañías teatrales más reconocidas del mundo.
El teatro de Lorca parte de tres principios:


  • Depurar el teatro poético. No escribió teatro en verso (en sus obras más representativas), pero supo emplear la expresión adecuada para evocar los ambientes en los que sitúa la acción. La incorporación de ritmos y formas populares a través de canciones, letrillas, letanías o coros conecta su producción, por otra parte, con el teatro clásico, también poético por excelencia.




  • Integrar en su dramaturgia tanto las tendencias vanguardistas como los rasgos propios del teatro tradicional. Así, se pueden reconocer influjos muy diversos: el Valle-Inclán de los esperpentos, algo de Surrealismo, Marquina, el mejor Benavente, el teatro clásico y el popular; sin embargo, lo que destaca en Lorca es su habilidad para armonizar y hacer suyos estilos muy diversos.



  • Acercar el teatro al pueblo.


En cuanto a la temática, Lorca elige a la mujer como protagonista principal. Ésta suele representar el ansia de libertad en una sociedad patriarcal y machista; una mujer marcada siempre por un destino trágico y por pasiones que se verán condenadas al olvido o al rechazo.
En líneas generales, se produce un enfrentamiento de dos series de fuerzas que han sido designadas por la crítica como principio de autoridad y principio de libertad: por un lado, orden, tradición, realidad y colectividad; por otro, instinto, deseo, imaginación, individualidad. Ambos principios son siempre los polos fundamentales de la estructura dramática. A ellos se suma la fuerza del amor, normalmente imposible, planteado sobre el conflicto entre el deseo y la realidad, la libertad y la autoridad. Como consecuencia, surge la frustración, que aparece en todas las obras y es el eje fundamental de sus mejores piezas: Bodas de Sangre (amor frustrado), Yerma (maternidad frustrada) y La Casa de Bernarda Alba (amor y libertad frustrados).
Rafael Alberti
Obra
En la obra de Alberti aparece una gran variedad de temas, de tonos (del humorístico y juguetón al angustiado; de lo sentimental a lo reivindicativo y comprometido) y de estilos (poesía pura, neopopularismo, barroquismo, Futurismo, Surrealismo…)
Temas recurrentes en su poesía son la continua vuelta a sus raíces, la búsqueda ininterrumpida de la arboleda perdida, la irreprimible nostalgia por su tierra, por el mar, por España…
Las principales etapas de su obra son:


  • Etapa neopopular. Marinero en Tierra (1924), La amante (1926) y El alba de alhelí (1927). En estas obras desarrolla el motivo de la nostalgia, centrada en su tierra natal y en el mar, como símbolo de la pureza asociada a la infancia, al paraíso original.

  • Etapa de barroquismo y vanguardismo. Podemos señalar dos obras básicas:




  • Cal y canto (1926-1927). Poemario gongorino y futurista en el que se observa un gran dominio de la técnica. Aborda el mundo de los mitos modernos. El título hace referencia al hermetismo de esta lírica.

  • Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos (1929). Se trata de un libro futurista dedicado a las figuras del cine mudo.




  • Etapa surrealista. Sobre los ángeles (1929). Responde a una crisis religiosa y vital del poeta y es, quizá, su obra maestra. Está escrita en versos libres, cortos al principio, progresivamente mayores (versículos). El poeta se ve sin luz para siempre, expulsado del paraíso perdido, y va errando por un mundo caótico y sin sentido. Los ángeles, que dan título al libro, simbolizan la crueldad, la tristeza, la desesperanza, la muerte, etc.; es decir, distintos aspectos del ser humano. En la misma línea de desesperación surrealista escribe Sermones y moradas (1929-1930).

  • Etapa cívica. Se trata de obras de temática social y política, de tono revolucionario: Elegía cívica (1930), El poeta en la calle (1930-1931), De un momento a otro (1938), etc. Es una poesía de urgencia, a veces de calidad, a veces panfletaria.

