1. perspectiva y profundidad






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título1. perspectiva y profundidad
fecha de publicación24.06.2015
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LA COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN
1. PERSPECTIVA Y PROFUNDIDAD
La perspectiva es la forma en que los objetos están representados con una ilusión de tridimensionalidad en una superficie plana. La perspectiva es la ilusión de profundidad. El realismo de una fotografía esta muy ligado a como se ha representado la perspectiva. Siempre que queramos trasmitir una sensación de profundidad utilizaremos las leyes de la perspectiva, en ocasiones no nos interesa la profundidad de la fotografía y obviaremos estas normas.

Distinguimos entre perspectiva lineal y atmosférica.

PERSPECTIVA LINEAL O GEOMETRICA:

Es aquella que se sirve de las líneas y planos de la imagen y de sus relaciones para crear sensación de profundidad. Mediante las líneas convergentes y su unión que es el punto de fuga, evidenciamos el punto de vista fijo de observador y de cómo se crea la profundidad en el acercamiento de esas líneas. Ejem: vías del tren, edificios vistos desde abajo, etc.

PERSPECTIVA ATMOSFERICA:

Se llama así a las variaciones de tono y color con las distancias. Ejem: en un paisaje las zonas próximas tienen un color y un tono mas intenso que en las alejadas. Como consecuencia podemos decir que los colores cálidos se perciben como próximos y los colores fríos como mas alejados. Y en cuanto a los tonos los oscuros se acercan y los claros se alejan.
2. ELEMENTOS EN LA COMPOSICIÓN
Cuando fotografiamos no vale solo con trasmitir una información o un sentimiento, hay que darle forma para que llegue al espectador de una manera efectiva y éste capte lo que queremos expresar. La imagen debe ser homogénea y estructurada y en ocasiones armoniosa y bella. Todo esto lo conseguimos a través de la composición.

Componer es formar un todo a través de la organización de sus partes. Muchas veces el fotógrafo no puede mover los objetos de la escena, pero si puede encuadrar, disponer dentro del formato los objetos de la manera más armónica posible.

Componer y encuadrar no son la misma cosa, componer es ordenar un encuadre. La composición se rige por unas reglas unas veces heredadas de la pintura (porción áurea, ley de los tercios, etc.) y otras propias a la fotografía (flou, barridos etc.) o el cine (movimiento). Hay que conocer estas normas y sobre todo asimilarlas para que con el paso del tiempo y la práctica pasen a formar parte del subconsciente del fotógrafo y también para que éste decida si le interesa seguirlas o no.

Una fotografía es primeramente algo hecho de unidad, de equilibrio y de simplicidad: la confusión de pensamiento y la mezcla de sentimientos no conduce a una imagen bien estructurada.

