Historia del Museo de Bellas Artes de Valencia






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ACADEMICISMO



A la muerte de Carlos II (sin descendencia) en 1700, siguió un período de guerra, la Guerra de Sucesión, en la que dos casas reales, los Borbones (Felipe V) y los Austrias (archiduque Carlos) se disputaban el trono de España. Tras la batalla de Almansa (1707), Felipe V ganó la guerra y suprimió todos los privilegios de los territorios conquistados. Es a partir de aquel momento cuando se pudo empezar a hablar de España como una unidad.

En este contexto empezaron a crearse las Reales Academias de Bellas Artes (también de matemáticas, de ciencias, etc.), entroncando con los postulados de la Ilustración. La primera Academia surgió en el siglo XVII en Francia. En España, la primera es la de San Fernando (por el rey Fernando VI), fundada en Madrid en 1744. A iniciativa de José Vergara, en Valencia se creó en 1750 la Academia de Santa Bárbara (en recuerdo de la esposa del rey) que tuvo una vida efímera. Finalmente, en 1768 se fundó la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (en memoria del rey Carlos III).

Las Academias de Bellas Artes centralizaban la formación de los artistas, mientras que los talleres iban desapareciendo. Hacían el papel de las actuales Escuelas de Bellas Artes. Impartían sus clases un grupo de reputados artistas que establecían unas normas muy rígidas. Sus enseñanzas estaban basadas en el orden, la razón y el buen gusto y los alumnos tenían que seguir estrictamente las normas de la Academia para llegar a ser pintores oficiales.

El arte de la Academia se encuentra cercano al neoclasicismo que supone una recuperación de la tradición clásica. La pintura neoclásica es ampulosa, se pone de manifiesto con claridad el primer y el segundo plano y cabe destacar muy especialmente en este periodo el gusto por el detalle.

Por otra parte, la recuperación económica favoreció la presencia cada vez mayor de una burguesía de industriales y comerciantes que querían destacar socialmente. Este hecho, junto al declive de la Iglesia como único cliente, serían dos factores determinantes del cambio de gusto y, por lo tanto, de los géneros llevados a la pintura, tales como el retrato burgués, el bodegón, los paisajes, los temas clásicos (históricos o mitológicos) y los asuntos de carácter popular.

Pese a esto, se trató de un período pobre en la historia del arte español tanto por la oleada de artistas extranjeros de gran calidad que llegaron para trabajar al servicio del rey o por la arrolladora personalidad de Goya. No obstante, hay una serie de pintores valencianos que merecen ser tenidos en cuenta:

  • José Vergara realiza unas composiciones elegantes y amaneradas del gusto rococó en donde predomina la dulzura y la sensibilidad de los temas religiosos como en El Niño Jesús entre los Santos Juanes Niños o Sagrada Familia.

  • José Camarón con Arcángel San Gabriel.

  • Mariano Salvador Maella fue admirador de Mengs y pintor del rey, cargo que le permitió dirigir a Goya en sus primeros trabajos para el monarca. El museo conserva de este autor una Inmaculada que rinde homenaje a Murillo.

  • Agustín Esteve Marqués en su obra Manuel Godoy, fundador del Instituto Pestalozzi presenta influencias de Goya en el grupo de estudiantes.

Es oportuno recordar que Francisco de Goya, pintor del rey, pasó por la Academia, aunque pronto desarrolló su propio arte personal y está considerado como el padre de la pintura moderna en nuestro país. En este sentido, es interesante comparar elementos como la mantilla del Retrato de Joaquina Candado (h. 1802) o la manga y la faja del Retrato del pintor Francisco Bayeu (1786) de Goya, con el pañuelo o la puntilla del Retrato de Doña Dolores Caldes de Monserrat (h. 1842-1850) de Luis López Piquer, que se expone también en el Museo. La pincelada suelta y enérgica del primero contrasta con el detalle y la minuciosidad del segundo. A Goya no le interesa el detalle, en muchos aspectos sus cuadros se podrían considerar como meros esbozos. El color aplicado a golpes define las formas, podemos decir que no hay dibujo. Sin embargo, lo más importante de sus retratos es captar la personalidad de los personajes, su psicología.

De su primera etapa se conservan dos pequeñas obras llamadas Juegos de niños en las que predomina la gracia del juego infantil del paso y el balancín.

En su cargo de pintor del rey le sucedió Vicente López, artista valenciano que destacó por la calidad de sus retratos. Capaz igualmente de captar a la perfección la psicología de los personajes y el ambiente al que pertenecen, la técnica de López es puramente academicista, con precisión en los detalles, primacía del dibujo y lo que se ha dado en llamar “buen gusto”. Se dedicó, principalmente, a la realización de retratos y de pinturas religiosas. Dentro de sus retratos merece un lugar destacado el excelente Retrato del General Narváez (1849), ministro del rey Fernando VII, a tamaño natural y de cuerpo entero.

Las pinturas religiosas, por otro lado, son de dos tipos:

  • Composiciones marianas como la Virgen de la Misericordia y la Virgen de la Merced redentora de cautivos, donde aún se aprecian algunas características del arte barroco (rompimiento de cielo).

  • Cuadros devocionales que recogen la iconografía tradicional como El Corazón de Jesús adorado por ángeles o El Buen Pastor.

Vicente López creó escuela en sus dos hijos, Bernardo y Luís López Piquer, que siguieron de cerca el estilo de su padre, especialmente el primero, realizando también obras de una gran calidad, acordes con la doctrina académica.

Por último, en la llamada “sala de las flores” se ubican los trabajos relacionados con la especialidad de flores y ornatos, creada en 1778, de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, que se impartía para favorecer el impulso de la industria de la seda en la región valenciana, la cual se hallaba en desventaja frente a la competencia francesa. Su primer director fue Benito Espinós que desarrolló un arte centrado en el estudio del natural, base de la enseñanza académica. Desarrolló una serie de modelos que sus seguidores repetirán:

  • Por un lado, las composiciones basadas en el acopio de pimpollos de colores y formas armónicas.

  • Por otro, las guirnaldas florales que enmarcan un motivo central.

Para finalizar la visita al primer piso, encontramos un cuadro de flores pintado sobre un cristal que está, a su vez, colocado sobre un soporte con el fondo pintado, de manera que se consiguen dos planos de profundidad con la superposición de los dos soportes.
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