  • Etapa del exilio. Se caracteriza por la mezcla de diversos estilos y temas; predominan las obras sobre el destierro y la añoranza de la patria perdida (Retornos de lo vivo lejano, 1948-1952; Roma, peligro para caminantes, 1964-1967). También continúa escribiendo poesía política (Coplas de Juan Panadero, 1949).


Estilo
En la poesía de Alberti conviven la tendencia folclórica y de acercamiento a la poesía popular con el lenguaje vanguardista, complejo y rupturista. Marinero en tierra y Sobre los ángeles reflejan cada una de estas tendencias. Se trata de una poesía en permanente cambio, que bebe de las fuentes tradicionales para revitalizarlas y renovarlas, de ahí la constante evolución estilística de este poeta.
Luis Cernuda
Obra
La personalidad de Cernuda se caracteriza por una mezcla de soledad e hipersensibilidad, y por el eterno conflicto entre la realidad y el deseo. Sus principales influencias proceden tanto de autores románticos (Keats, Hölderling, Bécquer…) como de los clásicos españoles, en especial Garcilaso de la Vega. Se observa en él una voluntad de síntesis muy propia de la Generación del 27.
Su obra se basa en el contraste entre el deseo de realización personal y los límites impuestos por la realidad. Los temas más habituales son la soledad, el deseo de un mundo habitable y, sobre todo, el amor, ya exaltado, ya insatisfecho, ya prohibido.
Desde 1936, Cernuda reúne sus libros bajo un mismo título: La realidad y el deseo, que se va engrosando hasta su versión definitiva en 1964. Esta obra está formada por varios ciclos:


  • Inicios. Aúna la poesía pura (Perfil del aire, 1924-1927) y la clásica, influida por Garcilaso (Égloga, elegía y oda, 1927-1928).

  • Surrealismo. Un río, un amor (1929) y Los placeres prohibidos (1931).

  • Plenitud. Su obra capital es Donde habite el olvido (1932-1933), un libro desolado, triste y profundamente sincero con un lenguaje ya propio. En esta lírica se sitúa Invocaciones a las gracias del mundo (1934-1935). Tres temas fundamentales encontramos en esta obra: la belleza de los cuerpos masculinos, el destino del artista y la filosofía de la soledad.


Después de la guerra continúa con su línea de depuración estilística y trata temas como el de la patria perdida, recordada con añoranza o rechazada. Persiste su amargura. De esta época es Desolación de la quimera (1956-1962), obra final en la que reafirma todo su pensamiento.
En prosa escribe Ocnos (1942), inolvidable evocación de Sevilla desde la distancia, y Variaciones sobre tema mexicano. Fue también un agudo crítico literario y reputado traductor de autores como Shakespeare.
Estilo
Posee Cernuda un estilo muy personal, alejado de las estéticas pasajeras. En sus inicios cultiva la poesía pura, el clasicismo y el Surrealismo, pero a partir de 1932 inicia un estilo propio, cada vez más sencillo (de una sencillez lúcidamente elaborada), basado en un triple rechazo: de los ritmos muy marcados (de ahí el constante uso de versos blancos y versículos en sus obras), de la rima, y del lenguaje brillante y sobrecargado de imágenes. Con este estilo el poeta desea acercarse al lenguaje hablado y al tono coloquial. Su influencia posterior, especialmente a partir de la generación de 1950, es enorme.
Vicente Aleixandre
Obra
Es uno de los poetas españoles que más cultivó el Surrealismo. En Aleixandre se manifiesta un deseo de integración y comunicación con lo universal, de ahí el paisaje de su poesía. Dicha unión se consigue gracias a dos grandes ejes: el amor y la muerte. Su obra suele dividirse en tres etapas:


  • Vanguardista. Aleixandre asume los postulados surrealistas con entera libertad, tanto en la expresión como en la exploración del subconsciente, y llega a ser uno de los máximos representantes de esta corriente poética. En la primera etapa de su producción, se centra en la imperfección, la angustia y la fragilidad humanas. Aleixandre se muestra panteísta y desea fundirse con la naturaleza como modo de participar de su armonía. Destacan los libros Ámbito (1928), Espadas como labios (1930-1931), La destrucción o el amor (1932-1933) y Sombra del paraíso (1939-1943). Los componentes surrealistas se funden con las influencias de los clásicos.