La imagen esta formada por líneas, superficies y volúmenes tal y como la luz y la perspectiva nos la hace aparecer en dos dimensiones. Líneas, superficies, volúmenes, sombras, luces, colores, pueden expresar o sugerir sentimientos o conceptos, estos hay que jerarquizarlos para darle legibilidad en una proporción y armonía.
Una foto bien compuesta esta siempre equilibrada, esto no quiere decir que sea geométricamente simétrica. Llamamos equilibrio a un reparto de los elementos de la composición de la imagen de tal manera que el espectador no sea atraído hacia una zona sin interés. Una composición asimétrica no presenta dos zonas iguales a un lado y a otro del eje de simetría pero puede estar perfectamente equilibrada si los elementos están bien repartidos. Una composición simétrica siempre esta equilibrada pero puede llegar a ser monótona, pesada y poco seductora.
A continuación se decriben los elementos que juegan en la composición de la imagen.
EQUILIBRIO: el concepto de equilibrio hace referencia al peso que se atribuye a cada uno de los elementos que integran la imagen y a la forma de distribuirlos en el encuadre. Podemos diferenciar masa y peso. Masa es la “mancha” de color o tono que ocupa un determinado elemento y el peso se refiere a la importancia visual de la masa. El equilibrio se valora en relación a una base que sustenta los pesos. El ser humano se desenvuelve normalmente en un plano horizontal (el suelo), y por ello dicho equilibrio se analiza según una base nivelada horizontalmente. En una composición simétrica al tener la misma masa a un lado y a otro del encuadre tenemos los pesos equilibrados. En una composición asimétrica debemos equilibrar los pesos de las masas. Esto lo hacemos a base de contraponer elementos con pesos similares. Por ejemplo, si tenemos una masa de tono claro a la derecha del encuadre habrá que contraponer una masa de un tono más oscuro y menor al otro lado (lo oscuro pesa más). El fotografo tiene que imaginarse la imagen en masas y pesos y poner estos en una balanza imaginaria para conseguir el equilibrio. Al no haber dos fotos iguales no hay reglas fijas para hacer esto, solo consejos.
CENTRO DE INTERES: tenemos que establecer un orden de prioridad en la lectura de la imagen, es decir, que el espectador vea o perciba de una manera predominante una zona u objeto del encuadre. A esto le llamamos centro de interés, y no es otra cosa que el elemento que el fotografo a elegido como predominante para expresar correctamente lo que desea. Mediante una buena composición logramos que el espectador se mueva por la fotografía y acabe fijando su mirada de un manera fácil en ese centro de interés.
PROPORCIÓN AUREA: también llamada la sección aurea o dorada, el número de oro. Es una relación de proporciones que otorga a una composición un equilibrio perfecto. Esta proporción está en la naturaleza y descubierta para el arte. Tenemos ejemplos en la concha de un caracol, la cola de un pavo real, una nebulosa, la división por el ombligo del cuerpo, etc. La proporción aurea dice que la parte pequeña es la grande lo que la grande es al todo. La calculamos dividiendo una línea en trece partes, el punto correspondiente al ocho será donde se divide la línea en la proporción más armoniosa. También se puede hacer dividiendo entre cinco, en este caso estaría en el tres.
LEY DE LOS TERCIOS: no es más que una aproximación simplificada a la proporción aurea.

Sí dividimos el encuadre en tres partes iguales a lo ancho y a lo largo conseguimos cuatro líneas denominadas fuertes y las cuatro intersecciones de estas llamadas puntos fuertes. Evidentemente las líneas y los puntos fuertes de la derecha son mas potentes. Lo único que nos queda es colocar al objeto principal en uno de los puntos o las líneas fuertes.
LINEAS: la línea es uno de los elementos gráficos más simples, y a la vez más efectivos de la composición. Las líneas pueden configurar la estructura de la imagen: guían la visión dentro del encuadre, centran la atención sobre el centro de interés, indican dirección y distancia, definen contornos y separaciones, sugieren situaciones estáticas o dinámicas, tramiten estabilidad desequilibrio, crean sensación de profundidad, etc. A veces es preciso oponer unas líneas a otras, al igual que oponer la luz a la sombra, los colores saturados a los insaturados, etc., estas delimitaciones forman vías de lectura para la mejor comprensión de la imagen.

Las líneas tienen un poder especial, para expresar sentimientos, actúan casi como símbolos. Las líneas pueden estar “dibujadas” en la fotografía de una manera camuflada (cuerpo humano, montañas…) o pueden ser evidentes (escalera, carretera…). Las líneas no actúan como algo aislado sino que están íntimamente relacionadas unas con otras y con el resto de la imagen.

Valores simbólicos de la línea:

- Línea recta: rigor, decisión, clarividencia…

- Línea curva: voluptuosidad, indecisión, suavidad, si hay muchas puede llegar a expresar

confusión o agobio.

-Línea diagonal: dinamismo, agitación, confusión…

-Línea vertical: espiritualidad, elevación, virilidad, fuerza, dignidad…

-Línea horizontal: calma, reposo, tranquilidad, sosiego, feminidad…

La longitud de la línea determina el grado de efectividad, de tal manera que cuanto más larga sea más efectiva será.
RITMO: es la repetición de elementos en la composición (lineas, colores, formas). Crea una atraccción clara en el espectador.
CONTRAPUNTO: el contrapunto esta muyrelacinado con el ritmo y es un elemento o elementos que ese oponen por diferencia a los elementos predominantes en el encuadre.
FORMA: la forma es el medio más inmediato de identificar un objeto. Incluso un objeto sin detalle, simplificado a una silueta podemos identificarlo o por lo menos actuará como un elemento atractivo en la escena. La forma constituye por lo tanto la base a la que se le puede añadir tono, color, textura y detalle. La manera más extrema de tratar la forma es mediante la silueta, ésta es la figura convertida en una mancha de sombra.
TEXTURA: la textura muestra la cualidades táctiles que tienen los objetos. La textura es una de las características que contribuyen en mejor medida a hacer creíble una fotografía, al crear la ilusión de tridimensionalidad por lo tanto de trasmitir sensaciones táctiles y visuales. Permite diferenciar las cualidades de los diversos materiales que componen la escena. La apreciación de la textura se acentúa cuando la iluminación destaca el relieve de los motivos y muestra la suavidad, aspereza o dureza de los mismos. Podemos crear equilibrio en una composición utilizando la textura, pues el observador unifica la masa que tiene una misma textura y la contrapone a otra masa. También se puede tratar la textura como elemento armónico que crea un ritmo repetitivo en la composición.
VOLUMEN: resaltando el volumen de los objetos que fotografiamos hacemos percibir al espectador una imagen con profundidad (tridimensional) donde realmente solo hay una imagen plana (bidimensional). El volumen lo consegimos a traves de las líneas en perspectiva; las diferencias de tono y color; la luz, con sus zonas de sombra.
DIMENSIÓN: Es el tamaño con el cual aparece la imagen ante el espectador. Condiciona la forma de ver o leer la imagen, si es pequeña el espectador podrá no ver adecuadamente alguna parte de la fotografía. Por lo general, podemos decir, qué cuanto más grande sea la imagen más impacto ejerce en el espectador.
FORMATO: marca los limites del espacio del encuadre. Es el lienzo en blanco dónde colocaremos los elementos de la composición. Condiciona fuertemente la composición al aportar sus propios valores.

Independientemente del formato que se utilice se puede crear formatos virtuales dentro del encuadre, a esto le llamamos marcos. Se puede utilizar cualquier tipo de forma que contribuya a resaltar el formato que tenemos o a variarlo: fotografiar a través de una ventana o una puerta pueden servirnos para esto.
ESCALA: la escala se ocupa de la relación aparente de tamaño que una imagen trasmite. El espectador percibe el tamaño, la distancia, la altura, etc. interpretando una serie de claves visuales: comparando lo circundante con el sujeto del que sabe su tamaño por conocerlo de forma experimental; comparando el sujeto con objetos adyacentes de tamaño conocido; en función del espacio que ocupa el sujeto dentro del encuadre; relacionando las claves de perspectiva de la toma.

PUNTO DE VISTA: hace referencia a la situación y angulación de la cámara respecto al objeto. Tiene gran importancia para la composición del tema y para la transmisión de emociones, sensaciones y conceptos tales como respecto, menosprecio, grandiosidad, etc. Antes de realizar una toma, el fotógrafo debe tener en cuenta los diversos puntos de vista posibles hasta asegurarse que la posición de la cámara es la adecuada para transmitir el concepto que quiere. Es de gran ayuda para conseguir una buena toma, girar en torno al motivo mirando a través del visor hasta hallar el encuadre más idóneo. Podemos diferenciar cuatro parámetros de punto de vista: distancia, angulación vertical, angulación horizontal y angulación en el eje.
3.- TONO Y COLOR
COMPOSICIÓN TONAL: se entiende por tono en fotografía, la respuesta en cantidad de blancos, grises y negros de una toma fotográfica con una película en blanco y negro. Es evidente que la obtención de fotografías en blanco y negro produce un mayor distanciamiento iconográfico respecto a la realidad, lo que suele representar una mayor atracción hacia la fotografía debido a su “no parecido” con la realidad.