  • Abandono del Surrealismo. Se observa una visión solidaria y grandiosa del hombre, el poeta desea convertirse en la voz del pueblo: Historia del corazón (1945-1953) y En un vasto dominio (1958-1962).

  • Período metafísico. Poemas de la consumación (1968) y Diálogos del conocimiento (1974). El poeta añora la juventud y se preocupa por el misterio de la existencia, por el sentido último de la vida y el mundo.


Estilo
Destacan en la difícil poesía de Aleixandre las metáforas arriesgadas, los símbolos, así como las imágenes visionarias, deslumbrantes y herméticas. Se sirve muy a menudo del versículo, con abundantes estructuras de repetición (paralelismos, anáforas, enumeraciones caóticas). Asimismo, es llamativo el empleo de la conjunción o con valor explicativo: La destrucción o el amor.
Pedro Salinas
Obra
Pedro Salinas es considerado uno de los mejores poetas de amor, no sólo de la Generación del 27 sino de toda la historia de la literatura europea. Su aventura hacia lo absoluto, como él mismo califica su poesía, ha sido dividida en tres etapas:


  • Hasta 1932. Poesía pura influida por Juan Ramón Jiménez y con aires futuristas: Presagios (1932), Seguro azar (1929) y Fábula y signo (1931).

  • Entre 1935 y 1939. La temática fundamental es la de un amor antirromántico, fuente de crecimiento humano, que otorga sentido a la existencia. La voz a ti debida (1933), Razón de amor (1936) y Largo lamento (1939) son las principales obras de esta época.

  • Desde 1939. En este período sufre Salinas un profundo conflicto entre su fe sincera en el ser humano y las amargas circunstancias exteriores (exilio, Guerra Civil, Segunda Guerra Mundial, lanzamiento de la bomba atómica…). Sus obras fundamentales son El Contemplado (1946), Todo más claro (1949) y Confianza (1955), libro póstumo.


Aparte de por su labor poética, Salinas destaca por la profundidad de sus ensayos sobre la creación literaria: Jorge Manrique a tradición y originalidad (1947) o El defensor (1948), así como por la composición de más de una decena de piezas teatrales y una novela, La bomba increíble (1950).
Estilo
Al igual que su compañero Jorge Guillén, Salinas busca la esencia de las cosas, convirtiéndola en materia lírica. Usa un lenguaje poco recargado, antirretórico, caracterizado por el empleo de antítesis, políptotos y pronombres personales (que, a su juicio, captan mejor la esencia de los seres que los nombres propios). Utiliza una métrica variada y, generalmente, sin rima.


Jorge Guillén
Obra
Guillén, al igual que Baudelaire o Juan Ramón Jiménez, hace coincidir vida y obra, y lo plasma en un libro titulado Aire nuestro, que se divide en cinco ciclos: Cántico (1919-1950), Clamor (1950-1963), Homenaje (1967), Y otros poemas (1973) y Final (1982). Destacan los tres primeros.


  • En Cántico se recogen trescientos poemas en los que se reafirma el estado de satisfacción del autor ante la realidad: El mundo está bien hecho. Se nos ofrece una visión del mundo carente de dramatismo donde el amor es el cenit de la existencia. Canta al amanecer, al mediodía, a la primavera. Nos habla de luz, pájaros, árboles, mar, y de elementos de la realidad cotidiana: sillón, café… Para designarlos como actuales se sirve del presente.