También el tipo de iluminación influye en el resultado, la iluminaciones con fuentes pequeñas producen mucho contraste, mientras que las fuentes grandes producen poco contraste y una mayor cantidad de grises intermedios.

El tono es capaz de crear contraste entre varias zonas del encuadre, de esta forma, controlando las masas que producen los tonos y repartiéndolas en el encuadre podemos crear zonas de más atención que otras. La forma en que la vista percibe un tono determinado depende en gran medida de lo que rodee a ese tono. Un tono gris medio se percibirá más claro si está rodeado de una masa negra y se percibirá más oscuro si esta rodeado de una masa blanca. Las fuertes diferencias tonales entre el motivo y el fondo son apropiadas para temas espectaculares, dónde queremos que el espectador perciba rápida y claramente el motivo. La mejor manera de dar un énfasis sutil sin destruir el ambiente tranquillo, es recurrir a tonalidades suavemente degradadas. En ocasiones nos puede interesar no resaltar el motivo y “esconderlo” en el encuadre, aquí utilizaríamos una técnica contraria: no contrastar el motivo rodeándolo de tonos parecidos. Un predominio de tonos oscuros trasmiten sensaciones dramáticas, sombrías, amenazantes, etc. Por el contrario si hay un predominio de tonos claros las sensaciones son más alegres, más tranquilizadoras, etc.
COMPOSICIÓN CON EL COLOR: el color tiene un papel fundamental en composición, en lo que se refiere a trasmitir o sugerir emociones en el espectador. De hecho el color tiene que coincidir con la composición formal, en el objetivo a alcanzar. El control sobre el color dependerá de la situación, si la toma está premeditada debemos colocar los elementos a fotografiar teniendo en cuenta su color, si la toma no está preparada debemos elegir que colores saldrán y cuales ocultaremos y como distribuiremos estos colores.

El peso del color es un factor bastante subjetivo, que depende mucho del espectador, pero generalizando se puede decir que el color que más pesa es el rojo, seguido del naranja, el amarillo, el verde y por último el azul, aunque éste si está muy saturado puede llegar a pesar más que un amarillo o verde. La saturación del color influye en el peso, los saturados pesan más que los insaturados o lavados.

A través del color se trasmiten sensaciones:

  • Colores fríos: frío, desasosiego, distancia…

  • Colores cálidos: calor, recogimiento, cercania, comodidad, etc.

  • Colores suaves, también llamados pastel o insaturados, tienden a vincularse a la delicadeza y a la fragilidad.

  • Colores puros e intensos, llamados saturados tienden a sugerir sensaciones de vigor, agresividad.

  • Rojo: es uno de los colores más vibrantes y tensos del espectro visible. Una simple mancha de color atrae la atención del espectador con gran fuerza. Tiene connotaciones de peligro, pasión, violencia

  • Verde: suele asociarse a situaciones de frescor y naturaleza, de ahí que en el espectador sugiera frescor, pureza, tranquilidad…

  • Azul: tiende a producir una sensación de frescor, humedad, limpieza, y al ser totalmente opuesto al rojo tiene connotaciones de pasividad, neutralidad, normalidad.

  • Amarillo: al ser un color cálido tiene cualidades parecidas al rojo, pero menos pasionales y más positivas u optimistas, puede ser el color de la felicidad.

  • Naranja: está directamente asociado a la sensación de calor.

  • Blanco: es el color de la pureza, virginidad o inocencia.

  • Negro: tiene connotaciones negativas de muerte, destrucción, dolor.



4.- PARAMETROS ESPECÍFICOS DE LA COMPOSICIÓN EN AUDIOVISUALES
La fotografía, el cine y el vídeo como técnicas únicas e independientes de otras artes, dispone de una serie de parámetros que pueden ser utilizados no solo con fines técnicos, sino también creativos y expresivos:
LA OBTURACIÓN: el obturador aparte de servirnos para exponer correctamente la película, condiciona la nitidez de la imagen fotográfica. Por lo general, la idea sugerida gracias al emborronamiento es la de movimiento. Una fotografía de un objeto móvil “movido” sugiere movimiento, velocidad, dinamismo, etc. Una fotografía congelada de un objeto móvil puede expresar la idea de la fugacidad del tiempo, el instante que no volverá etc. Con la imagen en cine y vídeo funciona bastante parecido, los timpos de obturación extramaddamente largos que producen imagen movidas son atractivas por diferentes y tienen connotaciones de dinamismo, psicodelia, aberración, etc.
LA EXPOSICIÓN: exponer correctamente es una técnica imprescindible para cualquier fotógrafo, pero en ocasiones éste puede realizar una exposición “incorrecta”, subexponiendo o sobreexponiendo para trasmitir ideas, conceptos, etc. El efecto de subexposición se le llama clave baja o “low key” y el efecto de sobreexponer, clave alta o “high key”. La clave alta esta indicada por lo general para objetos claros sobre fondos claros cuando se quiere exagerar esta claridad, expresa delicadez, fragilidad, ligereza, etc. Se recomienda utilizar luces difusas y que ningún elemento sea demasiado oscuro para que no rompa la unidad de la composición. La clave baja está más indicada para objetos oscuros o grises sobre fondos oscuros aumentando la tenebrosidad; sugiere misterio, oscurantismo, dureza, maldad, sordidez, etc. La luz más indicada es la dura.
EL ENFOQUE Y LA PROFUNDIDAD DE CAMPO: lo que un fotógrafo ortodoxo hace siempre que va a fotografiar es enfocar el objeto u objetos donde quiere concentrar la atención del espectador, pero en ocasiones una imagen desenfocada total o parcialmente puede sugerir aspectos que serían intrasmitibles con una fotografía perfectamente enfocada: confusión, desvanecimiento, onirismo, etc. El grado de desenfoque condicionará la forma, tono y/o color de la mancha resultante.

En un tipo de fotografía más normal el fotógrafo controla la profundidad de campo para aislar al objeto de su entorno (poca profundidad) o lo relaciona con su entorno (mucha profundidad).
EL OBJETIVO: independientemente de las características técnicas (luminosidad, resolución, etc.) un objetivo condiciona una toma por su ángulo de visión y la distorsión que éste provoca.

El objetivo normal no produce distorsión a no ser que nos acerquemos demasiado al objeto; trasmite la idea de la visión fiel de la realidad, por lo que es muy aconsejable en fotografía documental y naturalista.

El objetivo tele produce una distorsión en la imagen de aplanamiento y una escasa profundidad de campo, es atractivo para el espectador en la medida que “cambia” la realidad, puede sugerir agobio, claustrofobia, bidimensionalidad, etc.

El objetivo gran angular produce una distorsión muy acusada sobre todo en los objetos más próximos al objetivo y más acentuado cuanto más angular sea el objetivo. Tiene una gran profundidad de campo. Suele producir en el espectador una atracción automática debido al gran grado de diferencia con la realidad, sugiriendo aparte irrealidad, onirismo, psicodelia, aberración, etc.
EL GRANO: el grano en la imagen positiva condiciona el grado de nitidez de la toma, pero aparte puede aportar a la fotografía otros valores. Si la fotografía tiene una grano fino conseguiremos una imagen de gran nitidez lo cual estará indicado para trabajos donde prima la fidelidad a la realidad (documentalismo clásico, industrial, etc.). Las fotografías con un grano excesivo sugieren de entrada un desmarque de la realidad llegando a trasmitir ideas de romanticismo, onirismo, etc. El grano grande suele dar mejores resultados en el blanco y negro que en el color.
EL MOVIMIENTO: al moverse la camara y tambien los objetos dentro de la imagen, el equilibrio debe mantenerse a lo largo de toda la duración del plano.

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