  • Clamor, tiempo de historia es un ciclo dividido a su vez en tres partes: Maremágnum (1957), Que van a dar en la mar (1960) y A la altura de las circunstancias (1963). En todas ellas se aprecia un cambio en los temas, en el enfoque y en el estilo: ahora Guillén se sensibiliza y protesta contra el dolor provocado por las desafortunadas circunstancias históricas, aunque, paradójicamente, desde el optimismo. Es éste el momento en el que trata el tema de España: la Guerra Civil, el exilio…

  • Homenaje es la celebración de personajes ilustres de las artes (Góngora, Fray Luis, etc.) que lo ayudaron en su maduración intelectual.


Estilo
Guillén es el máximo representante de la poesía pura dentro de su generación. Aunque elija asuntos y elementos de la realidad inmediata, emplea un lenguaje sumamente elaborado y condensado, aparentemente simple por el uso de una sintaxis poco enrevesada, pero con cierta dificultad. A diferencia de Pedro Salinas, es un virtuoso de las estrofas clásicas, sobre todo de la décima y del soneto; emplea también el verso libre. Consideraba Guillén que todos los versos de un poema debían tener el mismo relieve, la misma importancia. De ahí que los escriba siempre con inicial mayúscula. En él confluyen de manera particular las corrientes extranjeras (Baudelaire, Valéry) y la más pura tradición española (Berceo, Machado, Juan Ramón Jiménez, Unamuno, el Romancero…), en especial, según parte de la crítica, San Juan y Fray Luis, que aportan a su poesía cierto aire místico.
Gerardo Diego
Obra
La poesía de Gerardo Diego se caracteriza por sus sorprendente variedad en cuanto a técnica, estilo y temas (religión, amor, tauromaquia…). Es capaz de hacer desde una poesía en la línea más tradicional española, con poemas al estilo de Bécquer o de los modernistas, hasta una poesía creacionista o ultraísta. Éste es un perfecto ejemplo de una de las características fundamentales de los autores del 27: la mezcla entre tradición y originalidad. Entre sus mejores composiciones se encuentran: El romancero de la novia (1918), obra de corte lírico tradicional con innovaciones formales; Imagen (1918-1925), al más puro estilo creacionista, como Manual de espumas o Poemas adrede (1924); Versos humanos (1925), que destaca por la maestría de sus sonetos; y su mejor obra clasicista, Alondra de verdad (1941).
Estilo
Gerardo Diego es un gran maestro en el arte de versificar y que maneja multitud de estilos y tonos diferentes. En la línea tradicional es conocido por sus canciones de corte popular y sus sonetos de perfecto acabado; en la línea vanguardista presenta una mayor variedad, caracterizada, entre otras cosas, por el verso libreo las técnicas tipográficas de raíz creacionista. Utiliza a la perfección los recursos retóricos, de los que símiles, metáforas, juegos de palabras e imágenes son sus figuras mejor trabajadas.
Dámaso Alonso
Obra
Comenzó su andadura, como otros integrantes del 27, por los caminos de la poesía pura: Poemas puros y Poemillas de la ciudad (1921), pero, con la posguerra, da a conocer su obra de mayor calidad: Hijos de la ira (1944). Esta obra contiene una poesía desarraigada que parte del convencimiento de que el mundo no está bien hecho, lo que le provoca angustia y decepción. Está escrita en versículos, en los que el poeta interroga a Dios sin obtener respuesta.
En 1955 escribe Hombre y Dios. Supone el reconocimiento de un Dios que ve la creación a través de los ojos del hombre. Escribió también Tres sonetos sobre la lengua castellana y Poemas escogidos (1969), Gozos de la vista (1981) y Antología de nuestro monstruoso mundo: Duda y amor sobre el Ser Supremo (1985).
Las ediciones críticas que realizó de Polifemo y las Soledades, de Góngora, marcaron un hito en su época.
Estilo
En sus primeras obras, además de seguir los dictados de la poesía pura juanramoniana, se verá influido por la vertiente más popular del maestro Machado; en cambio, en poemas posteriores emplea un lenguaje más rudo y árido, a veces religioso, y de incuestionable rigor formal.

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